"Estoy empezando a enumerar el cielo como uno de mis materiales", dice la escultora Janet Echelman, que produce esculturas aéreas en forma de red que están suspendidas en espacios aéreos urbanos.
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ComprarSus piezas, creadas a partir de fibra de alta tecnología desarrollada originalmente para trajes espaciales de la NASA, se describen como "vivir y respirar" porque se hinchan y cambian de forma en el viento. Durante el día, proyectan sombras y, por la noche, se transforman mediante luces controladas por computadora en "luces luminosas y brillantes de color".
Echelman es uno de los nueve artistas contemporáneos líderes encargados de crear instalaciones para la exposición inaugural titulada "Maravilla" en la Galería Renwick del Museo de Arte Americano Smithsonian.
Para el histórico Gran Salón del Renwick, Echelman creó una pieza inmersiva, llamada 1.8, que incorpora su primera alfombra textil, hecha de fibras de nylon regeneradas de viejas redes de pesca, así como una escultura de cuerda y cordel anudada a mano suspendida del techo.
"El objetivo de la pieza es mostrar cuán interconectado está nuestro mundo, cuando un elemento se mueve, todos los demás elementos se ven afectados", dice Echelman. (Todd Erickson) "Quería que el visitante estuviera dentro del trabajo", dice ella con un tenue toque sureño que insinúa sus raíces en Florida. Los asientos se esparcen por toda la galería para permitir a los visitantes observar la hinchazón y el oleaje de la red, que será causada por ráfagas de viento artificiales fabricadas por el equipo creativo de Echelman.
"Afuera, se trata mucho de responder al medio ambiente, pero para esta exhibición podemos esculpir las corrientes de aire para coreografiar el movimiento", explica.
Según Echelman, su escultura está inspirada en datos proporcionados por la NASA y la NOAA, la Administración Nacional Oceánica y Atmosférica, que mide los efectos del terremoto y el tsunami que devastó Tohoku, Japón en 2011. La forma de la red se basa en una imagen en 3D. de la fuerza del tsunami creada por el equipo de Echelman.
"La pieza tiene como objetivo mostrar cuán interconectado está nuestro mundo, cuando un elemento se mueve, todos los demás elementos se ven afectados", dice ella.
Echelman ha sido ampliamente reconocida por su innovadora forma de arte. Ella ganó una beca Guggenheim por su habilidad creativa excepcional, recibió un premio Smithsonian American Ingenuity y dio una charla TED en 2011 que obtuvo casi 1.5 millones de visitas.
El arte visual, sin embargo, no fue la primera pasión de Echelman. Ella creció tocando el piano y asistiendo al campamento de verano en el Instituto Tanglewood, un programa preprofesional asociado con la Orquesta Sinfónica de Boston. También ganó una prestigiosa competencia regional que le valió un codiciado puesto de solista con la Orquesta de Florida.
"La música me enseñó la paciencia para desarmar y mejorar cada componente, pero para mi trabajo profesional diario, me gusta un lienzo en blanco en lugar de reinterpretar el trabajo de otra persona", explica.
Mientras estudiaba en Harvard, tomó sus primeras clases de arte visual; y una tarea, escribir sobre todo el trabajo de un artista, sin saberlo, la puso en su camino actual. Ella escribió sobre Henri Matisse y trazó su trayectoria desde la pintura hasta los recortes de papel que desarrolló al final de su vida cuando estaba en silla de ruedas.
“Así es como quiero vivir. Quiero ser responsable de definir mi medio ”, recordó Echelman pensando.
Después de la universidad, fue solicitada a siete escuelas de arte y fue rechazada por todas ellas, por lo que decidió mudarse a Bali para convertirse en pintora por su cuenta. Echelman había vivido brevemente en Indonesia durante un programa de tercer año en el extranjero, y quería colaborar con artesanos locales para combinar los métodos textiles tradicionales de Batik con la pintura contemporánea.
Para el histórico Gran Salón del Renwick, Echelman creó una pieza inmersiva que incorpora su primera alfombra textil, hecha de fibras de nylon regeneradas de viejas redes de pesca, así como la escultura sobre su cabeza. (Ron Blunt / Galería Renwick / SAAM) Echelman dice que sus padres tenían diferentes opiniones sobre su plan poco ortodoxo. “Mi padre, un endocrinólogo, preguntó si alguno de mis profesores universitarios me había dicho que yo tenía talento y que debía seguir el arte. La respuesta fue no ”, admite. "Pero mi madre, una forjadora de metales y diseñadora de joyas, pensó que era algo bueno que quería hacer y me dio $ 200 para comprar suministros", recuerda.
"No era que tuviera el objetivo de convertirme en artista, sino que quería participar en la creación de arte todos los días", dice Echelman.
Durante los siguientes diez años, Echehlman pintó y estudió varias formas de alta artesanía y artesanía a través de una combinación de becas, subvenciones y trabajos de enseñanza. En el camino, logró obtener un MFA en Artes Visuales de Bard College y una Maestría en Psicología de la Universidad de Lesley.
"Mi sistema era ir y aprender métodos artesanales transmitidos de generación en generación", explica. Buscó oportunidades para estudiar caligrafía china y pincel en Hong Kong, fabricación de encajes en Lituania y diseño de jardines budistas en Japón.
Inmortalizada en su charla TED está la historia de cómo se le ocurrió por primera vez la idea de crear esculturas volumétricas con redes de pesca. Echelman estaba en una conferencia Fulbright en India en 1997, donde planeaba enseñar pintura y exhibir su trabajo. Las pinturas que envió desde América no llegaron, y mientras buscaba algo más con lo que trabajar, notó que los pescadores agrupaban sus redes en la orilla del agua.
Bolsas de frijoles y bancos están esparcidos por toda la galería para permitir a los visitantes observar la hinchazón y el aumento de la red. (Ron Blunt / Galería Renwick / SAAM) Casi dos décadas después de esas primeras esculturas de redes de pesca, conocidas como la Serie Bellbottom, Echelman ha creado decenas de obras de arte que han volado sobre espacios urbanos en cuatro continentes. Su primera escultura permanente al aire libre se instaló sobre una rotonda en Oporto, Portugal, en 2005. El trabajo, llamado Ella cambia, consiste en una red de una tonelada suspendida de un anillo de acero de 20 toneladas. Solo cinco años después, los materiales de alta tecnología se habían desarrollado tan rápido que ahora podía unir sus esculturas a las fachadas de los edificios sin la necesidad del pesado soporte de anillo de acero.
Mantener sus esculturas permanentes es un asunto serio. Estas piezas, que flotan sobre ciudades como Seattle, Washington, Phoenix, Arizona y Richmond, Columbia Británica, se someten a protocolos de mantenimiento regulares para garantizar que estén en el aire de forma segura. La protección de la vida silvestre también es una prioridad para Echelman. El sitio web de la artista sostiene que sus esculturas no dañan a las aves porque sus redes están hechas de cuerdas más gruesas con aberturas más anchas que las utilizadas para atrapar aves.
Para cada nuevo trabajo, Echelman consulta con un grupo de arquitectos, ingenieros aeronáuticos, diseñadores de iluminación y programadores de computadoras en todo el mundo.
“No tengo un conocimiento profundo de todas estas disciplinas. Pero me considero una colaboradora ”, dice ella. "Tengo una idea, una visión y trabajamos juntos para hacerla realidad", continúa.
Echelman también reconoce con gratitud que se ha dado cuenta de los objetivos gemelos que se propuso como estudiante de pregrado en un siglo anterior. Ella ha logrado definir su propio medio y está felizmente involucrada en la creación de arte todos los días.
Janet Echelman es uno de los nueve artistas contemporáneos presentados en la exposición "Wonder", que se exhibirá del 13 de noviembre de 2015 al 10 de julio de 2016, en la Galería Renwick del Smithsonian American Art Museum en Washington, DC. La instalación de Echelman cierra el 8 de mayo de 2016. .
