Escuche atentamente un rumor distante: hace 100 años, el 29 de mayo de 1913, la conmoción del nuevo estalló en un teatro de París cuando los Ballets rusos de Diaghilev interpretaron el Rito de la primavera de Stravinsky. El público adornado y adornado con joyas en el Teatro de los Campos Elíseos estalló con el baile folklórico y la música discordante que los confrontaba. En lugar de la gracia y la tradición de ballets como el Lago de los Cisnes de Tchaikovsky , la coreografía desarticulada de Spring y el escenario pagano ruso lanzaron un coro de abucheos que se convirtieron en peleas: ¿por qué se pisotearon tanto los pies? ¿Dónde estaban los tutus de la tradición? Para sorpresa y consternación de la audiencia, el "Modernismo" acababa de llegar con un gigantesco golpe de platillos.
Serge Diaghilev e Igor Stravinsky intentaron utilizar esta actuación como una proclamación del Modernismo, un espectáculo destinado a romper los límites tradicionales del arte, la música y la danza para presentar algo totalmente nuevo e innovador. La idea de la danza como espectáculo es algo que me ha intrigado, ya que he organizado una exposición de la Galería de retratos sobre danza en América, que se inaugurará el 4 de octubre. Sin fomentar disturbios, el espectáculo ha jugado un papel decisivo en la danza, desde las Locuras de Ziegfeld hasta las de Beyonce. espectáculos teatrales; El público siempre está cautivado por plumas, lentejuelas y hermosos movimientos. Como los compositores y letristas Kander y Ebb escribieron en la canción del tema "Razzle Dazzle" de Chicago , "Dales un acto con mucho destello / Y la reacción será apasionada".
Igor Stravinsky por Alvin Langdon Coburn. Impresión en gelatina de plata, 1921 (Foto cortesía de la National Portrait Gallery) Me gusta que me deslumbren. Y como un explorador cultural empedernido, siempre estoy al acecho del factor "wow", esa cosa mágica que hace que tus ojos se destaquen. En las artes escénicas, puede ser un momento espectacular en el escenario o la pantalla, el magnífico salto de un bailarín al ozono o una voz emocionante que te deja sin aliento. Estos son momentos cristalinos que marcan tu psique para siempre.
Últimamente, me han sorprendido un par de actuaciones extraordinarias: un concierto de la Orquesta de Filadelfia bajo su nuevo y electrizante director, Yannick Nézet-Séguin, y una presentación de la Gala del Centro Kennedy de My Fair Lady en la que Jonathan Pryce y Laura Michelle Kelly te hicieron Creo que estaban creando los roles del profesor Higgins y Eliza por primera vez.
Pero también me ha deslumbrado una megaexposición que acaba de abrir en la Galería Nacional de Arte: "Diaghilev and the Ballets Russes, 1909-1929: When Art Danced with Music". Baz Luhrmann puede haber usado mucho glamour y ostentoso en su nueva versión tridimensional de The Great Gatsby, pero la Galería ha creado el mundo reluciente de Diaghilev en una suntuosa muestra de lo real: el arte, la música, el baile y el vestuario que expresaron la "búsqueda de lo nuevo" hace un siglo . Como explica la co-curadora de la exposición Sarah Kennel, Diaghilev "nunca quiso descansar en sus laureles. Siempre estaba innovando y rediseñando ".
Michel Fokine por Clara Sipprell. Impresión en gelatina de plata, 1923, legado de Phyllis Fenner (National Portrait Gallery) Una colaboración entre la Galería Nacional de Arte y el Museo Victoria and Albert, la exposición se inauguró en Londres en 2010. La exposición de la Galería es un híbrido de esa muestra, incorporando 80 obras de la colección V&A y agregando alrededor de 50 objetos nuevos. "Diaghilev" muestra las asombrosas asociaciones artísticas forjadas por el empresario ruso, y destaca a compositores como Stravinsky, Prokofiev y Satie, y artistas como Bakst, Picasso y Matisse. Dos grandes coreógrafos de Diaghilev: Michel Fokine, que trabajó con él en los primeros años, y George Balanchine, que trabajó con los Ballets Rusos al final de la vida de Diaghilev, emigraría a los Estados Unidos; Fokine estableció una escuela de ballet en Nueva York, y Balanchine tendría un impacto icónico en la danza estadounidense, tanto en Broadway como en el ballet.
Traje de Pablo Picasso para el Conjuror Chino de Parade, c. 1917 (© Victoria and Albert Museum, Londres) Organizadas cronológicamente, las cinco secciones principales de la exposición cuentan la historia de la carrera de Diaghilev: "Las primeras estaciones", "Vaslav Nijinsky: bailarín y coreógrafo", "La vanguardia rusa", "La vanguardia internacional" y "Modernismo". Neoclasicismo y surrealismo ”. También hay un componente audiovisual fascinante que incluye imágenes raras de los Ballets Russes y Nijinsky, Rudolf Nureyev actuando en Afternoon of a Faun y Mikhail Baryshnikov bailando El hijo pródigo.
Hace treinta años, esta fabulosa exposición se habría llamado un "éxito de taquilla". En el lenguaje contemporáneo del museo, esa palabra está en desuso: los éxitos de taquilla cayeron en la mira de la crítica crítica en algún momento, y el mundo de los museos de hoy a menudo favorece una dependencia reduccionista en paredes grises y alfombras grises en lugar de enfoques más extravagantes. Como alguien que comenzó en la era de los éxitos de taquilla, la falta de deslumbramiento de hoy es un comentario inquietante sobre cuán lejos se han distanciado los museos de la sed de inspiración del público.
Disfraz de Henri Matisse para un doliente de La canción del ruiseñor, fieltro de lana y terciopelo de 1920 en general (V&A, Londres) Pero la exposición de Diaghilev me hizo sonreír en el momento en que entré en su abrazo: desde el disfraz de Boris Godunov con cuentas que usó Chaliapin en 1908 hasta el telón gigante de The Blue Train (1924) , el espectáculo de Diaghilev es un recordatorio de lo que pueden ser las exposiciones.
Mark Leithauser es el jefe de diseño y curador principal de la Galería Nacional de Arte, y aquí, ha creado un enorme mundo de asombro. Responsable del diseño de muchos de los espectáculos emblemáticos de ese museo, me habló de cómo la noción de "éxito de taquilla" en realidad no se trata de tamaño: se trata de un fenómeno. El primer éxito de taquilla, "King Tut", tenía solo 52 objetos. Cuando se abrió en la Galería en 1976, la gente hizo cola durante horas. El director J. Carter Brown dijo que el espectáculo era popular debido a la "calidad visual pura" y la "edad impresionante" de los objetos, junto con la sensación de estar en una búsqueda del tesoro. Por otro lado, "Treasure Houses of Britain" en 1985 tenía más de mil objetos y ayudó a conectar la "grandeza" con la idea popular de éxito de taquilla.
Leithauser cree firmemente que una exposición debe basarse en la narración de cuentos. En "Treasure Houses", la historia fue sobre 500 años de coleccionismo en Gran Bretaña, pero también fue sobre 500 años de transformación arquitectónica en la casa de campo británica, una transformación evocada en las escenas arquitectónicas y el entorno creado en la exposición.
Serge Diaghilev (© Victoria and Albert Museum, Londres) Para el espectáculo de Diaghilev, Leithauser dijo que el diseño tenía que ser tan teatral como la historia: la instalación debía crear una experiencia teatral que abarcara el mundo de Diaghilev. La verdad, según Leithauser, es que las exposiciones "deben ser lo que son".
La capacidad del diseñador para preparar el escenario de manera tan brillante permite a los visitantes comprender las colaboraciones artísticas de Diaghilev, tanto intelectual como visceralmente. Leithauser es un showman que aprecia el espectáculo: ¡aprobado para deslumbrar!
