El artista Jeffrey Gibson, un miembro medio cherokee de la banda de indios Choctaw de Mississippi, adopta un enfoque multidisciplinario para su trabajo: es pintor, escultor, fotógrafo e intérprete. Su obra es una combinación ingeniosa que desafía a su audiencia a cuestionar los supuestos culturales y políticos. Por su material, extrae su herencia indígena, su exploración juvenil de la subcultura de clubes nocturnos y su educación global en Corea, Alemania, Inglaterra y otros países donde vivió creciendo. Se puede decir que su énfasis artístico es un abrazo colaborativo de identidades marginadas, inconformistas y extraños sociales.

Gibson resuena particularmente en este momento en el tiempo. Su obra de arte se basa tanto en la historia de la eliminación cultural del país como en su clima actual de política divisiva.

"A medida que los tiempos se vuelven cada vez más políticos, la gente ha comenzado a proyectar más política en el trabajo", señala Gibson, cuya obra de arte más reconocida es una serie de sacos de boxeo Everlast reutilizados adornados con bordados, cuentas de vidrio multicolores, flecos de nylon fluorescente, jingles de metal y etiquetado con letras de canciones pop. "Y luego casi estoy respondiendo", dice. "Porque estoy disfrutando la conversación".

Ya sean pinturas geométricas de acrílico y grafito sobre cuero crudo o deslumbrantes tapices estampados, inspirados en el acolchado tradicional y una narrativa artesanal indígena, la instalación de Gibson en todos los medios refleja una profunda comprensión de la abstracción formal. Entre sus influencias se encuentran los modernistas estadounidenses y europeos, como Sol Lewitt, Josef Albers y Bridget Riley. Su trabajo incorpora materiales como piel de cabra y piel de ciervo, así como más recientemente, la artesanía de la picadura de abedul algonquino y la pluma de puercoespín, practicada por tribus mucho antes de la llegada de los colonos europeos.

Los problemas de colonización, tanto dentro de las paredes del museo como más allá, nunca se alejan de la mente de Gibson. En su American History 2015 , un tapiz multicolor, incorporó el texto: "La historia de los Estados Unidos es más larga, más grande, más hermosa y más terrible que cualquier cosa que alguien haya dicho al respecto".

Nacido en Colorado Springs, Gibson, de 47 años, hijo de un ingeniero del Departamento de Defensa de los Estados Unidos, relata mudarse cada dos o tres años durante la infancia, aterrizando en Carolina del Norte, Nueva Jersey, Alemania y Corea. Educado en el Instituto de Arte de Chicago y en el programa de posgrado del Royal College of Art de Londres, Gibson estudió pintura en todas partes. Pero cita la cultura punk y rave de la escena del club que adoptó en su adolescencia y 20 años como tan influyente en su arte como su entrenamiento formal. "Mirando hacia atrás a la música que se estaba reproduciendo a finales de los 80 y 90, lo que estábamos bailando de manera festiva fue a menudo un grito de ayuda, hablando explícitamente sobre el VIH en algunas de esas letras", explica Gibson. “Pero me di cuenta de que había una razón por la que esa música me habló. Me habló como un hombre joven, extraño y no blanco.

Demian DinéYazhi, No. 3 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Demian DinéYazhi, No. 4 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Emily Johnson, No. 1 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Emily Johnson, No 4 de Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Jackson Polys, No. 1 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Laura Ortman, No 1 de Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Regan de Loggans, No. 1 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Roxy Romero, No. 2 por Jeffrey Gibbons, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects) Roxy Romero, No. 3 por Jeffrey Gibson, 2019 (Cortesía del artista, Sikkema Jenkins & Co., Kavi Gupta y Roberts Projects)

Esta semana, Gibson trae ese discurso a la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian en Washington, DC, con su coreografía multimedia, titulada "To Name An Other". La presentación presenta tambores y 50 participantes, que se identifican como indígenas, nativos americanos, LGBTQ, o como personas de color, vestidas con las elaboradas prendas hechas a mano de Gibson.

Es la última versión de la serie "Identificar" del museo. "Estamos abriendo lo que puede ser un retrato", dice Dorothy Moss del museo, curadora de pintura y escultura, así como directora de Identify.

Gibson es muy adecuado para ser el décimo artista encargado de "Identificar", uniéndose a otros como James Luna, Martha McDonald, JJ McCracken, María Magdalena Campos-Pons y Wilmer Wilson. El propósito del proyecto es iluminar las lagunas en la colección temprana del museo, reconociendo a las personas que faltan, dice Moss. A medida que los museos de los Estados Unidos luchan con desequilibrios institucionales de larga data, "Identificar" confronta la ausencia racial en el arte y la historia estadounidense a través de la lente de la actuación.

"Realmente espero que el trabajo de Gibson les dé voz a aquellos que se quedaron en silencio durante este momento político", explica Moss sobre los 50 artistas voluntarios, así como el texto que Gibson incorpora a la actuación. Las prendas de colores brillantes de Gibson para cada uno de los participantes se combinan con lemas impresos digitalmente como: "Luchan por agua limpia", "Poderosos porque son diferentes", "Sus votos cuentan", "Hablan su idioma", "Identifican As She "y" Su piel oscura trae luz ".

El uso estratégico del texto es un sello distintivo de la estética de Gibson y recuerda los trabajos de Jenny Holzer y el activista contra el VIH / SIDA David McDiarmid.

"Está permitiendo que las personas sean visibles, que se hayan sentido inauditas y vulnerables en nuestro clima actual", dice Moss.

El uso de Gibson de abalorios nativos, artesanía inspirada en colchas y eslóganes de protesta está siendo reconocido por impulsar el arte contemporáneo y el diálogo social hacia adelante. Pero su creación de su primer saco de boxeo iridiscente, el Everlast 2011, fue una experiencia profundamente personal. Gibson recuerda, una sensación de frustración amorfa , cuestionando si incluso quería ser un artista , durante la terapia recomendada por el médico. "Al final de la primera sesión, había muchos problemas relacionados con el clasicismo, el racismo, la homofobia, muy específicos del mundo del arte de una manera que era claramente la raíz de mis frustraciones", dice. "Trabajar con ese terapeuta llevó a un entrenador físico y luego al boxeo, como una forma de volver a unir mi mente y mi cuerpo y tratar de unificar esas cosas que me parecían muy inconexas".

Para la bienal de Whitney de este año, Gibson colgó Keep on Moving (2019), un mural de banderas acolchado prominentemente en el vestíbulo del museo, encima de los mostradores de boletos, con la declaración: “Gracias por el espacio que tiene. Sabe que eres amado. Sigue moviéndote. No te detengas.

Los visitantes se enfrentan a la ubicación destacada de la obra de arte mientras esperan los 5 a 20 minutos que se tarda en comprar sus pases de entrada. "Se trata de decir lo que creo que hay que decir, y qué es lo que hay que hacer", dice Gibson. "Siento que hubiera sido irresponsable para mí no expresar algunas cosas con una plataforma tan grande como esta".

Fiel al léxico visual de Gibson, el artista aprovecha la oportunidad para capacitar a los espectadores. La co-curadora e historiadora de arte de la Bienal de Whitney, Jane Panetta, dice que el texto de Gibson, una poderosa fusión de arte y lenguaje, es tanto una protesta de la injusticia contemporánea como una declaración de fuerza contra la desigualdad y los prejuicios. "Si bien siempre lidia con problemas difíciles sobre su rareza, sobre ser un artista indígena", dice Panetta, "siempre ha tratado de preguntar, ¿cómo puedo lidiar con estos problemas pero pensar en una voz positiva, una voz productiva".

Este mes en la ciudad de Nueva York, tanto el New Museum, donde Gibson ha sido artista residente la primavera pasada, como el Whitney Museum of American Art exhiben obras similares a prendas de Gibson. Para su presentación en bis del 8 de junio de "To Name An Other", que tendrá lugar en el New Museum, los artistas volverán a animar sus textiles a través de tambores, procesiones y movimientos para marcar el cierre de la residencia de Gibson. Refiriéndose a su profundo interés en temas de apropiación y narrativas de conflicto, Gibson tituló el trabajo final de su programa de residencia en el Nuevo Museo, El efecto antropofágico, después del "Manifiesto antropofágico" del poeta Oswald de Andrade de 1928, un ensayo sobre cómo las comunidades deberían "devorar" "O canibalizar la cultura de un colonizador para rechazar la dominación. El trabajo incluye cuatro de sus prendas junto con los vestidos de Choctaw y Cherokee, y una variedad de materiales de cuentas de plástico, cintas de nylon, arandelas de latón, calabazas secas y cestas.

Siempre explorando nuevas historias de artesanía indígena, durante su residencia en el Nuevo Museo, Gibson comenzó a tejer cestas de caña en el sureste del río, por ejemplo. "Jeffrey es alguien que está realmente interesado en cómo las diferentes formas culturales son constantemente, siempre tocándose entre sí", dice la curadora asociada del Nuevo Museo, Sara O'Keeffe. "Una gran parte de las prendas que Jeffrey ha estado haciendo en los últimos años es pensar en ellas activadas y no simplemente mostradas como artefactos en museos de todo el país".

"Identify: Performance Art as Portraiture-Jeffrey Gibson: To Name An Other" se llevará a cabo el 22 de mayo de 2019 a las 5 pm en la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian en Washington, DC