Cuando las personas dicen que alguien realmente "vive" su arte, pueden significar que ella toma su trabajo muy en serio. Pero durante casi tres meses, la vida de Linn Meyers realmente consistió en su arte: apenas hizo otra cosa. Pasaba hasta 11 horas al día en el segundo piso circular del Museo Smithsonian's Hirshhorn, dibujando en las paredes. Lo que puede parecer un juego de niños, pero definitivamente no lo es.
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Meyers utilizó una combinación de la máxima precisión y la posibilidad completa de crear Our View From Here, un dibujo de gran tamaño que cautiva a sus espectadores. Su trabajo, que ocupa 400 pies lineales de espacio en la pared del museo, se exhibirá hasta el 14 de mayo de 2017, y es parte de un esfuerzo reciente para utilizar nuevos espacios dentro del Hirshhorn.
El museo estuvo abierto durante una buena parte del tiempo que ella estaba trabajando en la pieza, y los visitantes fascinados quedaron boquiabiertos al aplicar su herramienta elegida, una especie de marcador grueso favorecido por los artistas de graffiti, a las paredes, que estaban pintadas en dos colores neutros. tonos Aunque se adhiere a un solo color, el efecto es cualquier cosa menos monótono. Las líneas sinuosas forman ondas y patrones que se despliegan junto con las paredes del museo, casi pareciendo moverse. Como dice el curador de la exposición, Stéphane Aquin, “Ella simplemente baila junto con el edificio. Su arte combina maravillosamente con la arquitectura. Ella revela el movimiento inherente al edificio ”.
Meyers, una artista con sede en Washington, DC, crea obras de arte individuales en su estudio e instalaciones específicas del sitio, como la del Hirshhorn (otras instalaciones se han visto en el Museo Hammer en Los Ángeles y la Colección Phillips en Washington, CORRIENTE CONTINUA). Meyers explica que cuando crea una pieza en un entorno particular, naturalmente tiene que prestar atención al edificio, al espacio que albergará su trabajo: "Una de las primeras preguntas que me hago es: '¿Qué tan bien puedo abordar el ¿peculiaridades de la arquitectura? "
El principal "capricho" en el Hirshhorn en forma de rosquilla es que los visitantes del museo, los espectadores de la instalación de Meyers, seguirán la pasarela interior circular. "El espacio exigía que creara una pieza que envolviera el espacio, alrededor de ese camino que los visitantes toman por el museo", explica.
Meyers utilizó una combinación de la máxima precisión y la posibilidad completa de crear Nuestra vista desde aquí . (Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas) “Y luego hay pausas en todo el espacio: puertas, entradas a galerías. En el espacio o la arquitectura preexistentes, siempre hay algo que se convierte en un desafío. No lo digo de manera negativa. Un desafío puede provocar un nuevo enfoque sobre la forma en que evolucionaría una pieza. Entonces, en este caso, es la forma en que el círculo de la galería se divide en ocho partes. Y esas aperturas no siempre están abiertas. A veces, el espacio se modifica para una exposición y parte del espacio está cerrado. Mi pieza se superpondrá con tres espectáculos diferentes, y el espacio cambiará para cada espectáculo. Tenía que pensar en eso. Eso es nuevo. Nunca antes había tenido un espacio de galería dinámico ".
El primer paso de Meyers fue crear dibujos preparatorios, hechos a una escala de un cuarto de pulgada. Luego, los empleados de Hirshhorn utilizaron el software CAD (diseño asistido por computadora) para trazar un marco, los círculos de los dibujos de Meyers, directamente en las paredes del museo. Luego, Meyers se puso a trabajar con su bolígrafo de graffiti Molotow, dejando que su mano vaya donde debería. Aquí es donde entran el azar y la coincidencia.
"Todo el movimiento que ves en esos dibujos es solo el resultado del proceso", explica. “Simplemente evoluciona, las líneas no están planificadas. Pero las composiciones están planificadas. Esa es una jugada entre lo previsto y lo no intencionado. La geometría se traza de antemano en mi trabajo preparatorio. Cuando comenzaba una sección, trazaba un círculo. Ese es el plan, el pretendido. Después de ese punto, cada línea responde a la línea anterior, una especie de entropía, más allá de mi control. Entonces: tanto intencionado como no intencionado. ¡Una bonita metáfora de la vida!
Meyers usó un marcador grueso, favorecido por los grafiteros, para cubrir las paredes en dos tonos neutros. (Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas) El color elegido por Meyers para este proyecto fue un azul grisáceo llamado gris de Payne. Debido a que la artista diluyó el color en diferentes grados, pudo lograr diferentes densidades de color a lo largo del trabajo.
A medida que los espectadores caminan alrededor de la rotonda, pueden ver que la línea del marcador a veces es tan débil que es solo un susurro, mientras que otras veces se vuelve una mancha y, en otros lugares, hay un efecto moteado. En ciertas partes de la instalación, hay una gran cantidad de espacio en la pared que se ha dejado sin dibujar, sin embargo, otras secciones están llenas de líneas onduladas y abarrotadas.
Meyers se dio cuenta de que las primeras secciones que hizo fueron el resultado de toda la energía que había acumulado mientras pensaba y planificaba el proyecto: “Las primeras paredes que hice son diferentes a las últimas paredes. Al principio tenía muchas ganas de irme: todos esos meses de preparación y anticipación. La marca es más agresiva. ¡Como que ataqué las paredes! ”Pero al final, cuando permitió que más paredes permanecieran vacías, se dio cuenta de“ una especie de ligereza ”.
"Su arte combina maravillosamente con la arquitectura", dice el curador Stéphane Aquin. (Museo Hirshhorn y Jardín de Esculturas) Debido a las dimensiones circulares de la rotonda, los espectadores no pueden ver toda la pieza a la vez. Simplemente no es posible. Y eso afecta cómo perciben el trabajo. Fue lo mismo para Meyers. “Tuve esta visión de cómo se vería todo, pero no es como en el estudio donde mi ojo puede pasar de una pieza a otra. En el estudio, hago obras de arte discretas y puedes pararte frente a ellas. Con esto, físicamente no puedes. Pude ver la sección que había terminado, por ejemplo, pero no la sección en la que estaba trabajando. No se puede ver ni una cuarta parte a la vez, de pie en un solo lugar ".
Tal empresa gigantesca requería concentración de mamut. Meyers, que generalmente va a su estudio todos los días y trabaja en varias piezas a la vez, tampoco lo hizo.
"Fue el tiempo más largo que estuve fuera de mi estudio", dice ella. “No hice nada más. Estuvo bien. Esa forma frenética en la que existimos en el tiempo, desde las redes sociales hasta levantarnos y comprar alimentos para estar en el teléfono, es la forma en que vivimos. Pero con esto, enfocarse en una cosa: fue algo maravilloso ver el progreso todos los días. Durante horas, realmente no levanté la cabeza ”. Mientras trabajaba en el museo en su estado hiperconcentrado, el personal del museo o el curador Stéphane Aquin se acercaban a ella, intentaban hablar con ella, y ella ni siquiera los notaba. “Simplemente estaría tan concentrado. Tuve que ponerme las anteojeras. Eso es algo que simplemente no podemos hacer ".
Quizás debido a que la fotografía de Meyer se exhibe en la recepción del museo o quizás debido a la autoridad silenciosa que emana cuando camina por la instalación terminada, los espectadores sienten que ella es la artista. Quieren hablar, felicitarla, hacerle preguntas, incluso posar para fotos telefónicas. Meyers intenta explicar su nueva mini celebridad. “Hay un elemento de misterio en lo que sucede en el estudio, de donde proviene el trabajo. No es que pueda destilar todos esos elementos para las personas, pero pueden ver lo simple que es: solo yo dibujando una línea y luego dibujando otra línea ".
"Linn Meyers: Our View From Here" estará en exhibición en el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas hasta el 14 de mayo de 2017 en Washington, DC Linn Meyers dará una charla sobre su trabajo como parte de la serie Hirshhorn's Meet the Artist el miércoles, mayo 25, a las 6:30 en el auditorio del museo. Es gratis y abierto al público.
ACTUALIZACIÓN 25/05/2016: Una versión anterior de esta historia indicó que fue el artista quien trabajó con un programa CAD. Ella no. Los empleados del museo utilizaron este proceso. Lamentamos el error.
