Con 11 pies de altura, se encuentra, en realidad, torres, sobre el espectador. Una explosión de color brota de un marco piramidal colgado con cestas rojas, verdes, azules y naranjas hechas de alfileres de seguridad con cuentas. Debajo de ellos hay un maniquí sin rostro cubierto de pies a cabeza con un traje negro y fucsia.
En la parte superior, la pieza de resistencia: un conejito de papel maché, acentuado en algodón de azúcar rosa, con ojos de dibujos animados y una sonrisa vaga y un poco inquietante. El conejito sostiene un huevo, inscrito con el mensaje "Felices Pascuas".
Aquellos que estén familiarizados con el trabajo del artista Nick Cave reconocerán rápidamente este trabajo de 2009 como uno de sus "trajes de sonido" característicos, y ahí radica una saga de esculturas portátiles de esculturas portátiles hechas con objetos encontrados.
La pieza, actualmente a la vista en el museo Hirshhorn, es una de las favoritas entre los visitantes. "Es divertido, tiene un poco de humor, es exagerado y es algo con lo que la gente se puede identificar", dice la curadora Evelyn Hankins. “Pero creo que lo que es tan interesante sobre el trabajo de Cave es que estos trajes de sonido están destinados a ser usados. Son performativos ".
Cave, un nativo de Missouri que ahora es el presidente del departamento de moda en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, estudió bellas artes y danza cuando era joven. Recibió su MFA de la Academia de Arte Cranbrook en Michigan en 1989, pero también pasó un tiempo en Nueva York, estudiando con el Alvin Ailey American Dance Theatre.
A raíz de la golpiza de Rodney King en 1991, Cave se encontró en el parque un día, "sintiéndose descartado y despedido" como un hombre afroamericano. Se inclinó y levantó una rama del suelo, y luego otra, sujetándolas juntas en lo que él describió como un esfuerzo por proteger su propia identidad del mundo exterior.
No fue hasta que una forma comenzó a tomar forma que se le ocurrió la idea del movimiento. "Estaba construyendo una escultura, en realidad", dice. “Y luego me di cuenta de que podía usarlo, y que a través del uso y el movimiento, había sonido. Entonces eso me llevó a pensar en [cómo] para ser escuchado había que hablar más alto, por lo que el papel de la protesta entró en juego. Así es como evolucionó Soundsuits ”.
Desde entonces, Cave ha producido más de 500 trajes de sonido ampliamente aclamados en una vertiginosa variedad de materiales y siluetas. Las obras han dado lugar a varias actuaciones públicas, incluida Heard Ÿ NY de 2013 en Grand Central Terminal.
Los trajes de sonido han evolucionado a lo largo de las décadas, pero sus principios fundamentales permanecen sin cambios. Todos están construidos a partir de objetos encontrados o descartados; ocultan todos los indicadores de raza, género o clase; y están destinados a usarse en el desempeño, o al menos para sugerir la idea del desempeño, como es el caso de la pieza en el Hirshhorn.
Los artistas han utilizado materiales encontrados en su trabajo desde principios del siglo XX, cuando Pablo Picasso, Georges Braque y otros comenzaron a incorporar recortes de periódicos y otros objetos cotidianos en su escultura, collage y ensamblaje. Cave continúa en esta línea, más recientemente favoreciendo los artículos artesanales antiguos, que obtiene de los mercados de antigüedades de todo el país e internacionalmente.
"No son materiales artísticos tradicionales, son materiales decididamente artesanales", dice Hankins. "Por lo general, no se encuentran grandes conejitos de Pascua en las galerías de arte".
Como resultado, fue el conejito de Pascua, no un boceto o plano, el que sirvió como instigador de esta pieza en particular. "Me encantó este tipo de referencia a un período particular en mi crianza cuando era niño y con mis siete hermanos y estar vestido en Pascua y tener estas increíbles y escandalosas cacerías de Pascua en la granja ... Pero sentirme en ese momento como un niño que eras auténtico y encantador y hermoso porque eso es lo que te dijeron ".
El proceso de Cave es muy intuitivo, y dice que una vez que decidió colocar el conejito en la parte superior de la escultura, la pieza realmente comenzó a tomar forma. A medida que avanzaba, adquirió nuevas capas de significado, evocando ideas de primavera y renacimiento, rituales de entierro africanos, ritmo, identidad, arte alto y bajo, color, movimiento y, por supuesto, sonido.
En las manos de Cave, los artículos se valoran tanto por la nostalgia que provocan como por su potencial para ser eliminados de su contexto original. Uno no espera ver ramitas, matracas, figuras de pájaros de porcelana o conejitos de Pascua en un museo, pero cuando se presenta como parte de un traje de sonido, el espectador imagina los materiales balanceándose, tintineando, golpeando o haciendo ruido de manera sorprendente. Estos objetos, que de otro modo serían desechados como "arte bajo", producen una experiencia sensorial completamente nueva.
El traje de sonido de Hirshhorn se exhibe actualmente en "At the Hub of Things", la exposición del 40 aniversario del museo. Hankins dice que ella y la co-curadora Melissa Ho decidieron organizar el espectáculo agrupando artistas de diferentes períodos en torno a temas sueltos. The Soundsuit comparte una galería con obras de Christo, Claes Oldenberg e Isa Genzken. La obra más antigua es la presa de Robert Rauschenberg, una cosechadora de 1959 creada el mismo año en que nació Cave.
"Rauschenberg, por supuesto, era famoso por hablar de querer cerrar la brecha entre el arte y la vida, o trabajar entre los dos", dice Hankins. “Creo que una de las cosas con las que los museos están lidiando en este momento es cómo documentar y capturar el rendimiento, que es, por definición, un evento efímero. Al igual que Rauschenberg colmó la brecha entre el arte y la vida cotidiana, Cave cierra la brecha entre los objetos estáticos y el rendimiento ".
"No se encuentran grandes conejitos de Pascua en las galerías de arte, por lo general", dice uno de los curadores de Hirshhorn. (Nick Cave 2009 Soundsuit, Museo Hirshhorn) El trabajo de Cave podría ser recordado por obligar al mundo del arte a reconsiderar esta división, pero lo que hace que su trabajo sea tan atractivo es que toca tantos temas diferentes. "Puede hablar sobre collage y ensamblaje, puede hablar sobre rendimiento, puede hablar sobre ideas sobre autenticidad y originalidad, y sobre el papel del artista y la originalidad en el arte, y todas estas otras cosas", dice Hankins. “Y creo que esa es una de las razones por las que Cave es tan respetado, es porque el trabajo, especialmente en el caso de nuestra pieza, al principio parece que es algo divertido y cursi, pero de hecho es un compromiso muy serio con estos diversos temas e historia ".
Cave dice que a menudo ha sido testigo de espectadores involucrados en conversaciones animadas sobre su trabajo. Este es precisamente el efecto al que apunta: “Quiero que el espectador pueda ver el trabajo y podamos hablar sobre varias cosas. Pero no se establece dentro de esta única forma de pensar sobre el objeto. Podemos hablar de ello como un objeto decorativo. Podemos hablar de ello como una forma escultórica. Podemos desglosarlo y hablar sobre piezas individuales dentro del conjunto general. Podemos hablar sobre patrones. Podemos hablar de color. Podemos hablar sobre ritmo, sonido. Por lo tanto, realmente se vuelve más universal en su mensaje ".
Más de 20 años después de que Cave recogiera esa primera ramita, el ímpetu emocional para los Soundsuits sigue siendo más relevante que nunca. El artista dice que actualmente está trabajando en una serie sobre Trayvon Martin para un próximo show en Detroit. Él dice que también planea abordar algunos de los casos más recientes de perfil racial en lugares como Ferguson y Nueva York.
"Todos estos incidentes ocurridos durante el año pasado fueron escandalosos", dice Cave. “En este punto, estoy trabajando hacia lo que estoy dejando atrás. Pero creo que este trabajo nunca puede terminar ".
Vea el Soundsuit de Nick Cave, 2009 en la exposición de Hirshhorn "En el centro de las cosas: nuevas vistas de la colección", actualmente en exhibición en el tercer piso del museo. El espectáculo revela una nueva perspectiva de las posesiones de arte moderno y contemporáneo del museo y muestra las recientes renovaciones de la galería. A la vista, definitivamente, la exposición incluye instalaciones a gran escala de Spencer Finch, Robert Gober, Jannis Kounellis, Bruce Nauman y Ernesto Neto, así como pinturas y esculturas de Janine Antoni, Aligheiro e Boetti, Cai Guo-Qiang, Isa Genzken, Alfred Jensen y Brice Marden, entre otros.
