"The Jazz Age" recuerda a los flappers, Gatsby, fiestas épicas y, por supuesto, jazz. Pero si la alta energía definió la era, también lo hizo su tensión: la salvaje vida nocturna se encontró con la Prohibición; un rápido aumento de la innovación estadounidense en conflicto con el anhelo de la tradición europea; La gran prosperidad dio paso a la Gran Depresión. La fricción de todas estas contradicciones dio forma al siglo que siguió, en el diseño popular tal vez más que en cualquier otra área de la vida estadounidense.
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Estas influencias contrastantes y el importante papel que desempeñaron en la década de 1920 son el tema de un nuevo espectáculo expansivo, "The Jazz Age: American Style in the 1920s", la primera exposición importante del museo que mira directamente el estilo estadounidense durante esta era creativa y combustible.
El espectáculo, que se extenderá hasta el 20 de agosto en el Museo de Diseño Smithsonian de Cooper Hewitt en la ciudad de Nueva York y está coorganizado con el Museo de Arte de Cleveland, destaca esta importante era en la que el gusto y el estilo de vida estadounidenses experimentaron una transformación. Reflejado en el mobiliario, las joyas y el diseño de la época, esta era una era en la que se probaban los límites y, en algunos casos, se rompían.
"Es la fuente de tanto que sucede en los años 30 y más allá", dice Sarah Coffin, curadora de Cooper Hewitt y directora de diseño de productos y artes decorativas.
Las más de 400 obras de joyería, moda, arquitectura, muebles, textiles y más pintan una imagen de una era de diseño tremendamente enérgica, envalentonada por colores vivos e innovación. Para navegar por un tema tan grande, el espectáculo está organizado en dos plantas en temas amplios que ayudan a ilustrar las principales tendencias de diseño y tensiones que configuran la era.
"Primero se reúne el universo de objetos, que es mucho más de lo que se puede mostrar", dice Stephen Harrison, curador de arte decorativo y diseño del Museo de Arte de Cleveland, describiendo el proceso de aventamiento que los organizadores del espectáculo enfrentaron por primera vez. “Entonces comienzas a preguntarte: ¿qué preguntas plantean? ¿Qué adyacencias? ¿Qué relaciones se desarrollan? Y a medida que comenzamos a refinar nuestras ideas, refinamos nuestros objetos ".
El primer tema que encuentran los visitantes es quizás el que menos esperan: "Persistencia del buen gusto tradicional".
La era del jazz no se trataba solo de lo nuevo y diferente: era una época en que los estadounidenses adoptaban diseños franceses e ingleses de los siglos XVII y XVIII, buscando antigüedades artesanales para elevar su estatus social.
"Hubo muchas personas en este país que continuaron coleccionando antigüedades, comprando reproducciones y haciendo cosas con el gusto tradicional, durante toda la década", dice Coffin.
A pesar de que el mundo estaba cambiando rápidamente, las obras originales en diseños coloniales estadounidenses, así como las de Francia e Inglaterra de los siglos XVII y XVIII, aún transmitían estatus social. La magistral herrería tradicional de una pantalla de fuego de Samuel Yellin, un cofre con elementos manuscritos persas pintados por Max Kuehne y una secretaria realizada para una reproducción de la casa de John Hancock basada en un modelo del Museo Metropolitano de Arte son ejemplos de obras de época. que los museos, coleccionistas y hogares ricos recolectaban.
Pero los nuevos estilos europeos también estaban impactando los estilos estadounidenses. Eventos como la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de 1925 celebrada en París ayudaron a exponer y educar a los estadounidenses sobre los nuevos diseños que debutaron en el Atlántico. Los museos de todo Estados Unidos (Cooper Hewitt y el Museo de Cleveland, así como el Instituto de Arte de Chicago , el Museo de Newark , el Museo Metropolitano de Arte, el Museo de Brooklyn) exhibieron las obras, adquirieron muchas de las piezas y pusieron algunas disponibles para comprar en el pozo. bien portado.
La era del jazz: estilo americano en la década de 1920
Capturando el pulso dinámico de la música de jazz de la época, esta publicación lujosamente ilustrada explora el gusto y el estilo estadounidense durante la época dorada de la década de 1920. Después de los años destructivos de la Primera Guerra Mundial, esta década floreciente marcó un renacimiento de la innovación estética que fue cultivada en gran medida por el talento y el patrocinio estadounidenses.
Comprar"Todos estos museos estaban estableciendo fondos para la adquisición de artes decorativas europeas modernas durante este período o presentando espectáculos de diseño europeo moderno que luego podrían ser vendidos", dice Emily Orr, curadora asistente de diseño estadounidense moderno y contemporáneo de Cooper Hewitt.
Para aquellos con menos ingresos disponibles, las réplicas pronto se generalizaron y se adquirieron fácilmente, un tema abordado en la sección de la exposición "Un mundo más pequeño". Uno de los grandes vehículos para esta mezcla de influencias fue la tienda por departamentos. Lugares como Lord & Taylor y Macy's comenzaron sus propios talleres donde los artesanos crearon piezas al estilo europeo y las hicieron asequibles para el consumidor promedio.
"Es muy difícil para la gente pensar hoy, pero el presidente del Museo Metropolitano escribió la introducción de un catálogo de una exposición que tuvo lugar en Macy's", dice Coffin. "El museo percibió que su trabajo consistía en transmitir los valores del buen diseño, etc., al público estadounidense y hacer que el consumidor estadounidense fuera consciente de que lo apoyarían, no podía estar solo en un museo".
Esto creó una interacción peculiar entre lo exclusivo y lo convencional, así como entre lo privado y lo público. Coffin señala un llamativo par de puertas dobles del escultor Séraphin Soundbinine y el diseñador Jean Dunand que anclan la exposición.
Solomon Guggenheim encargó las puertas, cada una con un ángel sobre un rascacielos tocando una bocina. Después de visitar la Feria de París de 1925 y ver el trabajo de la laca de Dunand, Guggenheim se convenció de que la sala de música en su casa de Port Washington necesitaba esa pieza.
"No se puede imaginar de ninguna manera que las personas que tenían este tipo de muebles de estilo Baronial en esta casa pudieran tener el gusto de hacer esto", dice Coffin. "Pero aparentemente decidieron que querían hacer esto".
Una vez que se completaron las puertas, los Guggenheim los pusieron a la vista del público en una galería antes de llevarlos a casa. Fue una incursión temprana en la compra y curación de arte que pronto crecería (su primera adquisición de arte moderno sucedería un año después).
Por supuesto, no podemos pensar en la década de 1920 sin considerar la cultura estridente y que empuja los límites. La sección "Doblar las reglas: salir", transmite esa sensación de posibilidad y las normas cambiantes y muestra cómo la música de jazz y el mundo social que lo rodea moldearon el diseño. Los jarrones con bailarines de jazz y un textil llamado Rhapsody, así como clips de películas de Duke Ellington y otros artistas de Cotton Club reverberan con la energía de la época. Joyas que complementan las nuevas modas: collares largos que usarían las aletas, un collar de rubíes tallado de Van Cleef & Arpels, una hebilla de cinturón de 1926 con un motivo de escarabajo (la tumba del Rey Tut fue excavada en 1922, por lo que una apariencia egipcia se apoderó de la moda de la joyería) ), y un par de piezas de Cartier propiedad de Linda Porter, esposa del compositor Cole, así como otros accesorios para el maquillaje y el tabaquismo, reflejan la liberación de espíritu libre de la época y las cambiantes costumbres sociales.
Este estilo de vida despreocupado también fue una especie de importación europea. Una pintura del artista de Nueva Orleans Archibald Motley "lo resume" como lo expresa Coffin: el artista pasó un año en París con una beca Guggenheim, y la escena captura la energía de la época: un club de raza mixta, gente bailando, música jugando, una mujer fumando un cigarrillo y vino que fluye libremente.
La influencia europea vino no solo de una mayor facilidad e interés en viajar, ya que más estadounidenses visitaron y estudiaron en el extranjero, sino también de los efectos en cascada de la Primera Guerra Mundial. Muchos diseñadores habían huido a los Estados Unidos antes y durante la guerra, trayendo sus propias influencias e intereses: emigrantes como Paul T. Frankl, Joseph Urban, Walter von Nessen y Richard Neutra trajeron consigo experiencia en la abstracción europea, así como una admiración por Rascacielos americanos y energía cosmopolita. Tal vez esto se ilustra mejor en el programa de Frankl's Skyscraper Bookcase Desk . La influencia se extendió también a los materiales que usaron estos europeos.
"Los europeos fueron los primeros en doblar el cromo para sus muebles, y fue este signo inmediato de lo nuevo, pero también tiene que ver con la asequibilidad y el deseo de limpieza en comparación con formas victorianas muy detalladas y ornamentadas", dice Orr. "También se usaba en automóviles y radios y simbolizaba el futuro".
La silla cantilever es un ícono importante de esta era. La adaptación de la forma en una variedad de materiales muestra cómo la industrialización dio forma a la era. Originalmente fue diseñado para ser empaquetado en plano y producido en masa, pero fue rehecho en madera y cuero y adoptado por los estudios Walt Disney para sus salas de proyección.
"El diseñador industrial es una figura en este período provocado por tantos fabricantes en todos los medios que desean actualizar sus líneas tradicionales para el consumidor moderno", dice Orr.
Como dice Harrison: "Queríamos definir el gusto mirando esas cosas de aspecto moderno versus aquellas que eran modernas en forma, innovación y tecnología".
"The Jazz Age: American Style in the 1920s" se exhibirá hasta el 20 de agosto en el Cooper Hewitt, Smithsonian Design Museum en la ciudad de Nueva York.
