Para muchos, la palabra "arte" evoca pensamientos de arrogancia y galerías congestionadas, de salones ornamentados y élites que se codean con cócteles. La experiencia estereotípica del museo, aunque menos precisa de lo que solía ser, pone el arte en exhibición de forma remota, como el producto de una parte amurallada de la sociedad a la que los hoi polloi no tienen acceso. El festival de arte By the People de este año en Washington, DC, que comenzó el 15 de junio y continuará hasta el 23 de junio, anula por completo esta noción de arte en su celebración de trabajos participativos con fuertes lazos con las comunidades y culturas de la gente común.
Lanzado el año pasado por la organización sin fines de lucro Halcyon, que busca apoyar a artistas cívicos y emprendedores sociales, By the People exhibe arte emblemático de los ideales democráticos de Estados Unidos y las frecuentes luchas de la nación para cumplirlos. Es un festival basado en la experiencia vivida, la interacción humana y la historia, y se desarrolla esta semana y el próximo fin de semana en DC, incluido el Edificio Smithsonian de Artes e Industrias y Union Market. De acuerdo con su misión, el festival es gratuito.
El fin de semana inaugural, Smithsonian habló con varios de los artistas cuyo trabajo de gran alcance se exhibe en el Arts and Industries Building, ubicado en el National Mall. Esto es lo que tenían que decir sobre sus piezas destacadas y su enfoque de los temas centrales de By the People:
Martha Jackson Jarvis, Adaptación
La adaptación examina las formas en que tanto el arte como la historia se forman y remodelan con el tiempo. (Chris Ferenzi) La escultora nacida en Virginia Martha Jackson Jarvis es conocida desde hace mucho tiempo por sus reflexivas evocaciones en medios mixtos de comunidades negras e indígenas y los espacios que habitan. En By the People 2019, Jarvis exhibe una pieza llamada Adaptación, que se centra en una variedad de grandes bloques rectangulares pintados de forma abstracta dispuestos en un amplio tramo de piso, algunos en contacto directo con él, algunos en alto con andamios metálicos magros. Arriba, los textos históricos de fuentes primarias impresos en algodón semitransparente descienden de un techo abovedado como fantasmas majestuosos.
Jarvis explica que su pieza se inspiró en la historia de vida de un bisabuelo distante llamado Luke Valentine, un hombre libre que vivía en Virginia cuando estalló la Guerra Revolucionaria y que se aventuró al norte como miliciano para luchar con los británicos. Cuando era mayor, Valentine fue llamado a la corte para demostrar que, de hecho, había participado en la guerra. "Recibió firmas de dos de los generales a los que sirvió para demostrar que merecía su pensión", dice Jarvis. Encontró la "implicación personal de Valentine con la urgencia de su tiempo" conmovedora y trascendente; Los documentos presentados en la exposición pertenecen directamente a la afirmación de Valentine de su identidad.
Cada cara de los bloques, mientras tanto, representa una etapa diferente en el proceso de un ambicioso proyecto de pintura de la propia Jarvis. Ella quería que Adaptation ofreciera una especie de mirada detrás de escena del largo viaje de crear un producto artístico. Así como cada paso de su proceso contribuyó a una obra de arte grandiosa y coherente, también cada individuo que vivía en un momento histórico dado, como Luke Valentine, contribuyó a grandes cambios en sus sociedades. Sobre todo, Jarvis espera que su pieza sea un recordatorio fortalecedor de nuestra capacidad como individuos para contribuir al paisaje en constante evolución de la historia. "Todos tenemos un poder extraordinario en el proceso de lo que sucede", dice ella.
Ada Pinkston, más de un número
Con más de un número, Ada Pinkston se propuso hacer lo aparentemente posible: memorizar 272 figuras históricas poco conocidas de una manera íntima. (Chris Ferenzi) Complementaria a la meditación de Jarvis sobre el tiempo y la influencia es la toma de tiempo y memoria de la joven artista de medios mixtos Ada Pinkston, más que un número . En lugar de centrarse en una persona soltera bien documentada, Pinkston optó por rendir homenaje a una colección de vidas ignoradas por la historia convencional: los 272 trabajadores esclavizados vendidos en 1838 por el presidente jesuita de la Universidad de Georgetown para mantener a flote su escuela.
Más de un número consiste en una colección de bloques blancos cuadrados de proporciones dispares pintadas con rayas azules que se bifurcan y que sugieren ramas de árboles. La cantidad y la cercanía de los bloques tomados junto con la interconectividad de sus imágenes de rama y la simple elegancia de la pintura de Pinkston capturan bien el concepto de 272 almas humanas únicas unidas en un momento, pero desviadas de los libros de historia y anónimas.
Estas imágenes están acompañadas de grabaciones de audio de descendientes vivos de los hombres y mujeres esclavizados en cuestión que se reproducen continuamente en el espacio que ocupa la exhibición. Estas grabaciones dan vida a lo desconocido 272 y le dan a lo que podría ser una pieza trágica una sorprendente y triunfante calidad. Pinkston espera que estimule a los visitantes a considerar las historias de sus propias familias y reflexionar sobre las brechas en el registro histórico en el que personas significativas vivieron sus vidas.
"¿Cómo honramos la vida de las personas que no conocemos mucho?", Pregunta Pinkston. "Quiero que la gente considere momentos como estos con más reverencia".
Rania Hassan, Caminos 7
La artista de fibra Rania Hassan encuentra belleza en la coincidencia de personas dispares que ocupan el mismo momento en el espacio y el tiempo juntas. (Cortesía del artista) Donde Pinkston se basa en imágenes arbóreas para sugerir una conexión a través del tiempo y el espacio, la artista de fibra y madera Rania Hassan invoca hilos de hilo. Cuando teje algo, señala, “toda la estructura es de una sola línea de hilo. Para mí eso es realmente inspirador, porque mi trabajo se trata de la conexión y de cómo todos estamos interconectados ”. Los hilos también pueden entrelazarse, por supuesto, como las historias de personas que se mueven juntas por lugares y momentos. Estos pensamientos informan mucho del trabajo de Hassan.
La pieza destacada de Hassan en By the People este año es Paths 7, parte de una serie que examina los hilos que seguimos a medida que tomamos decisiones a lo largo de nuestras vidas, decisiones que a menudo lamentamos. Paths 7, un rechazo de este arrepentimiento, toma la forma de una pila de pan de oro sorprendentemente simétrica, situada justo debajo de la punta de un péndulo de huso. Es una imagen limpia y hermosa que sugiere serenidad y perfección. Hassan lo ve como un signo cósmico de "Estás aquí".
Hassan explica que la maravillosa calidad de la pieza surgió de su propio asombro por el hecho de que todos los que la verían en el festival hubieran llegado exactamente al mismo lugar y momento en Washington, DC a pesar de haber seguido caminos completamente únicos en sus vidas. hasta entonces. Ella encuentra una especie de solidaridad tranquilizadora en eso: las confluencias inevitables de todos nuestros hilos respectivos a través del tiempo. "Todas sus historias están colisionando al mismo tiempo", dice ella. “Aquí es donde debes estar. Todo lo que has hecho te ha traído hasta aquí.
Jonathan Rosen, caminando sobre las nubes
Walking on Clouds de Jonathan Rosen anima a los visitantes de la galería a encontrarse cara a cara con sus sueños. (Chris Ferenzi) Jonathan Rosen giró bruscamente de una carrera en publicidad a la vida de un artista, por lo que él también pasa gran parte de su tiempo pensando en los caminos no tomados. En particular, está fascinado por los sueños y entristecido por las formas en que las limitaciones de la vida a menudo nos llevan a abandonarlos.
"Muchas veces nuestros jefes, nuestros padres, la religión y la sociedad nos dicen que no se nos permite tener sueños o que soñar es incorrecto", dice Rosen. “Y así, comenzamos a olvidar nuestros sueños, comenzamos a ignorarlos. La vida sigue y nos hacemos mayores, y luego los dejamos ir ”. Él quiere que su arte sea una llamada de atención para todos los que lo experimentan. "Estoy aquí para decir: ¡Sigue tus sueños!"
La instalación de Rosen By the People, Walking on Clouds, es elegante en su simplicidad. Consiste en una serie de espejos, cada uno con aperturas atractivas para las oraciones: "Yo soy ..." o "Podría ser ..." o "Ya veo ..." Debajo de estos entrantes, los sustantivos y adjetivos parpadean electrónicamente a un ritmo vertiginoso: "una flor, "" Un imbécil ", " brillante ", " realeza ", cientos más. Cuando tomas una selfie con uno de los espejos, esa ráfaga se reemplaza por una sola frase aleatoria, que de repente adquiere un gran significado personal, después de haber sido identificada e inmortalizada junto a tu propia imagen gracias al preciso movimiento de tu pulgar. "Soy un fuego artificial". "Veo fantasmas". "Podría estar radiante".
La misión de Rosen con esta pieza es hacer que la gente piense en lo que es posible en sus vidas, sacarlos de la complacencia y vincularlos espontáneamente con un sueño. Él cree que para que los sueños se conviertan en realidad, primero deben articularse, y Walking on Clouds articula sueños que quizás ni siquiera te hayas dado cuenta de que sostenías. "Si nunca hubiera dicho que quería ser artista", dice Rosen, "esto no existiría. Necesitamos decirlo en voz alta para que sea verdad ".
Stevie Famulari, Engage Urban Greening
Engage Urban Greening es un alegre llamado a la acción que exhorta a los participantes a acoger la naturaleza en sus vidas. (Chris Ferenzi) Donde Walking on Clouds se propone hacer que pienses en ti mismo y en lo que eres capaz, Stevie Famulari y su proyecto By the People Engage Urban Greening tratan sobre las comunidades y las maravillas naturales que nos rodean.
En el corazón de la exhibición hay un campo de coloridas flores de papel que descienden por una escalera, cada una hecha de un tipo especial de papel de construcción que contiene semillas y eventualmente se plantará y regará para producir flores silvestres. Al igual que la vida vegetal que celebra, Engage Urban Greening está creciendo a medida que los visitantes de la galería crean sus propias creaciones de origami y las llevan a casa para plantar, regar y cultivar.
Famulari, cuyo arte comenzó a asumir un carácter ambiental cuando completó su maestría en arquitectura del paisaje, ve el proyecto Engage como un giro novedoso sobre el tema By the People de "comunidades marginadas". Para ella, la vida vegetal en entornos urbanos es El epítome de una comunidad marginada, una que merece ser bienvenida en los vecindarios.
Del mismo modo que cree que todos somos capaces de tener un impacto positivo en nuestro medio ambiente, Famulari también es una apasionada defensora de la idea de que cualquiera puede crear arte si se esfuerza. "El estilo de todos no debe ser juzgado como 'mejor' o 'peor'", dice ella. "Su arte tiene valor porque es su perspectiva".
Vea este arte por usted mismo en el Arts and Industries Building antes de la conclusión del 23 de junio del festival By the People. El resumen completo de los eventos y ubicaciones de By the People está disponible aquí .
