Boas de metal que se envuelven como una escultura alrededor del cuello del usuario; vestidos de encaje y dientes de alce que encajarían perfectamente en una elegante discoteca; Las camisetas inspiradas en graffiti que integran imágenes de Apache son solo el comienzo. Independientemente de lo que se suponga que se sabe sobre la moda y los estilos de ropa creados por diseñadores nativos americanos, es probable que las expectativas se vean afectadas en una nueva exhibición en el Museo Nacional Smithsonian del Indio Americano, en la ciudad de Nueva York.
Titulado "Native Fashion Now", el programa destaca a 67 diseñadores en los Estados Unidos y Canadá, y data de la década de 1950 hasta la actualidad. Estos creadores van desde grandes nombres en el mundo de la moda, diseñadores hasta celebridades y estrellas de cine, hasta artistas experimentales que usan la ropa como medio para hacer una declaración más amplia. La diversidad de estilos ofrece un sentido profundo de los muchos temas culturales, artísticos y políticos que surgen de las comunidades nativas, y eso es por diseño.
"Queríamos llevar a la audiencia a un nivel de comprensión más profundo y más amplio y realmente celebrar esta multiplicidad de voces", dice Karen Kramer, curadora de Arte y Cultura Nativa Americana y Oceánica en el Museo Peabody Essex en Salem, Massachusetts, la organización que originalmente desarrolló el espectáculo. El espectáculo ya ha visitado otros tres museos antes de su apertura en el Museo Nacional del Indio Americano. "Queríamos alejarnos de una lente antropológica y realmente subrayar la artística, o la agencia de los artistas en su voz creativa".
Con este fin, Kramer trabajó conscientemente para atraer diseñadores y obras que transmitieran una amplia gama de enfoques de la moda y equilibraran la representación geográfica y de género del espectáculo. Al ingresar, los visitantes verán los trabajos de los diseñadores que se han introducido en la corriente principal, y los lectores de blogs y revistas de moda probablemente ya estén familiarizados con sus ofertas: una sombrilla con forma de flor hecha de cuero, cuentas y metal, por Patricia Michaels, primero finalista en la temporada 11 de "Project Runway"; o vestidos de algodón serigrafiados por el diseñador cherokee Lloyd "Kiva" New, el primer diseñador nativo en lanzar con éxito una marca de moda internacional de alta gama (Kiva, una referencia a una estructura religiosa nativa del suroeste).
Estos trabajos se reúnen en la sección "Pathbreakers" del espectáculo: diseñadores que han tenido éxito en las pasarelas de desfiles de modas o vestirse con celebridades (incluidos Betty Ford y Lucille Ball, cuyos vestidos se muestran aquí).
"Esta sección es un punto de entrada para la mayoría de las personas, con artistas que habían logrado cierta visibilidad en la corriente principal", dice Kathleen Ash-Milby, curadora asociada del museo, que organizó la presentación del espectáculo en Nueva York. Es una de las cuatro categorías, que Ash-Milby enfatiza "no son rígidas", pero ayudan a transmitir algunas de las principales líneas de la moda indígena.
The Guardian: Bringer of Thunder, Lightning and Rain de Orlando Dugi (Diné [Navajo]) y Troy Sice (Zuni), bolso, 2013; Cornamenta de alce, cuero de raya, plumas de loro, piel de lince, rubíes, concha, cuentas de vidrio y plata esterlina (Cortesía de los artistas) 
Los nativos americanos descubrieron la camiseta de Columbus de Jared Yazzie (Diné [Navajo]) para OxDx, 2012, algodón (Museo Peabody Essex, Salem, Massachusetts, obsequio de Karen Kramer, fotografía de Thosh Collins) 
Old Time Floral Elk Tooth de Bethany Yellowtail (Apsáalooke [Crow] y Northern Cheyenne) para B Yellowtail, Colección "Apsáalooke", 2014, encaje, aplicaciones de cuero y dientes de alce (Museo Peabody Essex, compra del museo, fotografía de Thosh Collins) 
Corsé y falda de Dallin Maybee (norte de Arapaho y Séneca) y Laura Sheppherd, 2010, seda, algodón y acero; shantung de seda (Portland Art Museum, compra con fondos proporcionados por un donante anónimo, fotografía de Valerie Santagto) 
Botas de Jamie Okuma (Luiseño y Shoshone-Bannock), 2013–14. Cuentas de vidrio en botas diseñadas por Christian Louboutin (francés). (Museo Peabody Essex, comisión con el apoyo de Katrina Carye, John Curuby, Karen Keane y Dan Elias, Cynthia Gardner, Merry Glosband y Steve y Ellen Hoffman © 2015 Museo Peabody Essex, fotografía de Walter Silver) 
Pulsera de Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] y Taos Pueblos) y Eddie Begay (Diné [Navajo]), 2000–10, plata esterlina, ostra espinosa, concha de abulón, turquesa, azabache y ónix. (Cortesía de Catherine B. Wygant © 2015 Peabody Essex Museum, fotografía de Walter Silver) 
Pulsera de Mike Bird-Romero (Ohkay Owingeh [San Juan] y Taos Pueblos), y Ray Adakai y Alice Shay (Diné), 2000–10, plata esterlina, ostra espinosa, concha de abulón, turquesa, azabache y ónix (Cortesía de Catherine B Wygant © 2015 Peabody Essex Museum, fotografía de Walter Silver) 
Túnica Chilkat de Alano Edzerza (Tahltan), 2013 Algodón. (Museo Peabody Essex, regalo de Karen Kramer, © 2015 Museo Peabody Essex, fotografía de Thosh Collins) 
La capa y el tocado Messenger (The Owl), de la Colección Mahotan de Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) para Mahota Handwovens, 2014, hilo de lana de seda; hilo de lana de seda, metal, plata, cuentas de vidrio y plumas de pavo real (Museo de Arte de Portland, compra con fondos proporcionados por un donante anónimo, fotografía de Greg Hall) 
La capa y el tocado Messenger (The Owl), de la Colección Mahotan de Margaret Roach Wheeler (Chickasaw) para Mahota Handwovens, 2014, hilo de lana de seda; hilo de lana de seda, metal, plata, cuentas de vidrio y plumas de pavo real (Museo de Arte de Portland, compra con fondos proporcionados por un donante anónimo, fotografía de Greg Hall) 
Boa posmoderna de David Gaussoin y Wayne Nez Gaussoin (Diné [Navajo]) y Picuris Pueblo, 2009, acero inoxidable, plata esterlina, pintura de esmalte y plumas (Museo Peabody Essex, fotografía de David Gaussoin y el Museo de Arte y Cultura Indios, modelo : Tazbah Gaussoin) 
Coraza de mantarraya, colección "Shokmalli '" de Kristen Dorsey (Chickasaw), 2013-2014, plata esterlina, cuero de mantarraya, larimar, cobre y latón (Cortesía de la fotografía del artista de Carly Street) 
Vestido, capa y tocado de Orlando Dugi (Diné [Navajo]) Colección "Desert Heat", 2012, seda, organza, plumas, cuentas y oro de 24k; plumas y plumas de puercoespín; plumas, cuentas y plata (© 2015 Peabody Essex Museum, fotografía de Thosh Collins, modelo: Louisa Belian) "Revisitors" enfatiza a los artistas que incorporan tradiciones, materiales y estilos nativos en sus obras contemporáneas, "dibujando directamente de la cultura y las convenciones nativas", dice Ash-Milby.
Estos incluyen el vestido de encaje y dientes de alce, diseñado por la diseñadora Crow y Northern Cheyenne Bethany Yellowtail. El diseñador recurrió a prendas de cuentas y otras reliquias familiares para inspirarse en la pieza, que incorpora una línea de dientes de alce a lo largo de las mangas y el pecho, así como apliques florales de cuero. También aquí hay un paraguas de piel de ciervo decorado con imágenes pictóricas de hombres a caballo y otras acciones. Proviene de Teri Greeves, un diseñador de Kiowa con sede en Santa Fe, que hace referencia a la tradición de las historias pictóricas de Plains.
"Había estado yendo al mercado indio de Santa Fe y seguía notando esta proliferación de la moda nativa contemporánea, y el mercado indio estaba cambiando a una visión más expansiva de la moda nativa contemporánea", dice Kramer, describiendo cómo se amplió el enfoque del espectáculo. mientras buscaba artistas para incluir.
Moda nativa ahora: estilo indio norteamericano
Celebrando el diseño nativo americano como una fuerza importante en el mundo de la moda contemporánea, este libro presenta looks hermosos, innovadores y sorprendentes de artistas nativos americanos. La moda estadounidense dominante siempre ha sido influenciada por el diseño nativo americano, y eso se debe a que los artistas nativos siempre han creado prendas, joyas y accesorios exquisitos.
ComprarAdemás de su propia búsqueda de diseñadores, recurrió a las aportaciones de un grupo de asesores que la ayudaron a dar forma a la alineación y a establecer conexiones con diseñadores con los que podría no tener tanta experiencia. Entre sus selecciones estaban ropa de calle, camisetas e incluso patinetas de varios artistas provenientes de las comunidades Apache, Navajo, Tlingit y Athabascan.
Estas obras forman parte del grupo "Activadores", reconociendo a artistas que expresan identidad e ideas políticas a través de sus diseños. El traje de tres piezas de Tommy Joseph con un patrón de águila hace referencia a su grupo del clan Tlingit y la parka y el sombrero de Winifred Nungak, forrados con piel de zorro y rosa teñido, incorporan patrones específicos de las tribus de los artistas, pero con una sensibilidad de estilo callejero.
"Los objetos comenzaron a hablar entre ellos, y se hizo evidente el modo en que se podía organizar el espectáculo si no era cronológicamente por tema de idea", dice Kramer. "Casi se ordenaron a sí mismos".
"Provocateurs" es el más explícitamente político y experimental. "Es casi como esta urgencia para las obras", dice Kramer. "Como, despierta. Esto está ocurriendo. Realmente, hay mucha energía y emoción a su alrededor ”.
Una camisa de algodón de Carla Hemlock presenta el Tratado de Canandaigua de 1794 cosido en la parte posterior, un documento que requería que el gobierno de los EE. UU. Pagara anualmente bienes a la Confederación Iroquois, y que todavía está vigente en la actualidad. Un vestido de vinilo negro, de la artista Crow Wendy Red Star, con largas franjas que se arrastran hasta el suelo, evoca gotas de aceite o sangre. Más escultura que prenda práctica, el trabajo destaca la explotación de los recursos naturales en tierras nativas.
"Es muy llamativo, y realmente te hace cuestionar la viabilidad de usarlo y el tipo de declaración que haces", dice Kramer. “Esta exposición es una oportunidad realmente importante para que los diseñadores nativos y los artistas nativos definan por sí mismos qué es la moda nativa y qué es el arte nativo, en lugar de tener un mercado convencional en gran parte conformado por personas no nativas que usan un diseño y estilo inspirados en los nativos y motivos para alimentar las ideas del público en general sobre lo que es la moda indígena ".
"Native Fashion Now" estará en exhibición hasta el 4 de septiembre de 2017 en el Museo Nacional del Indio Americano en la ciudad de Nueva York, ubicado en la Aduana de los Estados Unidos Alexander Hamilton, One Bowling Green, Nueva York, Nueva York, 10004.
