Lee Krasner fue una constante innovadora, llegando a cortar y reciclar trabajos anteriores que ya no cumplían con sus altos estándares. Ella abrazó el estilo cubista popularizado por Pablo Picasso, el enfoque "integral" del expresionismo abstracto y la colorida forma de collage que se ve en las creaciones de Henri Matisse en sus últimas carreras, pero su versatilidad fue ignorada por el mundo del arte, que con demasiada frecuencia clasificó ella como personaje marginal en los círculos expresionistas abstractos estadounidenses, mejor conocida como la esposa obediente de Jackson Pollock.
Una próxima exposición en la Barbican Art Gallery de Londres se esfuerza por replantear la imagen de Krasner, basándose en casi 100 obras para trazar la trayectoria de su carrera de 50 años que empuja los límites. Titulada Lee Krasner: Living Color, la retrospectiva presenta autorretratos tempranos, dibujos de vida al carbón, pinturas abstractas a gran escala, collages y selecciones de la famosa serie "Little Images".
Nacido de inmigrantes rusos en 1908, Krasner decidió convertirse en artista a los 14 años, inscribiéndose en el único curso de arte local abierto para niñas en ese momento. Como la asistente de exhibición Charlotte Flint escribe en una publicación de blog de Barbican, la joven nativa de Brooklyn rápidamente abandonó los estilos tradicionales, optando por los audaces movimientos modernos iniciados por Picasso, Matisse y artistas igualmente vanguardistas.
Lee Krasner, "Mosaic Table", 1947, colección privada (© The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de Michael Rosenfeld Gallery LLC, Nueva York) 
Lee Krasner, "Abstract No. 2", 1947, Centro IVAM, España (© The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía IVAM) 
Lee Krasner, "Palingenesis", 1971 (© The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de Kasmin Gallery, Nueva York) "Conocida por su racha ferozmente independiente, Krasner fue una de las pocas mujeres en infiltrarse en la Escuela de Nueva York en las décadas de 1940 y 1950", escribe Meredith Mendelsohn en un editorial artístico . Krasner, ya una figura establecida en la escena artística local, conoció a su futuro esposo en una exposición de 1941 donde ambos tenían obras a la vista. La pareja se casó en octubre de 1945 y pronto se mudaron a una granja rural de East Hampton donde podían concentrarse mejor en su oficio. Mientras Pollock estaba ocupado creando sus características pinturas panorámicas por goteo, se centró en producir sus lienzos caleidoscópicos.
Según Rachel Cooke, de The Guardian, la pareja estaba separada en el momento del fatal accidente automovilístico de Pollock en 1956. Después de un día de beber, el artista perdió infamemente el control de la rueda, matándose a sí mismo y a Edith Metzger, una recepcionista de Ruth Kligman (una pintora y amante de Pollock en ese momento), en el momento del impacto; Kligman, que también estaba en el automóvil, sobrevivió milagrosamente al accidente.
Después de la muerte de Pollock, Krasner se mudó a su estudio, "no tenía sentido dejarlo vacío", dijo más tarde, y comenzó a elaborar enormes pinturas que requerían que saltara por el granero mientras empuñaba un cepillo de mango largo ideal para maniobrar en rincones lejanos.
"Era casi como si se hubiera desplegado a sí misma", escribe Cooke. "En adelante, ella podría trabajar en una escala sin precedentes".
Según Mendelsohn de Artsy, las "Pinturas Umber" de Krasner, también conocidas como "Viajes Nocturnos", los lienzos de tonos neutros datan de 1959 a 1962, marcaron un punto de inflexión en su carrera. Plagado por el insomnio relacionado con la muerte de Pollock y la muerte posterior de su madre en 1959, Krasner cambió de estilo, produciendo pinturas con lo que el historiador del arte David Anfam llama un "grado de intensidad psicológica" nunca antes visto, marcado por "escala emotiva y movimiento feroz". Las obras, representadas en remolinos caóticos de color marrón, crema y blanco, diferían drásticamente de las pinturas abstractas de Color Field, populares en ese momento. A diferencia de los lienzos apagados y serenos de Mark Rothko y Barnett Newman, las últimas creaciones de Krasner fueron gestuales, abiertamente agresivas de una manera sugestiva de las pinturas de goteo de su difunto esposo.
Lee Krasner, "Imperativo", 1976. Galería Nacional de Arte, Washington DC (© The Pollock-Krasner Foundation. Cortesía de la Galería Nacional de Arte, Washington DC) Después de las "Pinturas Umber", Krasner regresó al mundo de los colores vibrantes, un movimiento que demuestra su voluntad de reinventar.
"La imagen fija la aterrorizó", le dice la curadora Eleanor Nairne a Joe Townend de Sotheby's. “Ella sintió que era un gesto no auténtico pensar que algunas imágenes singulares podrían contener todo lo que ella era como persona. Ella pasó por estos ciclos de trabajo y estos ritmos, y a menudo fue un proceso muy doloroso ”.
A lo largo de su carrera, Krasner a menudo regresó a trabajos anteriores. Sin embargo, en lugar de admirar sus logros pasados, los cambió por completo, cortando y reorganizando fragmentos para crear nuevas piezas.
Una obra neotubista sin título creada en 1984, el año de su muerte, quizás mejor personifica la constante demanda de reinvención de Krasner. Como escribe Phillip Barcio de IdeelArt, el lienzo (su último trabajo conocido) combina pintura, dibujo al carbón y collage, sintetizando los muchos medios que la artista utilizó durante su vida en una "declaración única, profunda y elegante".
Lee Krasner: Living Color está a la vista en la Barbican Art Gallery de Londres del 30 de mayo al 1 de septiembre de 2019.
