Cuando llamó la atención por primera vez del fotógrafo de origen chileno Camilo José Vergara en 1978, fue uno de los últimos vestigios del antiguo Harlem: el Purple Manor Jazz Club, con distintivos cristales ondulados y pintado en consecuencia.
Pero en las casi cuatro décadas que siguió fotografiando el escaparate de 65 East 125th Street en Harlem, a veces un par de veces al año, Vergara vio cómo se transformaba en más de una docena de encarnaciones diferentes, un microcosmos de los rápidos cambios del vecindario.
Como se ve dramáticamente en más de 21 impresiones en el nuevo espectáculo "Down These Mean Streets: Community and Place in Urban Photography" en el Smithsonian American Art Museum, el establecimiento se dividió en dos escaparates en 1980, solo uno de los cuales todavía tenía el Ventanas distintivas. El otro se había convertido en una tienda de pescado y papas fritas.
Pronto eso desapareció, reemplazado por una tienda de variedades de descuento en 1981, las ventanas onduladas a la derecha desaparecieron por completo. Antes del final de esa década, el escaparate de la izquierda era una oficina, luego una tienda de gabinetes de cocina, mientras que el lado derecho se convirtió en una tienda de humo las 24 horas que logró mantenerse durante casi una década.
Durante ese tiempo, el lado izquierdo era una boutique unisex con cicatrices de graffiti convertida en parada de belleza, luego una tienda de ropa que jugó el año en curso (2001). Luego subieron los andamios y fue otra sala de exposición genérica de colchones urbanos. No duró; se transformó en las imágenes más recientes de la serie en exhibición en una tienda de Universal Church.
"A medida que revisamos las fotografías", dice E. Carmen Ramos, curadora de arte latino en el museo, "vemos la lenta erosión de la historia y el ingenio de los residentes y dueños de negocios mientras tratan con recursos limitados durante el período de la crisis urbana ".
La "crisis urbana", un momento en que la industria manufacturera en las ciudades de EE. UU. Se derrumbó, los blancos se mudaron y la pobreza proliferó para los que se quedaron atrás desde la década de 1960, se vislumbra en la exposición de diez fotógrafos, que documentaron a su manera la transformación de las ciudades estadounidenses en la última mitad del siglo 20.
Otra serie de la exhibición, Public Transit Areas, de Anthony Hernández, señala el efecto en el otro lado del país en Long Beach, California, donde los que quedan fuera del floreciente automóvil y la cultura de la autopista se ven en ocho diferentes 16 por 20- pulgadas de impresiones en blanco y negro, esperando aparentemente para siempre en las paradas de autobús junto a amplias calles urbanas en gran parte vacías En qué coches hay velocidad en un borrón.
"Comienzas a ver cuántas veces las personas que esperan el autobús tienden a ser personas mayores, o afroamericanos o latinos", dice Ramos. "Una cosa que nunca se ve en esta serie son los autobuses".
Sin embargo, aunque algunos ven paisajes urbanos sombríos, algunos de los artistas imaginaron lo que podrían ser.
Ruben Ochoa crea una gran impresión lenticular que parece cambiar a medida que uno camina hacia ella, eliminando parte de la pared de la Interestatal 10 que serpentea por el este de Los Ángeles y revelando parte de la exuberante vegetación que eliminó.
El artista nacido en Newark, New Jersey, Manuel Acevedo, que dibuja los huesos de las posibles estructuras que surgen de lotes vacíos, ofrece posibilidades similares para sitios urbanos olvidados.
"Lo que quería hacer era crear estas propuestas simuladas para estas intervenciones", dice Acevedo. Los dibuja en su impresión original, los fotografía de nuevo y los vuela a un tamaño algo heroico como la impresión de 40 por 60 pulgadas de un rincón prohibitivo en Newark.
Dos de sus propuestas para un lote vacío en Harford sugieren un edificio o estadio; otro se parece más a una valla que separa las relucientes agujas del centro de sus extensiones menos afortunadas.
Algunos esperarían ver los paisajes urbanos sombríos del sur del Bronx en tal espectáculo, y algunos están allí, pero los trabajos de Oscar R. Castillo muestran algunas organizaciones comunitarias vibrantes que sirven a los vecindarios, al igual que las obras de Perla de León. En sus piezas y en muchas de las de los fotógrafos que se concentran en el retrato de los residentes, es la alegría y la alegría de los niños que crean su propio paisaje de juegos con su imaginación.
Como indica el título, extraído de las memorias de 1967 de Piri Thomas Down These Mean Streets, parte de este pavimento puede ser difícil. Pero para los niños, son parques infantiles cotidianos de su propia creación. Por supuesto, juegan frente al chorro de hidrantes de verano de los disparos de Hiram Maristany, pero sus calles están llenas de tizas de rayuela, no símbolos de pandillas. Winston Vargas saca a la luz las audaces personalidades de los jóvenes en las alturas de Washington en Nueva York, así como la celebración de una boda. Frank Espada, en algunas de las primeras impresiones del espectáculo, 1963, hace que los niños sonríen ampliamente.
El pintor John M. Valadez saca a relucir el orgullo, la arrogancia y el sentido de la moda en su serie de los años 70 East Los Angeles Urban Portrait Portfolio, que también se destacan porque son de color en lugar de blanco y negro.
"El Museo de Arte Americano del Smithsonian tiene una de las mayores colecciones de arte latino en un importante museo de arte", dice Ramos. Y casi todas las 97 obras en el programa se toman de su colección, compradas a través del Smithsonian Latino Initiatives Pool administrado por el Smithsonian Latino Center.
El museo también continúa adquiriendo arte latino, y agregará a sus colecciones, por ejemplo, cualquier incorporación futura a la serie 65 East 125th Street de Vergara, que narra los cambios futuros en esa tienda mientras el fotógrafo la vigile. El museo ya tiene 26 imágenes de la serie, la exposición solo puede caber en 21.
Para artistas como Acevedo, la revelación en la exposición se produjo al ver cuántos otros fotógrafos estaban allí al mismo tiempo, haciendo una crónica de sus comunidades, sin saber que otros también lo estaban haciendo.
"Al tener todos estos elementos, se hablan entre sí", dice Acevedo sobre los diferentes enfoques en exhibición. “No conocía a ninguno de estos fotógrafos cuando trabajaban. Los artistas de la década de 1970 trabajaban de manera similar en diferentes barrios, no había referencias reales.
“Creo que esta es la primera vez que puedes venir a un espectáculo y realmente puedes conceptualizarlo. Puedes hablar de esas numerosas décadas, y los lazos e intereses ".
"Down These Mean Streets: Community and Place in Urban Photography" continúa hasta el 6 de agosto en el Smithsonian American Art Museum en Washington, DC
