La muerte de la pintura se predijo por primera vez a mediados del siglo XIX, cuando el advenimiento de la fotografía parecía arrebatar la realidad de la mano del pintor. "Si se permite que la fotografía sustituya al arte en algunas de sus funciones", escribió el poeta y crítico de arte francés Charles Baudelaire en 1859, "pronto la suplantará o la corromperá por completo". Los artistas han estado tratando de aceptar las implicaciones de la fotografía desde entonces.
Impresionistas como Monet y Renoir, rechazando las imágenes estáticas y mecánicas de las fotografías, así como la pintura académica obsoleta de su tiempo, se propusieron pintar sus propias impresiones de cómo el ojo percibe la luz y la atmósfera en la naturaleza. Algunos de sus contemporáneos, incluidos Degas y Toulouse-Lautrec, tomaron un rumbo diferente. Comenzaron a usar fotografías para inspirarse, recortando sus imágenes como lo haría la cámara, por ejemplo, e introduciendo distorsiones de perspectiva basadas en la lente de la cámara.
Luego, hace cien años, Matisse y Picasso hicieron las pinturas radicales que definirían una nueva era del arte moderno. Matisse desfiguró a la figura con su abultado Desnudo Azul en 1907, pintando a partir de una fotografía para liberar su imaginación y romper los hábitos formados al dibujar de la vida. Picasso también usó fotografías para pintar su Les Demoiselles d'Avignon de 1907, y cada figura parecía una exposición múltiple, vista desde diferentes ángulos al mismo tiempo, un paso decisivo hacia el cubismo.
A medida que avanzaba el siglo XX, pintores como Wassily Kandinsky y Jackson Pollock abandonaron por completo el concepto de arte, produciendo lienzos que no contenían ningún objeto reconocible. En sus obras "abstractas", la pintura misma se convirtió en el tema. En la década de 1960, los artistas conceptuales, inspirados por Marcel Duchamp y otros dadaístas de la década de 1920, adoptaron la idea de que el arte debería apuntar a la mente, no al ojo, produciendo pinturas en las que la idea detrás de la obra era más importante que la obra misma. . Con algunas excepciones obvias (Pop Art, Photo Realism y artistas como David Hockney), el arte representativo o figurativo se consideraba en gran medida una cosa del pasado a fines del siglo XX. Pero en los últimos años, una serie de pintores contemporáneos han comenzado a remontarse a las raíces del arte moderno para encontrar nuevos modos de expresión. Están mezclando la figura humana y otras formas reconocibles con elementos de abstracción y narración ambigua de formas nunca antes vistas.
"La emoción en torno a mi profesión en este momento es tremenda", dice Joachim Pissarro, curador de pintura y dibujo en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. "Hace treinta años, se hablaba del final de la pintura. Hoy a nadie le importa eso". Para la generación joven, dice, "la polarización entre la abstracción y la representación que existió en la última mitad del siglo XX no tiene sentido. Lo que estamos viendo ahora es muy interesante. Y totalmente nuevo".
Esparcidos desde Brooklyn hasta Trinidad y Leipzig, Alemania, los artistas representados en estas páginas están renovando "una creencia en la pintura", dice Laura Hoptman, curadora principal del Nuevo Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Nueva York.
Peter Doig
"Cuando la gente comenzó a interesarse en mi trabajo a fines de la década de 1980, la pintura estaba completamente fuera de la agenda", dice Peter Doig, un escocés de 49 años que vive en Trinidad. "Lo que las galerías consideraban vanguardista era todo conceptual: pintura sobre pintura, arte que decía algo sobre la forma en que está hecho. Trabajé deliberadamente en contra de eso. Para mí, una vez que eres pintor, estás constantemente obligado a mirar el mundo como un tema potencial para la pintura. Y eso va de ver algo en la calle, a ver algo en una película, en una revista, todo realmente ".
El estudio de Doig, en una destilería de ron renovada en la capital de Trinidad, Puerto España, está lleno de grandes lienzos que representan paisajes selváticos, ríos manchados de pintura y figuras ambiguas. Cuando dejó Londres para mudarse a Trinidad en 2003, muchos de sus amigos lo llamaron "hacer un Gauguin", en honor al artista francés Paul Gauguin, quien se mudó a Tahití en 1891 para convertirse en uno con la naturaleza. El estilo de Doig a veces se compara con el de Gauguin, pero su enfoque de la pintura es bastante diferente. Su método depende de un tipo de procesamiento de información que a menudo comienza con una fotografía, dice, porque pintar a partir de fotografías lo aleja de lo que es real o verdadero. "¿Por qué una pintura tiene que ser veraz?" él pide.
Doig ha hecho varias pinturas de una antigua postal que compró en una tienda de chatarra de Londres que representa una escena de un río en la India. "Cuando pinto directamente de la naturaleza", dice, "estoy demasiado atrapado tratando de hacerlo bien. Usar la fotografía o una postal me permite tomar lo que quiero y dejar el resto. Hice una fotografía del pequeño gurú en la postal, y tomé otra foto de eso, y lo exploté para que se volviera una mancha borrosa, y pinté de eso, y se convirtió en una especie de hombre con barba, algo misterioso y negro. No sé si es una figura religiosa o fanática, pero hay algo espiritual en él ".
Señala un lienzo de 9 por 12 pies de una figura esquemática que trepa una palmera, abraza el tronco y se asoma desde un vacío abstracto de pinceladas, goteos y grietas. "Esas gotas y grietas son el tipo de cosas hermosas en la pintura que son únicas", dice. "Corres riesgos y te los dan, pero odiaría que se conviertan en un manierismo o truco". Sin embargo, fue la figura que más sorprendió a Laura Heon, directora de SITE Santa Fe, cuando la pintura se mostró en la Bienal 2006 del museo. "En cierto sentido, es un retorno al humanismo", dice ella. "Hay algo muy generoso en hacer una imagen de un ser humano".
Una gran retrospectiva del trabajo de Doig se abrirá en la Tate Modern de Londres en febrero.
Dana Schutz
En las pinturas de Dana Schutz, lo falso y lo real son difíciles de distinguir. "Sé que mis imágenes están construidas, pero creo en ellas cuando estoy pintando", dice en su estudio en un antiguo edificio industrial convertido en cooperativa de artistas en Brooklyn. A Schutz, de 30 años, le gusta crear figuras y ponerlas en diferentes escenarios en una serie de pinturas, donde parecen cobrar vida propia. Una de esas series es de figuras que ella llama "comedores de sí mismos", una forma despojada de personas que sobreviven alimentándose de partes de sus propios cuerpos y luego reconstruyéndose. Las pinturas, con sus imágenes fantásticas y lo que ella llama sus "colores extrovertidos" (rosas y rojos, púrpuras eléctricas y verdes de la jungla) han sido elogiadas como un nuevo expresionismo, y es fácil interpretarlas en términos de males sociales. modelos anoréxicos para el consumismo voraz, o incluso para vislumbrar la psique del artista. Pero Schutz no está de acuerdo.
"No soy expresionista", protesta. "Estas pinturas no son sobre mí expresando cómo me siento en absoluto". Los comedores de sí mismos, dice, "son una solución pictórica; puedes separarlos y volver a armarlos. Es como si se hubieran convertido en material".
Pero Schutz dice que sus cuadros a veces están inspirados en lo que ve en Internet o en lo que piensa en ese momento. "Quiero que estas pinturas comiencen en algún lugar de la imaginación pública, donde las personas sientan que podrían conocer esa historia, como la cirugía plástica o el consumo de producción, o las formas en que hacemos historias alternativas para nosotros mismos", dice ella. "Cada vez más, siento que lo más radical que puede hacer el arte es darle a alguien una experiencia que de alguna manera le resulta desconocida".
Para Schutz, no hay una línea dura entre la pintura abstracta y figurativa. "No pienso en ellos como algo separado". En una nueva pintura de un hombre y una mujer conduciendo, las figuras en el automóvil parecen casi de plástico, como si se derritieran en un paisaje hawaiano caliente. "La forma en que estoy pensando en ellos", dice, "es que en el futuro, si nos miraras, ¿qué características quedarían, de una manera ligeramente distorsionada o generalizada?
"Tal vez estamos redefiniendo la figura", continúa. "Hacer pinturas sobre pintura parece una locura. Todo eso habla de la pintura. Creo que los artistas ahora quieren dar sentido y tener un efecto. Es muy diferente del siglo XX".
En noviembre se inaugura una exposición de la obra de Schutz en la Galería de Bellas Artes Contemporáneas de Berlín, Alemania.
Neo Rauch
En Leipzig, el artista alemán de 47 años Neo Rauch está influyendo en una generación de pintores de la posguerra fría con pinturas ambiguas que mezclan el realismo con la fantasía, lo ordinario con lo extraño. Basándose en los estilos gráficos de los cómics y el arte comercial del Bloque del Este, el realismo social de la Alemania Oriental comunista, sus propias imágenes de ensueño y elementos de su paisaje urbano, Rauch pinta el tipo de figuras que puedes encontrar en los carteles de propaganda, pero los expone escenas que, dice, son "confusamente plausibles", a la vez familiares y extrañas.
Rauch describe sus pinturas como alegorías con una iconografía personal que permanece privada. Recientemente le dijo a un entrevistador del Metropolitan Museum of Art de Nueva York que sus decisiones como pintor pueden desafiar la razón, incluso la suya. Pero lo que incluye en una pintura tiene su propia realidad, dice, porque "a pesar de todo el deseo de interpretación, la pintura debe conservar el privilegio de colocar lo que no se puede verbalizar en una estructura obvia". Rauch describe su proceso de hacer una pintura como una lucha para equilibrar lo que es reconocible con lo que es inexplicable. "Para mí, dijo, " pintar significa la continuación de un sueño con otros medios ".
Una exposición de la obra de Rauch se encuentra actualmente a la vista en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York (hasta el 14 de octubre).
Barnaby Furnas
Barnaby Furnas, como Dana Schutz, graduada de la escuela de arte de la Universidad de Columbia, ha instalado su estudio en un loft industrial convertido en Brooklyn. Sus pinturas, inspiradas en la pintura de historia francesa de finales del siglo XIX, combinan elementos figurativos con técnicas derivadas del graffiti y el expresionismo abstracto.
"Cuando era un adolescente que crecía en el centro de Filadelfia, primero era un escritor de graffiti", dice. "Me metí en todo tipo de problemas, me arrestaron, pero siempre tuve un pie en la clase de arte". Finalmente, el padre de un amigo lo llevó a algunas galerías de arte en la ciudad de Nueva York. "Esa es realmente la única forma en que hubiera sabido que el mundo del arte alguna vez existió", dice.
Furnas, de 34 años, pinta sus lienzos en el piso, como lo hizo Jackson Pollock. Pero en lugar de gotear pintura al óleo a la manera de Pollock, crea charcos de pintura a base de agua que acumula uno encima del otro para crear forma. Para una serie sobre la Guerra Civil, llenó una jeringa con pintura acrílica roja que roció sobre sus lienzos para representar sangre. "Los aceites nunca se secan a tiempo por la forma en que uso la pintura", dice, "en el suelo, en charcos. Mucho de eso se remonta al graffiti. Una de las cosas que me gustaron del graffiti es que deliberadamente utiliza mal el material. Podría quitar las tapas de las latas de aerosol de un aerosol, por ejemplo, un limpiador de encimera, y ponerlo en una lata de pintura en aerosol y obtener un efecto completamente diferente de la boquilla ... Nunca me he molestado con incluso caballetes o cepillos. Tengo una gran colección de tapas de latas de aerosol, como imagino que algunos pintores al óleo tienen cepillos. En mi trabajo, hay una especie de mezcla deliberada de lo que hay en la ferretería y lo que hay en la tienda de arte ".
En la escuela de arte de Columbia, Furnas se encontró rebelándose contra una generación anterior de maestros que eran, dice, "artistas conceptuales y posmodernos, casi sin pintores". Él veía la pintura como un acto de autoexpresión que estaba fuera de moda. También quería que su trabajo fuera accesible para los espectadores sin la necesidad de que los académicos lo interpreten. "No quería que estas personas con trajes negros hablaran de mi trabajo", dice. "No quería un intermediario". Decidió "volver a las semillas del Modernismo", dice, "a Courbet y Géricault y Manet, a la pintura de historia francesa de finales del siglo XIX. Pude reinvestigar el género y abordarlo de una manera diferente. ¡Así que me he convertido en este tipo de comprador modernista de tiendas de segunda mano! "
Una exposición del trabajo de Furnas está programada para la primavera en la galería Stuart Shave / Modern Art de Londres.
Katherine Lee
En un antiguo cuartel del ejército convertido en estudios de artistas en el Colegio de Santa Fe, Katherine Lee, de 22 años, se pregunta cómo su generación cableada verá el arte. "Leímos tantos mensajes visuales instantáneos en estos días", dice ella, "como comerciales, léelos y entiéndelos, y quiero que una pintura sea interesante por más tiempo que un corte comercial. Creo que existe un miedo a la narrativa, y proviene de la idea de "conseguirlo". Las personas están tan acostumbradas a la publicidad que quieren que otra persona piense lo que ven en una pintura. Pero la publicidad hace un trabajo tan bueno que quizás tenga que encontrar una nueva estrategia ".
Un misterioso paisaje casi negro con un parche de luz distante está clavado en la pared del estudio de Lee. Tiene la atmósfera cambiante y la profundidad de un paisaje del siglo XIX, pero Lee lo pintó a partir de varias fotografías usando una mezcla de grafito, aceites y latas de pintura en aerosol. El follaje oscuro sugiere una jungla o bosque, y hay algo que parece un paraguas rojo en medio de todo. Pero no hay gente. Es difícil saber algo sobre la escena, que es justo lo que ella quiere. "Ese paraguas en el bosque sugiere que algo está pasando", dice ella. "Me gusta la idea de que todo actúa como contenido potencial. Realmente no pienso en lo que significa cuando lo hago, porque sé que va a tener su propio significado".
Cuando pinta figuras humanas, como en una imagen al óleo y grafito de una pareja romántica que llama Amor sin título, Lee quiere que la pintura interese tanto al espectador como a la imagen. "No es exactamente una pintura figurativa", dice ella, "porque no se trata realmente de estas personas. Cuando comencé la pintura, realmente se trataba solo de la figura, pero muy pronto eso parecía demasiado plano. Me sentí realmente frustrada y algo destruida la mayor parte de la pintura, y luego fue mucho mejor. Tomé un pincel y borré todo violentamente. Al abstraer todo hasta tal punto, la pintura se abre, gana mucho contenido potencial en lugar de explicarse explícitamente. "
Las pinturas de Katherine Lee estarán en exhibición en una exposición de tesis en la Galería de Bellas Artes del Colegio de Santa Fe en mayo.
Elizabeth Neel
Elizabeth Neel, de 32 años, recién graduada de la Escuela de Artes de la Universidad de Columbia, es una pintora cuyo trabajo se suma a la nueva emoción sobre la pintura contemporánea que combina la abstracción y la representación. En su estudio de Brooklyn, los lienzos están cubiertos con grandes pinceladas abstractas que recuerdan a De Kooning, pero incorporan el tipo de figuras que un pintor como Matisse podría haber imaginado. Neel dice que su propia sensibilidad está formada por la avalancha de imágenes que la rodean, desde publicidad y televisión hasta películas, videos e Internet. "Somos consumidores de imágenes casi desde el día en que nacemos", dice, y cree que el arte ahora tiene que lidiar con ese entorno.
Nieta de la pintora figurativa del siglo XX Alice Neel, Elizabeth a menudo navega por Internet en busca de imágenes antes de comenzar una pintura. Ella no proyecta fotografías en un lienzo, pero hace bocetos de las imágenes que quiere usar. A veces, dice, los aspectos puramente formales de hacer una pintura, la escala de sus pinceladas, por ejemplo, pueden cambiar su interés en la imagen y enviarla de regreso a Internet para obtener nuevas imágenes e ideas. "Creo que la pintura puede tener una dualidad maravillosa; puede tratarse de sí misma y del mundo", dice, "y es un buen pasaje en una pintura cuando eso sucede".
El coleccionista británico Charles Saatchi ha comprado varias de las pinturas de Neel y está incluyendo algunas de ellas en su serie de exposiciones en curso, "The Triumph of Painting", en su galería de Londres. Neel tendrá una exposición individual en Deitch Projects en la ciudad de Nueva York en la primavera de 2008. Su trabajo se puede ver en el sitio web de Deitch Projects.
El escritor y pintor Paul Trachtman vive en Nuevo México. Su artículo sobre los dadaístas apareció en el Smithsonian de mayo de 2006 .
