La estudiante de fotografía Deborah Willis es la curadora invitada de la exposición "Let Your Motto Be Resistance: African American Portraits", en la National Portrait Gallery en Washington, DC, hasta el 2 de marzo. Esta es la exposición inaugural del recientemente establecido Museo Nacional de Historia y cultura afroamericana (NMAAHC), que abrirá su propio edificio en el centro comercial en 2015.
Deborah, ¿cómo llegaste a ser la curadora invitada para esta exhibición?
El director del museo, Lonnie Bunch, me llamó y me preguntó si estaría interesado en comisariar un espectáculo, principalmente porque está familiarizado con mi trabajo en fotografía y mi interés en contar historias a través de fotografías. Básicamente, soy curador de fotografía y fotógrafo. He escrito varios libros sobre imágenes de la cultura negra.
Las imágenes van desde un ambrotipo de Frederick Douglass en 1856 hasta imágenes de artistas de mediados del siglo XX como Dorothy Dandridge y una imagen de 2004 del músico Wynton Marsalis. ¿Cuál es el tema de conexión en estos 100 retratos de africanos?
Todo el concepto es de la colección de la National Portrait Gallery. Inicialmente estaba interesado en cómo se recopilaba la galería y qué historias presentaban a través de su esfuerzo de recolección de materiales negros. Cuando comencé a mirar los retratos, comencé a ver una conexión de cómo los diferentes sujetos posaban para la cámara, de cómo se desempeñaban para sus campos particulares. Sabían su importancia y contribuyeron en las artes y en la política y entendieron el espacio público. Imaginé los espacios de los tiempos y luego conecté las historias que la gente transmitía a través de los retratos. Cada uno transmitió su importancia personal y entendió lo que quería contribuir.
¿Cómo se convirtió la cita del activista del siglo XIX Henry Highland Garnet en la inspiración para el título de la exposición?
Cuando le conté a Lonnie Bunch lo que pensaba sobre los sujetos en los retratos, su belleza y cómo desafiaron las imágenes que circulaban en el público en ese momento, las imágenes celebraron sus logros y miraron la dignidad de una manera diferente, dijo: " Oh, '¡Deja que tu lema sea Resistencia! ¡Resistencia! RESISTENCIA! "" Entendió exactamente lo que vi en la imagen y que la noción de resistencia podría aparecer en una fotografía, así como en el texto. Había considerado un título diferente para la exposición. Cuando hablé sobre las imágenes que vi y lo que experimenté, a Lonnie Bunch se le ocurrió el título al comprender y subrayar la experiencia de resistencia a través de la visión externa de los sujetos negros.
¿Puedo preguntar el título que consideró originalmente?
La belleza y lo sublime en los retratos afroamericanos.
En su ensayo, "Construyendo un ideal", que aparece en el catálogo de la exposición, cita a Frederick Douglass diciendo que "los poetas, profetas, reformadores, todos son creadores de imágenes y esta habilidad es el secreto de su poder y sus logros". ¿Cómo utilizaron los afroamericanos el nuevo medio de fotografía para construir un ideal?
Los negros de finales del siglo XIX veían la fotografía como evidencia o reflejo de quiénes eran. Conservaron su imagen a través de este medio en un momento muy importante porque fue durante y después de la esclavitud cuando se presentaron algunas de estas imágenes. Muchos afroamericanos pensaron que era importante preservar las imágenes. Eran una referencia simbólica para ellos. Los anuncios tenían temas negros como humorísticos o caricaturas y los negros querían usar fotografías para presentarse tal como eran o como se imaginaban o aspiraban a ser.
¿Cómo se utilizaron las imágenes de activistas del siglo XIX como Sojourner Truth o la artista Edmonia Lewis?
Sojourner Truth hizo nueve retratos diferentes porque sabía mientras daba conferencias en todo el país que se presentaba su imagen fotográfica. Quería que la dignidad de su presencia fuera recordada como oradora y oradora. Con Edmonia Lewis, se vistió de una manera que era parte del movimiento artístico. La noción de bohemia, las mujeres con pantalones, con una borla, su figura, ella entendió el credo de las mujeres y los artistas y creo que quería presentar eso en su fotografía.
¿Qué papel crees que los fotógrafos del siglo XX como James VanDerZee de Harlem y Addison Scurlock de Washington DC jugaron en la reconstrucción de los ideales?
No solo estaban reconstruyendo sino construyendo imágenes inspiradas en sus experiencias, lo que significaba tener orgullo racial, lo que significaba ser de clase media, ver la belleza dentro de sus comunidades. Fotografiaron las actividades de las iglesias. También entendieron la belleza, la belleza era un aspecto esencial, así como la noción completa de orgullo comunitario. Eran grandes fotógrafos de estudio.
Los retratos comunales de orgullo también se discuten en el catálogo. ¿Puede proporcionarnos uno o dos ejemplos de retratos comunales de orgullo?
Bueno, una es la Iglesia Bautista de Abisinio, donde Adam Clayton Powell Sr está parado afuera. La iglesia obtuvo su hipoteca dentro de un período de cinco años. Muestra un hermoso edificio de una iglesia, pero también muestra la gran comunidad de la escuela dominical, por lo que había un sentido de orgullo comunitario a través de la propiedad. Esa fue una fotografía que mira el orgullo de la comunidad. En términos de una experiencia personal, mira la fotografía de Nat King Cole. Hay un sentido abierto mientras camina en el escenario. Las personas en la audiencia también son actores y artistas, pero lo miran con orgullo mientras aplauden. Ese es otro aspecto de esto también, no solo con la comunidad negra sino también con los sujetos blancos que lo están mirando. Ven su dignidad, su virilidad, su elegante vestido.
Joe Louis (Underwood y Underwood) 
El guitarrista de rock y líder de la banda Jimi Hendrix (en 1967) trajo la música psicodélica inspirada en el blues a la corriente principal (Linda McCartney / NPG, SI) 
El ex esclavo Henry Highland Garnet (arriba: c. 1877) instó a la resistencia (James U. Stead / NPG, SI) 
Martin Luther King Jr. (con su esposa Coretta y su hija Yolanda en Montgomery, 1956) continuó la lucha (Dan Weiner / NPG, SI) 
Malcolm X (en la ciudad de Nueva York en 1962 publicitando la presunta brutalidad policial) continuó la lucha (Gordon Parks / NPG, SI) 
Frederick Douglass (Artista no identificado) 
Paul Robeson (Doris Ulmann) 
Sarah Vaughan encabezó las encuestas de jazz en la década de 1950 (Josef Breitenbach) 
Louis Armstrong (modelo Lisette) 
Billie Holiday (Sid Grossman) 
Asa Philip Randolph (Sy Kattelson) 
Ella Fitzgerald (Modelo Lisette) 
Bill "Bojangles" Robinson (George Hurrell) 
Bessie Smith (Carl Van Vechten) 
WEB DuBois (Addison N. Scurlock) 
Edmonia Lewis (Henry Rocher) 
Reverendo Adam Clayton Powell, Jr. y Stokely Carmichael (George Tames) 
Josephine Baker (Stanislaus Julian Walery) 
Dorothy Dandridge (Philippe Halsman) 
Private Gordon (Mathew Brady Studio) 
Coleman Hawkins (Ronny Jaques) 
Judith Jamison en "Cry" (Max Waldman) 
Richard Pryor (Steve Schapiro) El fotógrafo Gordon Parks dijo que un fotógrafo debe conocer la relación de un sujeto con su época. ¿Hay un par de imágenes que demuestran ese concepto especialmente bien para usted?
La fotografía de Lorraine Hansberry [autora de "A Raisin in the Sun"], donde está parada en su estudio. Ella tiene un premio que ha recibido. También vemos una fotografía ampliada que alguien le hizo, toda esta noción de su experiencia positiva de vivir en un ambiente de orgullo propio se convirtió en una afirmación de lo que contribuyó a la literatura, al escenario.
Si la idea de resistencia es el tema principal del espectáculo, ¿hay otros subtemas?
La resistencia y la belleza son esenciales para ello. Ahí está la fotografía de Jack Johnson. Él entiende el poder; Este es un hombre negro de principios de siglo sin camisa. [Vemos] el cuerpo, el gesto de poder que hace con el puño. Entonces los subtemas dentro de ti son poder y belleza.
¿Buscó algún criterio en particular al decidir qué fotografías incluir?
No, no tenía ninguno. Solo tuve experiencias al mirar las imágenes. No tenía ninguna forma crítica de mirar. Había una historia que quería contar que me habló en voz baja. Hay esos momentos curatoriales cuando sabes que algo se vincula como una idea, a medida que ves las imágenes, la idea se vuelve tangible.
¿Puedes nombrar a tu fotógrafo favorito o la imagen que más te ha parecido?
Hay una fotografía de Jackie Robinson donde está sentado en su estudio, y está balanceando una pelota, está arrojando una pelota. Esa fotografía dice tanto como una metáfora sobre su vida: que está bien equilibrado. La fotografía muestra libros sobre su cabeza. El estereotipo de un atleta no es como un académico o alguien bien leído, pero equilibra todo lo que Garry Winogrand hizo esa fotografía.
He leído que muchos de los sujetos no eran famosos cuando se tomaron sus fotografías.
Rosa Parks estaba en la Highlander Folk School aprendiendo a convertirse en activista. Los Supremes estaban a punto de comenzar en ese momento, y el fotógrafo Bruce Davidson estaba en el vestuario del Teatro Apollo. Ves a tres mujeres que estaban a punto de comenzar su sueño de cantar en el Teatro Apollo.
Cuando considera el siglo y medio de la fotografía exhibida en la exposición, ¿cuáles cree que son las formas más importantes en las que ha cambiado el papel de la fotografía?
Creo que es más popular; La fotografía es una afirmación cada vez más. No creo que el papel de la fotografía haya cambiado, sino que las personas se están afirmando a sí mismas, su presencia en la sociedad. Los retratos están hechos con cámaras de mano, así como con el teléfono. Todos están tomando retratos ahora, así que es una sensación de afirmación.
Después de hacer sus selecciones y recorrer la exhibición, ¿qué sintió?
Que el enlace funcionó. A veces trabajas en el vacío y no estás hablando con nadie y a veces te preguntas si es real. Entonces, toda la experiencia de los mensajes subliminales es la razón por la que quería tener la noción de lo sublime en los retratos fotográficos. Veo que es una forma de contar esa historia, que reforzó lo que había estado pensando y no había podido visualizar en un colectivo.
¿Qué te dice sobre Estados Unidos?
Lo veo no solo sobre Estados Unidos sino también sobre la vida, toda la gama de experiencias, todos los temas han afectado a una audiencia internacional, así como a las comunidades locales, así como a una audiencia nacional, por lo que todos están vinculados. Pero hay una voz poderosa para cada persona que nos sigue a lo largo. El mundo se ha visto afectado por un mínimo de 5 a 10 personas a través del deporte, la música, la escritura, el arte, etc., por lo que hay una experiencia internacional con todos.
¿Y qué estás abordando después, Deborah?
Estoy trabajando en un libro llamado Posing Beauty. Todavía estoy tratando de sacar mi belleza por ahí. Así que estoy viendo cómo, al usar la fotografía dentro de las comunidades negras, la gente ha planteado belleza desde 1895 hasta el presente. 1895 es un momento del Nuevo Período Negro justo después de la esclavitud y [examino] esta nueva experiencia de cómo los negros se perciben a sí mismos y cómo los concursos de belleza se volvieron importantes durante ese tiempo. Estoy encontrando imágenes de belleza a través de una variedad de experiencias desde el punto de vista del fotógrafo, desde la forma en que las personas se visten yendo al estudio hasta cómo la belleza se coordina como una postura política y estética. Norton lo está publicando.
Los retratos de la exposición, "Let Your Motto Be Resistance", así como varios ensayos de Willis y otros académicos, están contenidos en un catálogo con el mismo título, publicado por Smithsonian Books y distribuido por HarperCollins. Una versión reducida de la exposición comenzará a recorrer ciudades selectas de todo el país en junio.
