Hace dos años, la Galería Nacional de Arte de Washington, DC, celebró el 150 aniversario de Edvard Munch con una exposición con "The Scream", la famosa personificación de la lucha del maestro noruego con la agorafobia. En él, un protagonista sin género se enfrenta a una pesadilla puesta de sol de gritos rojos, amarillos ardientes y azules tormentosos.
El programa contó la historia de cómo Munch elevó sus experiencias personales a lo universal. Como una nota de la exposición señala: "El verdadero poder de su arte radica menos en su biografía que en su capacidad para extrapolar las experiencias humanas universales de su propia vida". O, en otras palabras, no es necesario comprender exactamente el contexto de "El grito" para entender, bueno, ese grito.
Ahora, la Galería Nacional está volviendo a visitar al maestro pintor y grabador, esta vez en una exposición que explora cómo sus elecciones de color cuentan una historia más amplia de su edad. Con una selección de 21 impresiones, "Edvard Munch: Color in Context", que estará en exhibición hasta el 28 de enero de 2018, explica cómo las paletas febriles de Munch y el uso desconcertante del color en su trabajo, especialmente sus impresiones, reflejan lo emergente beca de finales del siglo XIX, cuando los científicos, académicos y filósofos intentaron cerrar la brecha entre el mundo real y el invisible.
"Cabeza de hombre con cabello de mujer (Mannerkopf en Frauenharr)", 1896 (Galería Nacional de Arte, Washington, Colección Rosenwald) Mollie Berger, asistente curatorial del departamento de grabados y dibujos, organizó la pequeña exposición después de reconsiderar los grabados de Munch. "Mirando las impresiones, pensé, el color es fenomenal, y eso es realmente lo que me parece", dice ella. "En el pasado, a menudo los estudiosos han dicho que estas huellas tienen que ver con su angustia interna o lo que estaba sucediendo con su vida, pero creo que de alguna manera también está tratando de comunicarse con nosotros".
Munch llegó a la mayoría de edad en un momento en que todo lo que los humanos sabían sobre el mundo natural estaba cambiando: el físico George Johnstone Stoney descubrió el electrón; el fotógrafo Eadweard Muybridge capturó la primera imagen en movimiento rápido; Wilhelm Roentgen desbloqueó el poder de la radiografía. El ojo desnudo ya no era visto como un contador de la verdad, sino más bien algo que oscurecía los reinos intangibles.
"Madonna", Edvard Munch, 1895, impreso en 1913/1914 (National Gallery of Art, Washington, Gift of The Epstein Family Collection) Munch era particularmente receptivo a la idea de energías y dimensiones invisibles. La muerte había seguido al artista, nacido en 1863 y criado en Oslo; Cuando era niño, perdió a su madre y hermana Sophie. A principios de la edad adulta, su padre murió, y poco después, otra hermana, Laura, tuvo que ser ingresada en un asilo.
Después de que Munch abandonó su educación en ingeniería para dedicarse al arte, encontró su voz en el movimiento de simbolismo, identificándose con contemporáneos como el autor Fyodor Dostoyevsky, quien creía que había "penetrado ... en los reinos místicos del alma", de alguna manera que ningún artista tenía todavía. Al principio de su carrera, Munch describió sus propias elecciones artísticas en una línea similar, diciendo: “Sentí que debía hacer algo, pensé que sería tan fácil, que tomaría forma bajo mis manos como magia. ¡Entonces la gente lo vería!
La magia literal no estaba tan lejos de lo que Munch buscaba capturar. Los avances científicos del día también marcaron el comienzo de una era dorada de creencia en las fuerzas y energías sobrenaturales, y los simbolistas, a su vez, fueron fuertemente influenciados por el mundo oculto y el mundo de los sueños. Como joven artista, Munch comenzó a pasar el rato en los círculos espiritistas y teósofos, y cuestionó la presencia del alma.
"Old Man Praying", Edvard Munch, 1902, xilografía en color (Colección de la Familia Epstein) "Estaba ciertamente interesado y fascinado por eso", dice Berger. "No tenía visiones locas como las tendría Strindberg [agosto] pero, según su amigo Gustav Schiefler, Munch afirmó ver auras alrededor de las personas".
La idea teosófica de auras psíquicas, o colores influenciados por las emociones y las ideas, era una teoría popular de la época, desarrollada por Annie Besant y Charles W. Leadbetter en su influyente libro de 1901, Thought-Forms . Si bien no hay pruebas de que Munch sacó directamente del libro al crear su propia paleta, Berger incluye su clave de color en el programa, y es tentador establecer paralelismos entre las elecciones de Munch y su trabajo, que vincula los colores como un amarillo brillante a "más alto" intelecto ", marrón fangoso como sustituto de" egoísmo "y rojo intenso para" sensualidad ".
"Cabeza de niña contra la orilla", Edvard Munch, 1899 (Colección de la familia Epstein) Las impresiones de Munch, especialmente, conectan la idea del color y las auras físicas, argumenta Berger. El medio, menos costoso de hacer que sus pinturas, liberó al artista para la experimentación, explica, y las elecciones de colores singulares que emplea con un efecto poderoso presentan una narrativa convincente. Por ejemplo, en una composición de 1895, "The Vampire", el cabello de una mujer se extiende sobre un hombre, que se inclina hacia ella en un abrazo apasionado. Sin embargo, la visual seductora adquiere un nuevo significado si considera la prueba retocada hecha antes del último grabado en madera, a la vista en la exposición, donde el brazo de la mujer y la cara del hombre están salpicados de intelecto amarillo o alto. Bajo esa luz, la obra de arte cambia instantáneamente a una historia más contemplativa y romántica, más acorde con el título original de Munch para la obra, "Amor y dolor".
Berger cree que Munch es uno de los artistas de su edad más dedicado a las ideas teosóficas de la elección del color. "Para mí, con Munch, el color es primordial", dice Berger. "No veo realmente nada más".
Su selección y combinación pueden ser tan convincentes que es tentador sugerir que Munch tenía una forma de sinestesia, donde un sentido causa sensación en otro, aunque nunca fue diagnosticado con él durante su vida. “Los estudiosos han dicho, por supuesto, que Munch tenía sinestesia. Pero la gente también dice eso de [Wassily] Kandinsky ”, dice Berger. “Creo que todos los artistas en algún nivel tienen esa relación con el color y la percepción porque siento que en cierto grado tienes que ser un artista. Tienes que ver el color de manera diferente a otras personas para sentirte tan atraído por él y seguir ese camino en la vida ".
En la exposición, las influencias metafísicas de Munch posiblemente se enfocan más en "Encounter in Space". El grabado abstracto de 1902, que se sentiría como en casa en "The Twilight Zone", representa a las masas de la humanidad naranja-rojo y azul-verde, que aparecen para flotar en un vacío que bien podría ser la cuarta dimensión. Las selecciones de color, que según Thought-Forms se traducen como puro afecto y devoción o simpatía, respectivamente, cuentan una historia esperanzadora. Aunque la propia vida de Munch estuvo llena de dificultades, esta lectura del trabajo sugiere que tal vez esperaba que el mundo invisible que capturó en su arte fuera más amable.
