Por una vez, la exageración es precisa: el artista es un blanco y negro honesto y bondadoso, silencioso, presentado en la antigua relación de aspecto de la Academia en lugar de en pantalla panorámica. Si nunca has visto una película muda, este es un excelente lugar para comenzar. Si eres un aficionado, The Artist es un tesoro de referencias cinematográficas, chistes, pastiches y referencias a cineastas famosos y oscuros. Y si los Weinsteins aplican el mismo martillo de medios que usaron con Shakespeare in Love, esta tiene una buena oportunidad de ser el primer silencioso en ganar un Oscar desde Tabu hace 80 años.
Hoy los llamamos películas mudas, pero casi siempre iban acompañadas de alguna forma de música y efectos de sonido. Thomas Edison originalmente pensó en las imágenes en movimiento como un complemento de su fonógrafo, y su personal experimentó con el sonido sincronizado ya en 1895; puede ver los resultados en el sitio de la Memoria Estadounidense de la Biblioteca del Congreso.
El lenguaje o la gramática de la película que evolucionó a partir de esos días todavía se usa hoy en día: primeros planos, cortes transversales, pistas y panorámicas, todos serían familiares para los primeros directores. Pero ver una película muda es diferente a ver una película sonora. Por un lado, debe concentrarse más: tiene muy poco margen de maniobra, no hay oportunidades para apartar la vista de la pantalla. Tienes que prestar atención todo el tiempo. Los personajes se dan a conocer a través de la acción, no a través del diálogo, por lo que los directores silenciosos siempre estaban buscando negocios o incluso disfraces que identificaran rápidamente los tipos de personalidad. Los actores tendían a ser más expresivos físicamente, con sus manos y cuerpos, pero también con sus sonrisas y muecas.
Dujardin con Missi Pyle como Constance.
Algunos ven a los silencios como una forma más primitiva de locutorios, pero los mejores cineastas lograron una conexión con los espectadores que trascendieron las limitaciones del medio. Directores como FW Murnau, Buster Keaton, Carl Dreyer, Jean Renoir hicieron del silencio una parte de su arsenal. A menudo, sus personajes no podían hablar, ya sea por la situación en la que se encontraban o por su reticencia natural. Cuando los recién casados se embarcan en su luna de miel en The Crowd, del rey Vidor, sus sentimientos son inconfundibles, a pesar de la ausencia de diálogo. The Last Laugh de Murnau se desarrolla sin intertítulos para el diálogo.
Casi todos los grandes directores de la década de 1930 se entrenaron en silencio, y si hay una característica distintiva que une a artistas tan dispares como John Ford y Alfred Hitchcock, es su capacidad de contar una historia en términos puramente visuales. Lo que se dice en películas como The Searchers o Psycho es importante, pero no tienes que escuchar nada para entender la historia.
La música fue un componente crucial en las primeras películas mudas: podía colorear las emociones de una escena, mejorar el ritmo, ayudar a identificar a los personajes y sus motivos. A medida que la industria maduró, las películas de prestigio recibieron puntajes elaborados que fueron entregados por orquestas completas en teatros de estreno. Incluso las películas más modestas tenían hojas de referencia que recomendaban canciones o temas musicales para escenas.
La transición de los silenciosos al cine sonoro a fines de la década de 1920 fue breve y dolorosa. Se destruyeron carreras, se abandonaron técnicas, se perdieron sutilezas. Hollywood tardó años en recuperar su posición artística. Los silencios continuaron hasta bien entrados los años treinta, generalmente debido a consideraciones económicas. Además de las acrobacias ocasionales como la película muda de Mel Brooks, los cineastas "talkie" tienden a asimilar estrategias silenciosas en entornos de sonido. El final de Topkapi de Jules Dassin es casi completamente silencioso, por ejemplo. También lo es la apertura de WALL-E de Pixar, y un magnífico montaje que detalla la vida de una pareja casada en Up .
En The Artist, el director Michel Hazanavicius toma prestado generosamente de varias películas mudas y cineastas, pero también cita clásicos del cine como Singin 'in the Rain, A Star Is Born, Citizen Kane y The Thin Man . En cierto sentido, estas referencias son atajos, formas de establecer el estado de ánimo y la atmósfera para los espectadores, para sostenerlos a mano con historias y personajes familiares y populares mientras se adaptan a mirar una película sin diálogo. Al colocar momentos conocidos de películas sonoras clásicas en escenarios silenciosos, Hazanavicius señala cuán estrechamente se relaciona el presente con el pasado. El famoso montaje en la mesa del desayuno en Citizen Kane, por ejemplo, donde el matrimonio de Kane se desmorona por una serie de miradas y cambios en los titulares de los periódicos, es una secuencia silenciosa que Hazanavicius puede reelaborar sin esfuerzo en The Artist .
El director adoptó un enfoque similar en OSS 117: Cairo, Nest of Spies, una parodia de James Bond que presentaba a Jean Dujardin y Bérénice Bejo, protagonistas de The Artist . Entretenido pero no conmovedor, OSS 117 y su secuela Lost in Rio fueron cariñosos y respetuosos. Si te gustan las películas de espías, podrías apreciar los chistes más que alguien que nunca ha visto uno.
Un pensativo Dujardin proyecta un futuro sin películas mudas.
Del mismo modo, si has visto películas de Douglas Fairbanks, estás en una mejor posición para juzgar cuán elegante y victorioso lo imita Dujardin. Si no conoces a Fairbanks, aún conoces su tipo, y Hazanavicius te da otra "entrada" a la historia al recordarte a Gene Kelly en Singin 'in the Rain .
Una vez que superas los aspectos acrobáticos de The Artist, te quedas con una historia que a menudo no tiene sentido narrativo, que se vuelve taciturno y maudlin durante gran parte de su segunda mitad, que ahoga al personaje de Bejo y que carece de la cinética. acción que marcó las mejores comedias mudas. El Artista es sólidamente de mediana edad, entretenido, sí; bien hecho, ciertamente; pero no el mismo de las películas que imita. Por otro lado, no es una "obra maestra" rígida, no es una epopeya interminable y portentosa sobre la difícil situación de la humanidad. Es accesible, divertido, poco exigente, como muchas películas de la era del cine mudo. ¿Por qué no descubrir cuán agradables pueden ser películas como My Best Girl with Mary Pickford, o The Mark of Zorro with Fairbanks, o cualquiera de los cortos y películas de los grandes comediantes como Keaton, Charlie Chaplin y Harold Lloyd?
A pesar de las esperanzas de los cinéfilos, no creo que The Artist inspire una serie de características silenciosas. Pero si convence al menos a algunos espectadores de que los silencios no son nada de lo que temer, y posiblemente incluso algo para disfrutar, habrá valido la pena el esfuerzo.
