WILLEM DE KOONING TODAVÍA DESLUMBRA

En 1926, Willem de Kooning, un artista comercial holandés sin dinero y de 22 años, se escondió en un carguero con destino a Estados Unidos. No tenía papeles y no hablaba inglés. Después de que su barco atracó en Newport News, Virginia, se dirigió hacia el norte con algunos amigos holandeses hacia la ciudad de Nueva York. Al principio encontró su nuevo mundo decepcionante. "Lo que vi fue una especie de Holanda", recordó en la década de 1960. "Tierras Bajas. ¿Para qué demonios quería ir a Estados Unidos? ”. Sin embargo, unos días después, cuando De Kooning pasaba por un ferry y una terminal de trenes en Hoboken, Nueva Jersey, vio a un hombre en un mostrador sirviéndole café a los viajeros que lo salpicaban. en una linea de tazas. "Simplemente vertió rápidamente para llenarlo, sin importar lo que se derramara, y yo dije: 'Chico, eso es América'".

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El trabajo de Willem de Kooning, que se muestra aquí es Row's Zowie, 1957, se basó en la reinvención constante: "Hay que cambiar", decía a menudo el artista, "para permanecer igual". (The Ovitz Family Collection, Los Angeles © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Entre los artistas que surgieron en las décadas de 1950 y 1960, de Kooning, que se muestra aquí en 1953, desafió la categorización. (Tony Vaccaro / akg-images)

De Kooning estudió en la Academia de Bellas Artes de Rotterdam. "El entrenamiento clásico te libera para hacer esto", diría más tarde sobre su trabajo abstracto. La foto es su Naturaleza muerta de 1917, completada a los 13 años. (Colección privada / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

En Manhattan, de Kooning, con Arshile Gorky en 1937, se sintió atraído por los pintores modernistas. (Oliver Baker, fotógrafo. Documentos de Rudi Blesh, Archives of American Art, Smithsonian Institution)

En la década de 1940, de Kooning había comenzado una serie de estudios de figuras femeninas, inspirados en parte por Elaine Fried, con quien se casó en 1943. (John Jonas Gruen / Hulton Archive / Getty Images)

Después de la Segunda Guerra Mundial, el círculo de vanguardia de De Kooning se acercó al estatus de celebridad. En la foto está el grupo, en Life, 1950; de Kooning está en la última fila, a la izquierda. (Nina Leen / Time Life Pictures / Getty Images)

Elementos figurativos marcan el espacio ambiguo en Attic, 1949, uno de una serie de composiciones en blanco y negro de la posguerra de Kooning. Incluso las obras más abstractas del artista, dice el estudioso Richard Shiff, a menudo "comenzaron con una referencia a la figura humana". (Museo Metropolitano de Arte, NY / © 2011 Fundación Willem de Kooning / Sociedad de Derechos de los Artistas (ARS), Nueva York)

Incluso cuando el mundo del arte celebró sus abstracciones, De Kooning volvió a centrar sus energías en la figura femenina, trabajando durante dos años en la Mujer I, 1950-52. "La belleza", dijo el artista, "se vuelve petulante para mí. Me gusta lo grotesco. Es más alegre". (The Museum of Modern Art, NY / © 2011 Fundación Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Mujer II, 1951-52, Willem de Kooning. (El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Donación de Blanchette Hooker Rockefeller. © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

De Kooning dejó la ciudad en 1963 para ir a Springs, Long Island. Aquí se muestra a De Kooning a los 81 años en su estudio en 1985. (© 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

El último trabajo de De Kooning se inspiró en el mar. Aquí se muestra Clamdigger, 1972, que evoca a los recolectores de playa. (© Willem de Kooning Revocable Estate Trust / Adagp - Foto: CNAC / MNAM Dist. RMN - Droits résrvés; (c) 2011 Fundación Willem de Kooning / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Cuyo nombre fue escrito en agua, 1975, por de Kooning sugiere superficies oceánicas. (Museo Solomon R. Guggenheim, NY / © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Hombre sentado, 1939, Willem de Kooning. (Donación del artista a través de la Fundación Joseph H. Hirshhorn, 1972 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Reina de corazones, 1943-1946, Willem de Kooning. (Donación de la Fundación Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Entrega especial, 1946, Willem de Kooning. (Donación de la Fundación Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Secretario, 1948, Willem de Kooning. (Donación de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Mujer / Verso: Sin título, 1948, Willem de Kooning. (Donación de la Fundación Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Sin título III, 1981, Willem de Kooning. (Donación parcial de Joseph H. Hirshhorn, por intercambio, y compra del museo, 1982 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Estudio para "Mujer VI", 1952, Willem de Kooning. (Donación de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Sin título, 1949-1950, Willem de Kooning. (Donación de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Dos mujeres en el país, 1954, Willem de Kooning. (Donación de Joseph H. Hirshhorn, 1966 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

Mujer sentada en un banco, 1972 / elenco 1976, Willem de Kooning. (El legado de Joseph H. Hirshhorn, 1981 / Hirshhorn Museum and Sculpture Garden; © 2011 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), Nueva York)

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Ese también era de Kooning. De los pintores que surgieron en Nueva York a fines de la década de 1940 y principios de la década de 1950 (Jackson Pollock, Mark Rothko y Barnett Newman, entre ellos), de Kooning, quien murió en 1997, sigue siendo el más difícil de capturar: es demasiado vital, inquieto., jazz, grosero e impredecible para encajar en cualquier copa en particular. Cruzó muchos de los límites del arte, derramándose entre la abstracción y la figuración durante un período de 50 años, expresando una amplia variedad de estados de ánimo, sin preocuparse por las convenciones del gusto conservador o radical. Según Irving Sandler, un historiador del arte que ha narrado el desarrollo del arte estadounidense de la posguerra, fue De Kooning quien "pudo continuar la gran tradición de la pintura occidental y desviarla en una nueva dirección, creando un estilo vanguardista que habló a nuestro tiempo ".

La retrospectiva de De Kooning que se inauguró el mes pasado en el Museo de Arte Moderno (MoMA), la primera dedicada al alcance completo de la carrera de siete décadas del artista, presenta una visión rica y matizada de un gran pintor estadounidense. Para el curador emérito John Elderfield, quien organizó el espectáculo, el esfuerzo fue inusualmente personal: el encanto del arte de De Kooning ayudó a que el Elderfield, nacido en Inglaterra, se estableciera en Estados Unidos. Sostiene que De Kooning es un pintor de originalidad que inventó un nuevo tipo de espacio pictórico moderno, uno de ambigüedad. De Kooning buscó retener los contornos escultóricos y los planos “abultados y retorcidos” de la pintura tradicional de figuras, sugiere Elderfield, y el plano superficial del arte modernista que se encuentra en las obras cubistas de, por ejemplo, Picasso y Braque. De Kooning desarrolló varias soluciones diferentes para este problema visual, convirtiéndose en un artista que nunca parecía dejar de moverse y explorar. Él era, en su propio enigmático giro de frase, un "vislumbre resbaladizo".

Durante los años 50 de Kooning se convirtió en el pintor más influyente de su época. "Era un artista", dice Richard Koshalek, director del Museo Hirshhorn del Smithsonian, que tiene una de las mayores colecciones de obras de De Kooning. "Tuvo un gran impacto en una amplia gama de artistas". Brice Marden, un pintor que fue objeto de una retrospectiva del MoMA de 2006, está de acuerdo: "Usted se crió en De Kooning. El era el maestro. Él era el maestro ”. Para muchos, también era una figura romántica con apariencia de estrella de cine y una fanfarronería existencial, mientras bebía en la taberna Cedar en Greenwich Village con Pollock y pasaba de una historia de amor a otra.

A pesar de su éxito, De Kooning finalmente pagó un precio por su falta de voluntad para seguir las tendencias prevalecientes. Su arte siempre cambiante, especialmente su escandalosa representación de la mujer, fue cada vez menos visto por los críticos e historiadores del arte durante su vida. Elderfield sugiere que no "encaja fácilmente con esas obras que se cree que mantienen la historia modernista familiar de una abstracción cada vez más refinada". Los conservadores del MoMA tendieron a considerar a De Kooning después de 1950 como un pintor en decadencia, como lo demuestra el museo. colección propia, que es considerablemente más fuerte en Pollock, Rothko y Newman que en de Kooning.

La disputa ha terminado: la retrospectiva actual hace las paces. La gama de De Kooning ahora parece una fortaleza, y su estilo seductor ("seductor" es la palabra apropiada, porque su pincel está lleno de tacto) ofrece una delicia pictórica que rara vez se encuentra en el arte de nuestros días.

De Kooning creció cerca del puerto en la dura clase trabajadora de Rotterdam. Raramente veía a su padre, Leendert, sus padres se divorciaron cuando era pequeño, y su dominante madre, Cornelia, que atendía una sucesión de bares, constantemente trasladaba a su familia en busca de viviendas menos costosas. Ella lo golpeaba regularmente. El dinero era corto. A los 12 años, se convirtió en aprendiz en Gidding and Sons, una elegante firma de artistas y artesanos en el corazón de la moda de Rotterdam que se especializó en diseño y decoración. Pronto llamó la atención de los propietarios de la empresa, quienes lo instaron a tomar clases después del trabajo seis noches a la semana en la Academia de Bellas Artes de la ciudad.

Como resultado, de Kooning recibió una sólida base tanto en el diseño comercial como en los principios clásicos del alto arte. El era precoz; la retrospectiva en el MoMA incluye el notable Still Life (1917) que hizo en la Academia a la edad de 13 años. Sin embargo, tuvo que mantenerse a sí mismo. A la edad de 16 años, de Kooning se puso en marcha por su cuenta, circulando por los bordes bohemios de Rotterdam y recogiendo trabajos aquí y allá. También comenzó a fantasear con Estados Unidos, luego considerado por muchos en Europa como una tierra mítica de rascacielos, estrellas de cine y dinero fácil, pero no, tal vez, de arte. Cuando se colocó en el carguero, de Kooning recordó más tarde, no creía que hubiera artistas serios en Estados Unidos.

En sus primeros años en Estados Unidos, inicialmente en Hoboken, Nueva Jersey, y luego en Nueva York, vivió como en Rotterdam, encontró trabajo como artista comercial y ocasionalmente pintó en su tiempo libre. Descubrió que, de hecho, había artistas serios en Estados Unidos, muchos de los cuales también tomaron trabajos comerciales para sobrevivir. Comenzó a pasar el tiempo en las cafeterías que preferían en Chelsea y Greenwich Village, hablando toda la noche con tazas de café de níquel. Casi todos los que conocía eran pobres; La venta de una pintura era rara. En este entorno, el compromiso permanente de ciertos artistas —sobre todo, la devoción de Arshile Gorky por la tradición de la pintura modernista— tuvo un fuerte impacto en De Kooning.

Gorki, un inmigrante nacido en Armenia, no tenía paciencia con aquellos que no se comprometían sin reservas al arte. Tampoco tuvo tiempo para aquellos que consideraba provinciales o menores en sus ambiciones, como aquellos que romantizaron la América rural o atacaron la injusticia social. ("El arte del proletariado", dijo Gorky, "es un arte pobre para la gente pobre".) En opinión de Gorki, si hablaba en serio, estudiaba el trabajo de maestros modernistas como Picasso, Matisse y Miró, y aspiraba a igualar o mejorar su logro. Los contemporáneos describieron el estudio de Gorky en Union Square como una especie de templo del arte. "La gran emoción de 36 Union Square", dijo Ethel Schwabacher, una estudiante y amiga de Gorky's, "reside en el sentimiento que evoca el trabajo realizado allí, el trabajo en progreso, día y noche, a través de largos años de pasión, disciplina y dedicación. esfuerzo."

El ejemplo de Gorki, junto con la creación del Proyecto de Arte Federal, que pagó a los artistas un salario digno durante la Depresión, finalmente llevó a De Kooning a comprometerse a ser un artista a tiempo completo. En los años 30, Gorki y de Kooning se volvieron inseparables; Sus continuas discusiones sobre el arte ayudaron a cada uno a convertirse en un pintor importante. De Kooning, luchando por crear un nuevo tipo de arte figurativo, a menudo pintado con retratos pálidos y melancólicos de hombres y, con menos frecuencia, de mujeres. Trabajó y reformuló las imágenes, tratando de conciliar su formación clásica con sus convicciones modernistas. Podría permitir que una imagen salga de su estudio si un amigo la compró, ya que tenía poco efectivo, pero descartó la mayoría de sus lienzos con disgusto.

A finales de los años 30, de Kooning conoció a una joven estudiante de arte llamada Elaine Fried. Se casarían en 1943. Fried no solo era hermosa, su vivacidad coincidía con la reserva de De Kooning. Nunca escatima en lujos, le gustaba decir, las necesidades se ocuparán de sí mismas. Una de sus amigas, la artista Hedda Sterne, la describió como una "temeraria". "Ella creía en los gestos sin arrepentimiento, y se deleitaba en su propia espontaneidad y exuberancia", dijo Sterne. "Me divertí mucho ", Elaine recordaría más tarde. "Quiero decir, muy divertido". También consideró a De Kooning un artista importante, mucho antes de que se convirtiera en uno, lo que puede haber reforzado su confianza.

Una nueva sensación de la figura femenina, sin duda inspirada por Elaine, comenzó a recorrer el arte de De Kooning. El color se iluminó. Los límites se cayeron. Ya no parecía limitado por su entrenamiento clásico: las mujeres en las pinturas ahora amenazaban con irrumpir y separarse; distinguir la figura del suelo se volvió, en algunos lugares, difícil. El artista comenzaba a dominar su espacio ambiguo. Parecía natural que De Kooning, que instintivamente prefería el movimiento a la quietud y no pensara que la verdad de la figura radicara solo en su apariencia superficial, comenzaría a cambiar a lo largo de un continuo desde lo representativo a lo abstracto. Sin embargo, incluso sus imágenes más abstractas, como observó el estudioso de De Kooning Richard Shiff, "comenzaron con una referencia a la figura humana o incorporaron elementos figurativos en el camino".

El movimiento de De Kooning a fines de los años 40 hacia una representación menos realista de la figura puede haber sido impulsado, en parte, por la llegada a la ciudad a principios de la década de varios artistas célebres de París, en particular André Breton y su círculo de Surrealistas, todos refugiados de la guerra. De Kooning no era generalmente un fanático del surrealismo, pero el énfasis del movimiento en la mente inconsciente, los sueños y la vida interior habría reforzado su propia impaciencia con una representación puramente realista del mundo. Los surrealistas y su mecenas, la socialité Peggy Guggenheim, causaron un gran revuelo en Nueva York. Su misma presencia inspiró la ambición en los artistas estadounidenses.

Aún así, de Kooning se mantuvo al margen. El Proyecto Federal de Arte ya no existía y había poco o ningún mercado para el arte estadounidense moderno. Fue en este período oscuro que De Kooning comenzó su gran serie de abstracciones en blanco y negro. Él y su amigo cercano, el pintor Franz Kline, incapaz de pagar los costosos pigmentos, salieron un día y compraron pintura para el hogar de esmalte en blanco y negro a bajo costo y (según la leyenda) con abandono del diablo comenzaron a realizar grandes obras. No era, por supuesto, tan simple. De Kooning había trabajado durante muchos años para llegar a este momento; y, en cierto modo, el momento lo encontró ahora. El horror de la Segunda Guerra Mundial, y los relatos del Holocausto que salió de Europa, crearon una nueva percepción entre De Kooning y algunos artistas estadounidenses de una gran, aunque sombría, escala metafísica. (También tuvieron ante sus ojos, en el MoMA, el poderoso y monocromático Guernica de Picasso de 1937, su respuesta al bombardeo fascista de la ciudad española.) En contraste con sus contemporáneos europeos, los estadounidenses no vivían entre las ruinas de la guerra, y ellos provenía de una cultura que celebraba una infinitud Whitmanesque. De Kooning, cuya ciudad natal había sido destruida durante la guerra, era europeo y estadounidense, y estaba bien posicionado para hacer pinturas de grandeza oscura. En 1948, cuando tenía casi 44 años, exhibió sus llamados "negros y blancos" en la pequeña y poco visitada Galería Egan. Fue su primera exposición individual. Pocas fotos vendidas, pero fueron ampliamente notadas y admiradas por artistas y críticos.

También fue a fines de la década de 1940 que Jackson Pollock comenzó a hacer sus legendarias abstracciones de "goteo", que pintó en el piso de su estudio, tejiendo madejas rítmicas de pintura sobre el lienzo. Las pinturas de Pollock, también principalmente en blanco y negro, tenían un carácter muy diferente al de De Kooning. Aunque generalmente abstractas, las imágenes nudosas de De Kooning seguían llenas de partes y gestos humanos vislumbrados; Pollock transmitió una sensación trascendente de liberación del mundo. Los títulos de las dos mejores imágenes de la serie en blanco y negro de De Kooning, Attic and Excavation, sugieren que el artista no tiene la intención de olvidar lo que el mundo entierra o deja de lado. (De Kooning, sin duda, disfrutó de las implicaciones cambiantes de los títulos. El ático, por ejemplo, puede referirse a un ático real, sugerir las alturas del cielo o recordar la antigua Grecia.) Cada pintura está llena de incidentes figurativos, un giro de hombro aquí, hay una hinchazón de cadera allí, pero un cuerpo en particular no se puede discernir en ninguno. "Incluso las formas abstractas", dijo de Kooning, "deben tener una semejanza".

De Kooning completó Excavation, su última y más grande película de la serie, en 1950. El director del MoMA, Alfred Barr, luego seleccionó la pintura, junto con las obras de Pollock, Gorky y John Marin, para representar a los Estados Unidos en la Bienal de Venecia. —Una señal de honor para los cuatro modernistas estadounidenses. Los periodistas comenzaron a tomar nota. Pollock fue objeto de una foto difundida en la revista Life en 1949. La luz de las celebridades comenzaba a centrarse en lo que había sido un oscuro rincón de la cultura estadounidense. La Sidney Janis Gallery, que se especializó en maestros europeos, ahora comenzó a presentar a De Kooning y otros artistas estadounidenses como dignos sucesores de Picasso o Mondrian. Los críticos, curadores y comerciantes de arte comenzaron a argumentar cada vez más que, en lo que respecta al arte, Nueva York era el nuevo París.

A principios de los años 50, De Kooning era un pintor de renombre creciente con un estilo abstracto de primera clase. La mayoría de sus contemporáneos creían que continuaría produciendo pinturas con ese estilo. Pero en una de las acciones más contrarias e independientes en la historia del arte estadounidense, renunció a sus abstracciones en blanco y negro para centrarse principalmente, una vez más, en la figura femenina. Luchó por un solo lienzo durante casi dos años, sus amigos cada vez más preocupados por su bienestar mientras revisaba y quitaba la imagen continuamente. Finalmente dejó la pintura a un lado con desesperación. Solo la intervención del influyente historiador de arte Meyer Schapiro, que pidió verlo durante una visita al estudio, persuadió a De Kooning para atacar el lienzo una vez más y concluir que había terminado Mujer I (1950-52). Luego, en rápida sucesión, completó varias pinturas de Mujer más.

De Kooning describió a la Mujer I como una diosa sonriente: "más bien como los ídolos mesopotámicos", dijo, que "siempre se paran erguidos, mirando al cielo con esta sonrisa, como si estuvieran asombrados de las fuerzas de la naturaleza ... no sobre los problemas que tenían entre ellos ”. Sus diosas eran complicadas: a la vez aterradoras e hilarantes, antiguas y contemporáneas. Algunos críticos los compararon con los bimbos de Hollywood; otros los consideraron el trabajo de un misógino. El escultor Isamu Noguchi, amigo de De Kooning, reconoció su ambivalencia: "Me pregunto si realmente odia a las mujeres", dijo. "Quizás los ama demasiado". Gran parte de la complicación proviene de la volátil mezcla de vulgaridad y refinamiento en la pincelada de De Kooning. "La belleza", dijo una vez De Kooning, "se vuelve petulante para mí. Me gusta lo grotesco. Es más alegre ".

No es sorprendente que De Kooning dudara que su muestra de trabajo reciente en 1953 fuera exitosa, y el principal crítico de arte de la época, Clement Greenberg, pensó que De Kooning había tomado un giro equivocado con la serie Woman . Sin embargo, para sorpresa de De Kooning, la muestra fue un éxito, no solo entre muchos artistas sino entre un público cada vez más ansioso por abrazar la pintura estadounidense.

De Kooning se encontró de repente una estrella: la primera celebridad, posiblemente, en el mundo del arte estadounidense moderno. El único pintor de principios de los años 50 de estatura comparable o mayor fue Jackson Pollock. Pero Pollock, que luego cayó en el alcoholismo avanzado, vivía principalmente en Springs (una aldea cerca de East Hampton en Long Island) y rara vez se lo veía en Manhattan. Por lo tanto, el centro de atención se centró en De Kooning, quien se convirtió en el centro de una escena animada. Muchos lo encontraron irresistible, con su aspecto marinero holandés, un inglés roto y idiosincrásico y un acento encantador. Amaba la jerga estadounidense. Llamaría a una imagen "excelente" o un amigo "una papa caliente".

En este mundo de invernaderos, De Kooning tenía muchas relaciones amorosas enredadas, al igual que Elaine. (Se separaron en la década de 1950, pero nunca se divorciaron). El romance de De Kooning con Joan Ward, una artista comercial, condujo al nacimiento, en 1956, de su única hija, Lisa, a quien siempre se dedicó, aunque nunca se convirtió en mucho de un padre del día a día. También tuvo una larga aventura con Ruth Kligman, quien había sido la novia de Pollock y sobrevivió al accidente automovilístico en 1956 que mató a Pollock. Kligman era tanto un aspirante a artista que anhelaba ser la musa de un pintor importante como una joven sensual que evocaba a estrellas como Elizabeth Taylor y Sophia Loren. "Ella realmente puso plomo en mi lápiz", dijo famoso de Kooning.

Después de la serie Woman, de Kooning desarrolló una serie de abstracciones (la más conocida es el lunes de Pascua ) que capturan la sensación arenosa y agitada de la vida en la ciudad de Nueva York a mediados de siglo. A finales de los años 50, simplificó su pincelada. Ahora, largas y anchas franjas de pintura comenzaron a barrer el lienzo. Pasaba cada vez más tiempo en Springs, donde muchos de sus amigos tenían lugares de verano. Las imágenes de finales de los años 50 a menudo aluden a la luz y el color del campo y contienen, por supuesto, elementos figurativos. Row's Zowie (1957) tiene una especie de declaración y confianza declarativas. (Kligman proporcionó el título cuando ella entró en el estudio de De Kooning y, al ver la foto, exclamó "¡Zowie!") El propio De Kooning nunca aprendió a conducir un automóvil, pero le encantaba viajar por las nuevas y amplias carreteras estadounidenses. En 1959, el mundo del arte atestaba la apertura de la galería de lo que a veces se llama su serie de autopistas: paisajes grandes y audaces.

De Kooning nunca estuvo del todo cómodo como celebridad. Siempre se mantuvo, en parte, un pobre muchacho de Rotterdam. (Cuando le presentaron a la Sra. John D. Rockefeller III, que acababa de comprar Woman II, le hizo un comentario y le gritó: "¡Parece un millón de dólares!"). Como muchos de sus contemporáneos, comenzó a beber mucho . En la cima de su éxito hacia fines de la década de 1950, de Kooning era un bebedor compulsivo, que a veces desaparecía por más de una semana a la vez.

En los años 50, muchos artistas jóvenes habían imitado a De Kooning; los críticos los llamaron pintores de "segunda generación", es decir, seguidores de pioneros como de Kooning. Sin embargo, en los años 60, el mundo del arte estaba cambiando rápidamente a medida que artistas Pop y Minimal como Andy Warhol y Donald Judd aportaron una ironía genial y sabia al arte que era ajena a la exuberante sensibilidad de De Kooning. Estos jóvenes artistas no querían ser "segunda generación", y comenzaron a descartar el trabajo del pintor mayor como demasiado desordenado, personal, europeo o, como podría decir De Kooning, viejo sombrero.

En 1963, cuando de Kooning se acercaba a los 60 años, dejó la ciudad de Nueva York para ir a Springs con Joan Ward y su hija. Su vida en Long Island fue difícil. Fue entregado a la melancolía, y le molestaba ser tratado como un pintor dejado por la historia. Seguía haciendo dobladores periódicos, que a veces terminaban con su admisión en el Hospital de Southampton. Pero su arte continuó desarrollándose de formas nuevas y extraordinarias.

De Kooning se sumergió en el campo de Long Island. Construyó un estudio grande y excéntrico que comparó con un barco, y se convirtió en una figura familiar alrededor de Springs, en bicicleta por los caminos arenosos. Su trabajo figurativo de los años 60 fue a menudo inquietante; su gusto por la caricatura y lo grotesco, evidente en la Mujer I, también se encontró en obras sexualmente cargadas como The Visit (1966-67), una imagen húmeda y jugosa de una sonriente mujer rana acostada sobre su espalda. En sus imágenes más abstractas, el cuerpo femenino y el paisaje parecían fusionarse cada vez más en la pintura suelta y acuosa.

De Kooning también comenzó a hacer esculturas figurativas extraordinariamente táctiles: Clamdigger (1972) parecía sacado del cieno primordial. Las pinturas que siguieron, como ... Cuyo nombre se escribió en el agua (1975), no fueron menos táctiles, pero no tenían la misma turbidez. Erupciones de agua, luz, reflejos, pintura y sensaciones corporales, tal vez un reflejo, en parte, de la pasión de De Kooning por el último gran amor de su vida, Emilie Kilgore, las pinturas no se parecen en nada al arte estadounidense. Y, sin embargo, a finales de los 70, De Kooning abruptamente, y típicamente, terminó la serie. Las imágenes, dijo, venían con demasiada facilidad.

También fue a finales de los años 70 que De Kooning comenzó a exhibir signos de demencia. Su esposa, Elaine, quien volvió a su vida en este momento, comenzó a monitorearlo cuidadosamente. Cada vez más, a medida que avanzaban los años 80, dependería de los asistentes para mover sus lienzos y diseñar sus pinturas. Algunos críticos han menospreciado las pinturas cada vez más sobrantes de este período. Elderfield, sin embargo, trata el estilo tardío con respeto. En el mejor de los últimos trabajos, de Kooning parece estar siguiendo su mano, el pincel inimitable liberado de cualquier carga y, sin embargo, tan vivo como siempre. "Entonces hay un momento en la vida", dijo en 1960, mientras se cansaba de la ciudad de Nueva York, "cuando simplemente caminas: y caminas en tu propio paisaje".

De Kooning murió el 19 de marzo de 1997, en su estudio de Long Island, a la edad de 92 años. Recorrió una enorme distancia durante su larga vida, moviéndose entre Europa y América, antiguo maestro y modernista, ciudad y país. El arte de De Kooning, dijo el pintor Robert Dash, "siempre parece decir adiós". Al mismo De Kooning le gustaba decir: "Hay que cambiar para mantenerse igual".

Mark Stevens es coautor, junto con su esposa Annalyn Swan, del ganador del Premio Pulitzer de Kooning: An American Master .

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