Cien años después, el tenso realismo de Edgar Degas todavía cautiva

En el espacio sin adornos de un estudio de danza de techo alto se reúnen un grupo de jóvenes bailarinas en formación. Vestidos con tutus blanco en cascada y fajas coloridas, las chicas están ocupadas de diversas maneras. En primer plano, una bailarina que estira su pierna o juguetea con su vestido mira a un compañero de clase sentado, cuyos pies se extienden desgarbadamente de una manera que parecería natural en el escenario pero que parece extrañamente grotesca en su aparente estado de ocio. Descansando a su lado en el banco de madera oscura hay media docena de zapatos de ballet sin usar.

Detrás de la niña sentada, en el centro de la imagen, la parte trasera de una bailarina se proyecta en el aire mientras se inclina para ajustarse su propio calzado. Más atrás, un par de estudiantes junto a la ventana están practicando la quinta posición de los brazos; por el momento, al menos, no están sincronizados. Junto a la pared trasera, una línea de cuatro chicas se centra en el juego de pies. Desde arriba, dos más descienden a la escena a través de una estrecha escalera, con las piernas como la única parte visible. Es un momento de caos y dinamismo, uno que captura toda la imperfección inevitable de una clase de baile infantil con la intención de producir bailarines perfectos.

Este cuadro, pintado c. 1873, es la creación del artista francés Edgar Degas, quien murió hace 100 años esta semana. Ubicado en la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, "The Dance Class" sirve como un recordatorio sin pretensiones del genio de los parisinos.

"Estas son mujeres reales", dice Kimberley Jones, curadora de la pintura francesa del siglo XIX de la Galería Nacional. “No son solo la bella fantasía del escenario. Degas siempre te recuerda la realidad que se esconde debajo de la apariencia de glamour ”.

Aunque criado en un hogar conservador de clase media alta y extremadamente versado en los estilos idealistas de los Viejos Maestros, un joven Degas pasó horas duplicando a mano obras de arte famosas del Louvre, el francés siempre se sintió atraído por la realidad. "Es realista, ante todo", dice Jones.

La atracción de Degas por el ballet era natural; Su madre, nacida en Estados Unidos, era una apasionada cantante de ópera e infundió en su joven un amor por la ópera antes de su temprana muerte. "En el siglo XIX, el ballet era parte de la ópera", señala Jones. “Cada ópera tenía este tipo de interludio de baile. Y creo que se sintió intrigado al ver a esos bailarines ".

Específicamente, Jones señala la fascinación de Degas con la tensión soportada por el físico de los bailarines, los rigores de su entrenamiento y acondicionamiento, la lucha por preparar sus cuerpos para el espectáculo. "Él muestra actuaciones [en sus pinturas]", dice Jones, "y son muy hermosas. Pero también le quita gran parte del romance. Él te muestra detrás de escena ”. Degas está mucho menos preocupada por las nociones de feminidad clásica, afirma, que por el atletismo agresivo de los artistas entrenados.

Este tema se traslada al trabajo equino de Degas. Un habitual en las pistas de carreras, estaba cautivado por los cuerpos musculosos de los caballos de carreras de pura sangre, listos para entrar en acción en cualquier momento. "Ver cómo esos potros desgarbados se convertirían en estos atletas increíbles y estas criaturas de velocidad y elegancia" nunca dejaron de impresionar, dice Jones.

Repudiado desde el principio por los árbitros de arte del famoso salón de Francia, Degas decidió reunirse con los miembros de la incipiente escuela impresionista, compañeros de tradición que necesitaban contactos y espacio de exhibición. Sin embargo, incluso entre los impresionistas, Degas pronto se encontró un caso atípico controvertido.

"Hay una cierta ironía en que siempre pensamos en él como un impresionista", señala Jones. “Odiaba ese término. Fue muy expresivo al respecto ”. Degas, que se esforzaba por prestar atención a los detalles realistas y que pasaba incontables horas revisando y volviendo a revisar cada uno de sus lienzos, no apreciaba la inactividad sin esfuerzo que implica el término“ Impresionismo ”. el arte no era "algo espontáneo, descuidado, unido", dice Jones. “Era muy meticuloso, atento. Y la gran cita que dijo es: "Ningún arte es menos espontáneo que el mío".

Ya una oveja negra a los ojos de algunos impresionistas en el momento de su show inaugural en 1874, Degas solo provocó más controversia en los años siguientes. Ferviente en su deseo de atraer talentos de gran alcance al redil, Degas reclutó a una serie de extraños cuyo trabajo admiraba, independientemente de si se apegaba o no al ideal impresionista. El abrazo de Degas a sus compañeros realistas como Jean-Louis Forain y Jean-Francois Raffaelli levantó las cejas entre la camarilla impresionista: muchos temían que la identidad artística del movimiento se diluyera más allá del reconocimiento.

La estadounidense Mary Cassatt fue una invitada que Jones dice que en realidad era "una muy buena opción para el grupo en general". Degas se encontró por primera vez con Cassatt en su estudio en Monmartre, y descubrió que lo llevaron instantáneamente con su trabajo. "La primera vez que vio su arte", dice Jones, comentó que "hay alguien que siente lo mismo que yo". Este encuentro inicial, en 1877, provocó una amistad de décadas. Fue Degas quien introdujo a Cassatt (así como a otros impresionistas como Camille Pissarro) en el arte del grabado, que ella pasaría a dominar de una manera que él nunca hizo.

Degas también fue responsable de llevar la pintura de Paul Gaugin a la atención del mundo del arte. "No pensarías en esos dos juntos", dice Jones, "sin embargo, Degas reconoció que Gaugin tenía este tremendo talento, lo trajo y lo apoyó". Ella cita como evidencia de sus alusiones alusivas de Gaugin al trabajo de Degas en sus propias escenas En "Naturaleza muerta con peonías" de Gaugin, por ejemplo, una composición en colores pastel de Degas aparece visiblemente en el fondo.

Si bien la personalidad de Degas podría ser abrasiva y confrontativa, particularmente en sus últimos años, ya que su vista se debilitaba, no se puede negar que poseía una habilidad especial para reunir a individuos notables, y un compromiso inquebrantable tanto con la creación como con la celebración de la originalidad., obras de arte innovadoras en múltiples medios.

Debido a su obsesión con el continuo refinamiento de su propio trabajo, Degas fue reacio a separarse de él durante su vida. "Vendió lo que necesitaba", dice Jones, y "no exhibió mucho". Degas no se disparó a la fama internacional hasta después de su muerte, cuando los lienzos, esculturas y otras creaciones que cubrían su estudio finalmente se hicieron accesibles para coleccionistas

La obsesión de Degas con la búsqueda de un producto perfecto siempre evasivo fue trágica, dice Jones, pero también integral en su arte. En las representaciones de caballos de Degas merodeando por el césped y las bailarinas ensayando para su momento en el centro de atención, Jones discierne una fijación sobre el potencial : lo que podría ser, lo que está a punto de suceder. Jones dice que, al igual que sus súbditos, Degas se imaginaba constantemente en el limbo, siempre un poco tímido ante la grandeza, siempre a un momento de lo milagroso. "Creo que siempre estaba mirando su arte y pensando: 'Podría hacerlo mejor'", dice ella.

Torturado en la vida por su insaciable ambición, en la muerte Degas se convirtió en un héroe para artistas de todo el mundo. Uno de sus admiradores más importantes fue Pablo Picasso, quien quedó asombrado por los monotipos de vanguardia y otros materiales presentados en la venta de estudios postmortem Degas, y que posteriormente se convirtió en un ávido coleccionista de la obra de Degas.

"Si pudiera elegir un artista que sea el verdadero heredero de Degas", dice Jones, "sería Picasso". En su opinión, aunque estilísticamente divergente, los dos innovadores están vinculados por el grado en que vivieron y respiraron su arte. . Para ellos, Jones dice: “Todo se trata de crear. Cada material es una oportunidad para producir algo nuevo, desafiar los límites, probarse a sí mismos también. Y para crear algo extraordinario ".

A lo largo del siglo XX, la visión singular de Degas llegó a atormentar la imaginación de artistas de todo el mundo. "Se convierte en una de esas figuras como Paul Cezanne y Van Gogh, que está allí ", dice Jones, "y es una piedra angular". Es fundamental para tantos artistas que ni siquiera lo piensan. Está en su cerebro posterior e influye en ellos ".

Hoy, al recorrer los pasillos del centenario museo del Prado en Madrid, España, Jones encuentra su perspectiva inevitablemente coloreada por el enigmático trabajo del francés. Al contemplar uno de los deslumbrantes desnudos neoclásicos de Alexandre Cabanel, no puede evitar sentir que algo crucial es querer.

“Todo es simulación”, dice ella, “todo está cuidadosamente orquestado, no es real. Y se siente falso, de una manera que no habría sido posible sin Degas como punto de referencia ".

Degas, dice, nunca se contentó con crear una escena simple y agradable y seguir adelante. Él "quería asegurarse de que te desafiaran", tal como lo fue durante el proceso de composición. Jones ha estado desconcertando al artista durante décadas, pero todavía siente que solo ha "arañado la superficie".

Los artistas de su calibre "no revelan sus secretos", dice ella. “Cuanto más tiempo paso mirándolo, menos creo que realmente lo conozca. Y eso es emocionante ".