Nicholas Bell, curador a cargo de la Renwick Gallery del Smithsonian American Art Museum, ha estado en el museo desde 2009. Ha comisariado exposiciones sobre cestas y sobre madera, artesanía como se concibe tradicionalmente, así como sobre artesanía contemporánea. (la exposición del museo de 2012, "40 under 40: Craft Futures"). Él enfatiza la importancia de los materiales y la idea de "hacer". Su pasión por el museo, su renovación y reapertura el 13 de noviembre, y la exposición inaugural "Maravilla" fueron evidentes cuando hablamos con él .
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Preguntarse
ComprarEn primer lugar, ¿puede decirnos por qué elige la palabra evocadora "maravilla" como título de la exposición inaugural de la Galería Renwick? En el catálogo, habla de cómo la idea de maravilla es " ahora tan rápidamente seguida de conocimiento".
Muchos de nosotros pensamos en "maravilla" como un poco infantil. Que es una pena. Hay mucho valor en entrar en contacto con cosas que no comprende, cosas que son extraordinarias, que están más allá de nuestra vida cotidiana.
En el New York Times recientemente, ¿el crítico de arte Holland Cotter escribió sobre los museos como "poderosas máquinas de edición de historia"? ¿Eso se aplica al Renwick?
Estamos abriendo este edificio como museo de arte por tercera vez en tres siglos diferentes. Como cultura y como sociedad, tomamos decisiones, podemos destacar otras prioridades. Aunque el edificio se encargó como museo de arte, se puso en servicio como centro de suministros militares antes de que se utilizara como museo. Esto sirve para recordarnos que tomamos decisiones como personas. A veces elegimos en contra de las artes, y a veces elegimos por ellas. Las palabras sobre la puerta del Renwick, cinceladas en piedra, están "dedicadas al arte".
En cierto sentido, el espectáculo "Wonder" trata sobre el edificio como un espacio importante para venir y experimentar algo. Lo que parece más importante experimentar es la maravilla. Necesitamos lugares públicos donde podamos abrirnos a la maravilla.
Usted escribe que su objetivo era crear un "salón de maravillas inmersivo". "Inmersivo" es un término clave en este momento: en las películas, el 3D está creciendo en popularidad, y en el teatro, no es suficiente para una audiencia simplemente sentarse y observar acción en un escenario. Y el "salón de las maravillas" habla del espectáculo secundario o carnaval, lugares que hacen una apuesta clara por nuestra atención.
Es irónico: gran parte de nuestra atención se centra en un espacio tan pequeño en nuestras vidas. Somos una cultura ligada a la pantalla. Tengo tres hijos menores de cinco años. Me han hecho hiperconsciente de lo importante que es prestar atención a su entorno inmediato. Los niños pequeños tienen los ojos bien abiertos. Sin filtros. Quieren saber de todo. Me han vuelto a enseñar cómo prestar atención. El museo puede hacer esto por nosotros como un niño.
Una de las razones por las que me concentré en los nueve artistas en esta exposición es porque hacen cosas que son muy grandes. Su trabajo te hace intensamente consciente de ti mismo. Si vamos a un museo y vemos cosas que son pequeñas, sobre pedestales (arcilla y vidrio, muchos vasos), todo es maravilloso, pero no necesariamente te hace estar consciente de tu entorno. Pero si entras en una galería y ves una torre de fichas de 13 pies de altura, como lo haces con el trabajo de Tara Donovan, casi te encoges en relación. Piensas bastante visceralmente sobre dónde estás.
Tan importante y tan crítico como lo son los esfuerzos como la digitalización, simplemente no hay un sustituto real para experimentar la obra de arte en persona. Realmente disfruto viendo a los visitantes entrar a cada galería sucesiva. Literalmente, se balancean sobre sus talones, con los ojos muy abiertos y la boca abierta. Hay un elemento fisiológico para encontrar estas obras de arte.
Es por eso que debemos tener espacios públicos para ir. Es por eso que este edificio tiene que estar aquí.
¿Los artistas que elegiste de alguna manera comentan sobre la colección permanente de Renwick?
Ellas hacen. No es necesariamente abierto. Una de las razones por las que elegí estos nueve específicos es que les apasiona extraordinariamente hacer cosas. Tienen un sentido elevado de hacer cosas. El material es mucho más grande que tú. Se cierne sobre ti. Estos trabajos te hacen comenzar a pensar en materiales en tu vida y en tu mundo. Reafirman la importancia de las cosas: hay valor al considerar cómo los objetos nacen en nuestro mundo.
¿Cómo definirías el arte contemporáneo y la artesanía contemporánea? ¿De qué maneras son diferentes y de qué manera son similares?
No me interesa mucho la división, sospecho que me centre en la división. Siempre me inclino por difuminar las líneas en lugar de distinguirlas. Lo que realmente importa son las personas que hacen cosas, que están interesadas en expresarse. No estoy necesariamente interesado en lo que la gente se llama a sí misma. No creo que esas etiquetas tengan mucho valor.
El movimiento de bricolaje se ha apoderado de mucha imaginación últimamente. Parece haber un nuevo respeto por hacer las cosas con las dos manos: decapado, enlatado, fermentación. Y fuera de la cocina, en el mundo de la tecnología, el "movimiento de creadores" y los "espacios de creadores" son muy actuales en este momento. El catálogo "Wonder" discute la importancia de los materiales en la artesanía. ¿Podrías hablar un poco sobre eso?
El interés en la habilidad, el proceso y la mano de obra continuará en nuestro futuro como museo. Hay mucho valor en mirar el mundo en su conjunto a través de la lente de la artesanía. Todos los artistas en la exposición de apertura son esencialmente artistas contemporáneos apasionados por la fabricación y los materiales. Lo que los une a la historia de la artesanía.
¿Hay intereses particulares en el medio ambiente y el mundo natural entre los artistas de este espectáculo?
¡Sí! Cómo surgió esta exposición fue: invité a todos estos artistas a visitar el edificio cuando estaba vacío. Nos habíamos mudado, estaba desgastado, la renovación aún no había comenzado. Nunca lo había visto así, y fue un verdadero lujo verlo así. Los artistas propusieron lo que querían hacer. Les pedí que miraran la arquitectura y pensaran en el tema de la maravilla. No les di ningún otro criterio. Seleccioné a estos artistas porque todos son sensibles al espacio, su trabajo te hace consciente de tu propia presencia.
Lo que es fascinante para mí es que muchos de ellos fueron a la naturaleza como un punto de referencia, sin ninguna presión de mi parte: Maya Lin, trabajando con la idea del Chesapeake. John Grade, árboles. Patrick Daugherty, palos. Jennifer Angus, bichos. Hay mucha sensibilidad del mundo exterior cuando caminas por estas galerías. Refuerza la idea de que los museos son un lugar que puede ayudarlo a pensar sobre el mundo exterior. Cuando la gente viene al museo y a este espectáculo, se quedan boquiabiertos y asombrados. Lo que esto hace es ayudarte a ver con ojos nuevos y pensar en el mundo que te rodea de una manera diferente.
¡Noté que uno de los eventos que marcan la reapertura del museo presenta cerveza artesanal! ¿Es solo un juego de palabras: cerveza artesanal en un museo dedicado a la artesanía?
Todo el fenómeno de la elaboración artesanal es en realidad uno de los ejemplos más visibles de fabricación experta. Cada vez que compra un paquete de seis cervezas en una pequeña cervecería, está apoyando a personas apasionadas por hacer cosas.
La Galería Renwick, hogar de las colecciones de artesanía y artes decorativas del Museo de Arte Americano del Smithsonian, reabre sus puertas el viernes 13 de noviembre luego de una renovación de 2 años y $ 30 millones. La exposición inaugural "Wonder" presenta instalaciones del tamaño de una galería de nueve artistas contemporáneos.
