Q Y A: WILLIAM WILEY | ARTE Y CULTURA | SMITHSONIAN - ARTÍCULOS, ARTE Y CULTURA, ARTE Y ARTISTAS, PREGUNTAS Y RESPUESTAS

Durante 50 años, el artista William T. Wiley ha abordado temas serios con ingenio y un sentido de lo absurdo. Una retrospectiva de su trabajo, titulada "What's It All Mean", se exhibe actualmente en el Museo Smithsonian de Arte Americano

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A pesar del título de la exposición, si miraras hacia atrás en tu carrera, ¿qué significa todo esto?
Que significa todo esto? Significa que ha sido bastante maravilloso, a pesar de lo que pueda pensar cuando estoy en el estudio luchando por una pieza en particular. Es genial venir y ver todo esto, tanto tiempo y tantas imágenes en las que he estado involucrado, o han estado involucradas conmigo, o lo que sea.

¿Dónde empezaste? ¿En qué momento decidiste convertirte en artista?
Al principio, cuando era niño, decidí que iba a ser un artista de algún tipo. Uno de mis primeros héroes fue Fred Harmon, quien dibujó un cómic llamado Red Ryder and the Little Beaver . Tema vaquero. [Harmon] era un ranchero real y, a veces, en la parte posterior del cómic, había fotos de él en el rancho o en su estudio, pero a través de la ventana se podían ver vacas, caballos y vaqueros. Cuando tenía 10 años vendimos la pequeña granja [en Indiana], tenía un par de caballos. Vaqueros, eso fue un impulso temprano, como lo fue dibujar. A los 10, vendimos la granja y mi papá compró un remolque de casa y nos mudamos al oeste. El cambio y todo lo que ocurrió cuando estaba en la escuela secundaria y conocí a James McGrath, un joven maestro, creo que fue su primera tarea de enseñanza, y me abrió el mundo del arte en general.

¿No muchos artistas abren un espectáculo en un museo importante con un juego de pinball?
Sí, probablemente nadie. En realidad, el hombre cuya máquina es y cuyas máquinas donó para el proyecto porque no era solo una; Hicimos varios de ellos, básicamente todos iguales. Era un coleccionista de máquinas de pinball. Richard Lang, de Electric Works Gallery, dijo una vez (estaba mirando todas las máquinas de pinball) "¿Cómo sería tener un artista diseñando una máquina de pinball?" Oh, esa es una idea interesante.

Entonces Richard y yo somos vecinos; Vivimos en San Geronimo. Se acercó a mí y me dijo: "¿Cómo te gustaría diseñar una máquina de pinball?" Le dije: "Claro. ¿Por qué no?" Y entonces ahí es donde comenzó. Este era un tipo particular llamado North Star. Así que lo volvimos a lo esencial, y comencé a pensar en cosas para ponerlo. Yo mismo no era un jugador pesado de pinball cuando era niño. Estaban en todos los cafés, y yo iba a un café y mis padres, todavía comiendo, decían: "Bueno, ve a jugar a la máquina de pinball", y me dan un cuarto o un centavo o algo así. Y entonces jugué un par de veces, pero no esperaba que de alguna manera una máquina de pinball entrara en mi vida, y la diseñaría.

Cuando esto ocurrió, fue solo una gran oportunidad. Por qué no? Dale una oportunidad y mira lo que pasa. Lo que sí me hizo consciente fue el vasto mundo de personas involucradas en máquinas de pinball. Y aquí están. Es como un culto. Hay personas que los coleccionan. Hay un hombre en Oakland que tiene cien máquinas en un almacén, y nunca he estado allí, pero aparentemente puedes darle diez dólares y jugar todo el día. De hecho, desde que me involucré en el proyecto, hubo una exposición en el Centro Cívico [Marin] de San Rafael, que diseñó Frank Lloyd Wright, donde fue una exposición de máquinas de pinball. Entras en este gran edificio, y derramó máquinas de pinball de todas las variedades, desde las más antiguas hasta las más recientes. Toneladas de personas jugando allí. Es como descubrir todo este otro grupo que recolecta tapas de botes de basura o algo así. Es solo, Dios mío, no sabía que este mundo existía. Entonces, así es como llegó a mi vida.

Caminando por las galerías, uno puede percibir muchas influencias, Bosch, Bruegel, Duchamp, NC Wyeth ... ¿Cómo estos maestros informan su trabajo?
Para mí como artista en diferentes momentos, estos diversos artistas se han vuelto importantes por una razón u otra. Tenía un amigo Holbrook Teter que trabajaba para los cuáqueros y estaba haciendo mucho trabajo social. Fue al área alrededor de Chernobyl después del accidente y regresó y me trajo sus notas sobre las personas que vivían en esa zona que habían sido fuertemente irradiadas y cuáles eran sus problemas, preocupaciones y preocupaciones. Y fue tan devastador y al mismo tiempo conmovedor. Quería hacer algo al respecto. Quería devolver esa información de alguna manera.

Intenté un par de cosas y nada de lo que hice en términos de tratar de ilustrar algunos ejemplos que dio allí me satisfizo. No sabía qué hacer. Tengo un libro sobre Bosch. Lo abrí y había un detalle de La tentación de San Antonio. Había una pequeña aldea en llamas. Y me hizo pensar en Grebeny, una de las ciudades a las que fue y pensé que así podría trabajar las notas con Bosch. Y luego eso fue a Bruegel. Parecía que sus imágenes eran más apropiadas, aunque las cambié. Como, el pueblo en llamas es un pequeño detalle en Bosch y lo exploté a un tamaño diferente. Entonces, esas personas, Duchamp, HC Westermann, en diferentes momentos, casi como un fantasma en la noche, aparecen y te inspiras.

Vi lo que pensé que era una referencia al Guernica de Picasso en esa pieza allá atrás. Pensé que era solo un paralelo, con el pueblo y lo que estabas tratando de decir. ¿Es eso parte de tu pensamiento?
Es la misma idea. Resulta ser Chernobyl, no Guernica. Está directamente fuera del mismo tema, el mismo impulso de representar de alguna manera algunos de estos horrores que hemos creado para nosotros mismos. Una de las historias que recuerdo allí, fue que un hombre dijo que sabía que las cosas no eran tan buenas, pero que aún buscaba bayas y comida en el bosque y cosas así, hongos. Y le dije: "¿Pero no sabes que todas esas cosas están muy radiadas?" Él dijo, sí, lo sabía, y cuando dijo eso, se sonrojó. Estaba avergonzado por el hecho de que a pesar de que sabía que era venenoso, todavía estaba buscando comida. Y hay una pieza que no está en el programa llamada We Eat The Berries and Blush. Algo de eso fue difícil, no estaba tratando de hacer una traducción directa, pero estaba tratando de hacer una asociación porque el horror es demasiado sutil, es muy poco evidente, cuanto más macabro te vuelves con las imágenes, más empiezas a perder cuál es realmente la esencia del material.

Hay tanta relevancia oportuna para las pinturas y otras obras, Chernobyl, la muerte de Amadou Diallo. ¿Hay una clave para entender tus mensajes?
Ten empatía

Enseñaste en la Universidad de California Davis durante la década de 1960. ¿Cuál es la diferencia clave entre alumno y profesor?
El nombre.

Dices que aprendiste más como profesor que cuando eras estudiante. ¿Sus estudiantes también están informando su trabajo?
Oh, bueno, ya no enseño, pero los estudiantes también informaron mi trabajo. Nunca se sabe quién te va a enseñar algo. Claro, estoy aprendiendo a través de fuentes inusuales o no obvias todo el tiempo. Nunca se sabe dónde algo te va a inspirar o mover para intentar hacer algo.

¿Tu esposa también es artista y tus hijos?
Sí lo son. Uno trabaja en cine, el más viejo, Ethan Wiley. Si alguna vez has visto la película House, o House II: The Second Story . Esas son películas muy tempranas de él. Y mi segundo hijo es artista. No de la manera que estamos hablando. Enseña escuela primaria y también enseña pesca en verano a niños y padres que no saben nada sobre la tierra o el desierto.

Parece que amas el juego de palabras juguetón y te transformas en palabras. Jesús salva a Jesús esclavos, Sabiduría a Wizdum, Choque y asombro a Choque y roer. ¿Te estás divirtiendo?
Usted apuesta. ¿Eres tú?

¿Podrías dar más detalles?
Alguien le preguntó una vez a James Joyce si sus juegos de palabras eran triviales. Y él respondió: "Son al menos cuadriviales". Los juegos de palabras son una forma de agrupar más de un significado en algo, y casi todo tiene más de un significado. Usted y yo podemos afirmar que estamos de acuerdo en lo que significa una obra de arte, pero aún no sabemos si estamos en la misma onda o tenemos el mismo sabor en la boca.

Algunos críticos no toman en serio su trabajo debido a su diversión. ¿Qué tienes que decir a estos críticos?
Son muy serios. Estar atrapado en este planeta sin humor no sería muy divertido. Esos críticos deberían seguir el ejemplo de Arthur Schopenhauer, quien creía que el humor es nuestro único rasgo divino. De vez en cuando he tenido gente, tal vez cuando el trabajo está en la costa este, dice "No tengo tiempo para todo esto".

Pensé que de eso se trataba el arte. Algo que llevaría tiempo, que podría llevar tiempo. Que vendrías una y otra vez. No puedes tenerlo todo así. En este mundo de hoy, la instantánea electrónica, es que no tenemos paciencia. Sabes todo sobre el arte supuestamente. No hay tiempo para contemplar o profundizar en ti mismo o en la reflexión o lo que sea. Tienes que saber para qué sirve, lo que vale y si importa o no. Y alguien más te está diciendo eso en lugar de que tú decidas por ti mismo. En realidad, creo que el Medio Oeste tiene un sentido más fuerte de sí mismo, menos afectado por las tendencias, las modas y las cosas que suceden en las costas. La gente toma más en cuenta lo que tiene valor, lo que los atrae en lugar de contratar a un curador para que me brinde las últimas cosas importantes.

Te describen principalmente como artista de la costa oeste, pero ¿dirías que crecer en el medio oeste te influyó?
Sí. En cada lugar al que he ido, pasé un invierno en la costa este, '67 y '68, tuvo un gran impacto en mí. Creo que si estás abierto hasta cierto punto o al menos crees que eres, no puedes evitar tener el lugar donde estás teniendo algún tipo de impacto o enseñarte algo o mostrarte algo que no sabías antes. Entonces sí, la costa oeste definitivamente ha tenido un efecto en mí, como dije que el invierno en el este también lo hizo.

Has dicho que te gusta tirar de la barba de alguien importante.
Pues sí, un poquito. Al igual que necesito que me tiren de vez en cuando, creo que todos lo hacemos. Estamos bastante llenos de nuestra importancia personal, y cité a Shunryu Suzuki Roshi, quien estableció el Centro Zen en San Francisco, y hace una serie de conferencias, que se han incluido en un libro llamado "La mente del principiante". ". La declaración inicial del libro dice que debes mantener la mente del principiante, porque en la mente del principiante hay muchas posibilidades y en la del experto, pocas. Y estamos viviendo con el enamoramiento de eso a nuestro alrededor.

Después de todo está dicho y hecho, y ves 50 años de tu trabajo exhibido aquí en el Smithsonian, ¿cómo se siente eso?
Se siente maravilloso Me siento humilde y profundamente honrado de que el Smithsonian asumiera esta tarea. Así que estoy muy agradecido. Es maravilloso haber sido tratado de esta manera. Uno de mis vecinos, solía estar en la costa este, ahora tiene una pequeña galería de arte o algo así. Lo vi recientemente y sus ojos eran del tamaño de platillos. "¿El Smithsonian?" él dice "está haciendo tu show". "Voy a volver". Y así, simplemente no podría estar más feliz.

Se ha referido a la exhibición Smithsonian como un sitio arqueológico. ¿Por qué?
Es como un sitio arqueológico porque no todo es inmediatamente obvio. Puede haber un hueso sobresaliendo, pero cava un poco y descubre más. Creo que si le das tiempo, mi trabajo te hablará más, y cuanto más profundices, más podrás descubrir.

¿Tu arte tiene una mente propia?
Quizás. ¿Lo estoy haciendo o me está haciendo a mí?