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La controvertida segunda ley de Renoir

En octubre de 1881, poco después de terminar su alegre Almuerzo de la Fiesta de la Navegación, probablemente su obra más conocida y sin duda una de las pinturas más admiradas de los últimos 150 años, Pierre-Auguste Renoir salió de París para Italia para cumplir un largo ambición permanente Tenía 40 años y ya era aclamado como pionero del impresionismo, el movimiento que había desafiado la pintura académica francesa con sus atrevidos intentos de capturar la luz en escenas al aire libre. Representado por una galería líder y recopilado por conocedores, desempeñó el papel envidiable de iconoclasta respetado, si no bien pagado.

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Su ambición en el otoño era llegar a Venecia, Roma, Florencia y Nápoles y ver las pinturas de Rafael, Tiziano y otros maestros del Renacimiento. No estaba decepcionado. De hecho, su virtuosismo lo asombró, y el célebre artista regresó a París en un estado cercano a la conmoción. "Había llegado tan lejos como pude con el impresionismo", recordó Renoir más tarde, "y me di cuenta de que no podía pintar ni dibujar".

El viaje revelador fue el comienzo del fin del Renoir que la mayoría de nosotros conocemos y amamos. Siguió pintando, pero en una línea completamente diferente, más en un estudio que al aire libre, menos atraído por el juego de luces que por temas tan duraderos como la mitología y la forma femenina, y en una década Renoir entró en lo que se llama su período tardío La opinión crítica ha sido decididamente cruel.

Ya en 1913, la impresionista estadounidense Mary Cassatt le escribió a una amiga que Renoir estaba pintando imágenes abominables "de mujeres rojas enormemente gordas con cabezas muy pequeñas". Recientemente, en 2007, la crítica de arte del New York Times, Roberta Smith, se lamentó "últimamente". desnudos "con su" estancamiento pesado ", agregando" el aspersion 'kitsch' ha sido lanzado a su manera ". Tanto el Museo Metropolitano de Arte como el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York han descargado Renoirs de fines tardíos para acomodar presumiblemente más importantes trabajos. En 1989, MOMA vendió el Desnudo reclinado de 1902 de Renoir porque "simplemente no pertenecía a la historia del arte moderno que estamos contando", dijo el curador de pinturas, Kirk Varnedoe, en ese momento.

"En su mayor parte, el trabajo tardío de Renoir ha sido escrito fuera de la historia del arte", dice Claudia Einecke, curadora del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles. “Renoir fue visto como un artista interesante e importante cuando estuvo con los impresionistas. Luego lo perdió, convirtiéndose en un pintor reaccionario y malo, esa era la sabiduría convencional ".

Si el Renoir maduro llegó a ser visto como pasado, sumido en la nostalgia y eclipsado por el cubismo y el arte abstracto, una nueva exposición tiene como objetivo darle lo que le corresponde. Después de abrir el otoño pasado en el Grand Palais de París, "Renoir en el siglo XX" irá al Museo de Arte del Condado de Los Ángeles el 14 de febrero y al Museo de Arte de Filadelfia el 17 de junio. La exposición, la primera en centrarse en su posterior años, reúne alrededor de 70 de sus pinturas, dibujos y esculturas de colecciones en Europa, Estados Unidos y Japón. Además, las obras de Pablo Picasso, Henri Matisse, Aristide Maillol y Pierre Bonnard demuestran la influencia a menudo ignorada de Renoir en su arte.

Se exhiben odaliscas y desnudos de baño (incluido Desnudo reclinado, ahora en una colección privada), paisajes y pueblos mediterráneos, figuras de la sociedad y mujeres jóvenes peinándose, bordando o tocando la guitarra. Muchos de ellos están inspirados en piezas famosas de Rubens, Tiziano y Velázquez o rinden homenaje a Ingres, Delacroix, Boucher y la escultura griega clásica. "Renoir creía firmemente en ir a los museos para aprender de otros artistas", dice Sylvie Patry, curadora de la exposición de París. Parafrasea a Renoir: "Uno desarrolla el deseo de convertirse en artista frente a pinturas, no al aire libre frente a hermosos paisajes".

Curiosamente, aunque la opinión experta se volvería en contra de sus obras posteriores, algunos coleccionistas, especialmente el inventor de Filadelfia Albert Barnes, compraron numerosos lienzos, y los principales artistas defendieron los esfuerzos de Renoir. "En su vejez, Renoir era considerado por los jóvenes artistas de vanguardia como el artista moderno más grande e importante, junto a Cézanne", dice Einecke.

Tome su pintura de 1895-1900 Eurydice . Basado en una pose clásica, el desnudo sentado está dotado de caderas y muslos desproporcionadamente grandes contra un paisaje mediterráneo difusamente pintado de tonos verde pastel y violeta. "Fue solo esta interpretación libre de un tema tradicional, este sentido de libertad, lo que cautivó a Picasso", dice Patry. Eurydice fue una de las siete pinturas y dibujos de Renoir que Picasso coleccionó, y, agrega el curador, probablemente fue una inspiración para su lienzo de 1921, Seated Bather Drying Her Feet . (A pesar de los intentos del distribuidor de Picasso, Paul Rosenberg, de presentarlos, los dos artistas nunca se conocieron). Einecke recuerda que sus profesores de historia del arte rechazaron a Eurydice y a los desnudos monumentales de Renoir como "chicas neumáticas con neumáticos Michelin". Espera que los espectadores de hoy las identifiquen con el modo clásico que consideraba tales figuras como símbolos de fecundidad, y las ve como precursoras de desnudos modernos realizados por Picasso y otros.

El tardío abrazo de la tradición de Renoir también se debió en gran parte a establecerse después de casarse con una de sus modelos, Aline Charigot, en 1890. Su primer hijo, Pierre, había nacido en 1885; Jean lo siguió en 1894 y Claude en 1901. "Más importante que las teorías fue, en mi opinión, su cambio de soltero a hombre casado", escribió Jean, el director de cine, en sus afectuosas memorias de 1962 , Renoir, mi padre .

Jean y Claude Renoir fueron arrastrados al servicio como modelos desde la infancia. Para una pintura de 1895, Gabrielle Renard, la ama de llaves de la familia y una modelo frecuente, trató de entretener a Jean, de 1 año, mientras el niño revoltoso jugaba con animales de juguete. "Pintar a Gabrielle y Jean no era exactamente un sinecure", bromeó el artista. Claude, que se sentó por no menos de 90 obras, tuvo que ser sobornado con la promesa de un juego de trenes eléctricos y una caja de pinturas al óleo antes de usar un odiado par de mallas para The Clown, el saludo de su padre al principio de Jean-Antoine Watteau. Obra maestra del siglo XVIII Pierrot . (Años después, Picasso pintó a su hijo Paulo como Pierrot, aunque ese trabajo no está en la exposición actual).

Los retratos posteriores de Renoir hacen pocos intentos de analizar la personalidad de la modelo. Lo que más le interesaba era la técnica, específicamente la de Rubens, cuya habilidad con los pigmentos había admirado. "Mire a Rubens en Munich", le dijo al crítico de arte Walter Pach. "Hay un color magnífico, de una riqueza extraordinaria, a pesar de que la pintura es muy delgada".

Renoir también se estaba volviendo menos interesado en representar la realidad. "Qué difícil es encontrar exactamente el punto donde una pintura debe dejar de ser una imitación de la naturaleza", dijo al final de su vida al pintor Albert André, a quien sirvió como mentor. El retrato de 1910 de Renoir de Madame Josse Bernheim-Jeune y su hijo Henry presenta a una madre inexpresiva sosteniendo a su hijo igualmente inexpresivo. Cuando apeló a Auguste Rodin para que convenciera a Renoir de hacer que su brazo se viera más delgado, el escultor le aconsejó al pintor que no modificara nada. "Es el mejor brazo" que hayas hecho, le dijo Rodin. Lo dejó solo.

Renoir, un personaje sociable con un agudo sentido del humor, dirigía una animada casa con su esposa en el barrio parisino de Montmartre. Claude Monet y los poetas Stéphane Mallarmé y Arthur Rimbaud estuvieron entre los invitados a la cena.

Diagnosticado con artritis reumatoide en 1897, Renoir siguió la recomendación de su médico de pasar tiempo en el clima más cálido del sur de Francia. Compró la granja Les Collettes en Cagnes-sur-Mer en 1907. La enfermedad de Renoir le paralizaría lentamente las manos y, en última instancia, las piernas, pero la "amenaza de parálisis completa solo lo impulsó a una actividad renovada", recordó Jean Renoir. "Incluso cuando su cuerpo empeoraba", escribió Matisse, "su alma parecía fortalecerse y expresarse con una instalación más radiante".

En 1912, cuando Renoir estaba en una silla de ruedas, sus amigos reclutaron a un especialista de Viena para que lo ayudara a caminar nuevamente. Después de un mes más o menos con una dieta de fortalecimiento, se sintió lo suficientemente robusto como para intentar algunos pasos. El médico lo levantó para ponerse de pie y el artista, con un enorme esfuerzo de voluntad, logró tambalearse tambaleándose alrededor de su caballete. "Me rindo", dijo. “Se necesita toda mi fuerza de voluntad, y no me quedaría ninguno para pintar. Si tengo que elegir entre caminar y pintar, prefiero pintar ”.

Y así lo hizo. En 1913, anunció que se acercaba a la meta que se había fijado después de su viaje a Italia 32 años antes. "Estoy empezando a saber pintar", declaró el artista de 72 años. "Me ha llevado más de 50 años de trabajo llegar hasta aquí, y aún no ha terminado". Un extraordinario clip de película muda de tres minutos en la exposición lo captura en el trabajo en 1915. Renoir agarra el pincel casi en posición vertical. puño vendado y golpes en el lienzo. Se inclina hacia atrás, mira de reojo la pintura y luego la ataca de nuevo antes de dejar el pincel sobre la paleta.

No pudo haber sido un momento fácil: sus dos hijos mayores habían sido heridos a principios de la Primera Guerra Mundial, y su esposa murió en junio. Mientras millones perecían en las trincheras, en Cagnes, Renoir diseñó una Arcadia, refugiándose en sujetos intemporales. "Sus desnudos y sus rosas declararon a los hombres de este siglo, ya inmersos en su tarea de destrucción, la estabilidad del equilibrio eterno de la naturaleza", recordó Jean Renoir.

Auguste Renoir trabajó hasta el día de su muerte, el 3 de diciembre de 1919. En ese momento, sus estudios contenían más de 700 pinturas (el total de su vida fue de alrededor de 4, 000). Para pintar uno de sus esfuerzos finales, The Bathers, de 1918-19, le colocaron el lienzo en rodillos verticales que le permitieron permanecer sentado mientras trabajaba por etapas. "Es una pintura inquietante", dice Patry. Las dos ninfas carnosas en primer plano son "muy hermosas y elegantes", dice ella, mientras que el paisaje de fondo "se asemeja a un tapiz artificial".

Matisse lo ungió como la obra maestra de Renoir, "una de las imágenes más hermosas jamás pintadas". En una de sus visitas a Cagnes, le preguntó a su amigo: ¿Por qué torturarse?

"El dolor pasa, Matisse", respondió Renoir, "pero la belleza perdura".

Richard Covington, colaborador de toda la vida, escribe sobre arte, historia y cultura desde su casa cerca de París.

Pierre-Auguste Renoir (en 1915) trató a los sujetos clásicos con un "sentido de libertad", dice la curadora Sylvie Patry. (Archivo Hulton / Imágenes Getty) Chica con una cesta de pescado, 1889, Renoir. (Galería Nacional de Arte, Washington, DC, obsequio de Robertson Coe, Foto © 2009 Galería Nacional de Arte, Washington, DC) Dos chicas leyendo, circa 1890-91, Renoir. (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, Fondo de Compra de Frances y Armand Hammer, Foto © 2009 Museum Associates / LACMA) Bañista en una roca, 1892, Renoir. (Colección privada, París, Foto © 2009 Colección privada / Peter Willi / The Bridgeman Art Library) Gabrielle y Jean, 1895, Renoir. (Musée de l'Orangerie, París, Colección Jean Walter y Paul Guillaume, Foto © 2009 Musée de l'Orangerie, París / RMN, por Hervé Lewandowski) Picasso, un admirador, compró Eurydice de Renoir (1895-1900), que influyó en su propio trabajo. Pero un experto dice que "el trabajo tardío de Renoir ha sido escrito fuera de la historia del arte". (Musée Picasso, París / Bridgeman Art Library International) Mujer tocando la guitarra, 1896-97, Renoir. (Musée des Beaux-Arts, Lyon, Foto © 2009 Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, Nueva York (ART146681)) El Pierrot Blanco, c. 1901-2, Renoir. (The Detroit Institute of Arts, Legado de Robert H. Tannahill, Foto © 2009 The Detroit Institute of Arts, Estados Unidos / Legado de Robert H. Tannahill / Bridgeman Giraudon) Terraza en Cagnes, 1905, Renoir. (Museo de Arte Bridgestone, Fundación Ishibashi, Tokio, Foto © 2009 Museo de Arte Bridgestone, Fundación Ishibashi. Todos los derechos reservados.) La casa de Renoir en Cagnes-sur-Mer, en el sur de Francia, fue una fuente de inspiración ( The Farm at Les Collettes, 1914). (Legado de Charlotte Gina Abrams, en memoria de su esposo, Lucien Abrams, 1961 / Metropolitan Museum of Art, Nueva York) Bailarina con pandereta, 1909, Renoir. (The National Gallery, Londres, Foto © 2009 National Gallery, Londres / akg-images) Renoir dijo que luchó "para encontrar exactamente el punto donde una pintura debe dejar de ser una imitación de la naturaleza". El payaso (1909) rindió homenaje a Watteau. (Musée de l'Orangerie, París, Foto © 2009 Musée de l'Orangerie, París / RMN, por Franck Raux) Jean como Huntsman, 1910, Renoir. (Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, regalo a través de la generosidad del difunto Sr. Jean Renoir y Madame Dido Renoir, Foto © 2009 Museum Associates / LACMA) Autorretrato con sombrero blanco, 1910, Renoir. (Colección privada cortesía de Galerie Durand-Ruel, París, Foto cortesía de Galerie Durand-Ruel, París / akg-images) El retrato de Renoir de Madame Josse Bernheim-Jeune y su hijo (1910) complació a Renoir pero no a ella. (Museo de Orsay, París / Giraudon / Bridgeman Art Library International) Gabrielle con una rosa, 1911, Renoir. (Musée d'Orsay, París, Foto © 2009 Musée d'Orsay, París, por Hervé Lewandowski) El concierto, 1918-1919, Renoir. (Colección, Galería de Arte de Ontario, Toronto, Obsequio de Reuben Wells Leonard Estate, Foto © 2009 Art Gallery of Ontario, Toronto / The Bridgeman Art Library) "No moriré antes de dar lo mejor de mí", dijo Renoir mientras pintaba The Bathers (1918-1919). Fue su último gran trabajo. (Museo de Orsay, París / Bridgeman Art Library International)
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