Es una tarde fría y lluviosa de noviembre, y el artista abstracto Mark Bradford habla de levitar. Hace dos años, trabajando en una comisión para el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas del Smithsonian, tuvo una visión de sí mismo flotando en el centro del patio del edificio. Él recuerda haber pensado: "Estoy en medio de una pregunta", enfrentando el trabajo como "un problema que necesitaba resolver".
contenido relacionado
- Este artista deconstruyó su amor y fascinación por Calvin y Hobbes
El pintor con sede en Los Ángeles estuvo en el Hirshhorn para la inauguración de su nueva exposición individual. La instalación Pickett's Charge abarca casi 400 pies y consta de ocho lienzos que miden 12 pies de alto y más de 45 pies de largo. Se basa en el ciclorama de 1883 aún más grande de las pinturas del artista Paul Philippoteaux de un asalto crucial de la Guerra Civil. Fue el 3 de julio de 1863, el tercer y último día de la batalla de Gettysburg, que el general George Pickett y sus tropas confederadas no lograron romper la línea de la Unión. Esa derrota histórica cambió el rumbo de las fuerzas de la Unión.
Para retratar el evento con precisión, Philippoteaux, un autodenominado especialista en ciclorama de París, entrevistó a sobrevivientes e investigó la estrategia militar. Mientras trabajaba en las pinturas y los dioramas que lo acompañaban, "no se puso del lado", dice Evelyn Hankins, la curadora principal de Hirshhorn. "Describió el valor de los soldados, el honor de la lucha y la pasión, en lugar de tomar partido".
Un efecto 3D de jugar con profundidad y perspectiva, combinado con asombrosas representaciones de escenas literarias, religiosas y militares, hizo que los cicloramas fueran muy populares en Europa y América de fines del siglo XIX. El ciclorama de Gettysburg meticulosamente restaurado sigue siendo una de las pocas obras de este tipo que se exhiben en los EE. UU.
Para Bradford, el ciclorama y otras pinturas americanas tempranas plantean preguntas sobre la política de los monumentos militares. "¿Cuántas veces caminamos por monumentos viejos y polvorientos", dice, y pensamos profundamente en lo que significan? Está hablando no solo de las estatuas confederadas y los debates sobre si deben quedarse o irse, sino también de los helicópteros de la era de la Guerra de Vietnam que notó en los archivos nacionales adyacentes al Hirshhorn. Los helicópteros se instalaron temporalmente para la apertura del espectáculo sobre Vietnam. Estas exhibiciones desafían la objetividad: los estadounidenses no pueden ponerse de acuerdo sobre qué eventos honrar, olvidar, ignorar o criticar, por lo que pregunta: “¿Cómo escribimos la historia? Quién tiene el poder de escribir. . . y la historia del concurso?
El ciclorama de Gettysburg de 1883 del artista francés Paul Philippoteaux representa la carga de Pickett. (Ron Cogswell / Wikimedia) Indirectamente sugiere que todos tenemos ese derecho y responsabilidad, argumentando que "cuestionar el poder es la piedra angular de la democracia". La clave, dice, radica en las conversaciones abiertas alimentadas por la curiosidad. Las preguntas invitan al diálogo, dice. "Las respuestas simplemente cierran a la gente".
Para mantener el diálogo abierto, a veces empujándolo a un territorio incómodo o inesperado, Bradford usa diferentes medios para reflejar la historia de Estados Unidos. Su primera exposición individual en un museo en Los Ángeles incluyó Spiderman, una pieza de video que parodia las rutinas de comedia stand-up sexistas y homofóbicas de la década de 1980, y Finding Barry, un mapa tallado que destaca las tasas de infección por VIH en los EE. UU.
Después del huracán Katrina, construyó Mithra, un arca de 70 pies de altura con señales de FEMA que los sobrevivientes solían tratar de localizar mascotas perdidas después de la tormenta. Actualmente en exhibición en el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles se encuentra 150 Portrait Tone, una pintura de tamaño mural que responde al tiroteo policial en St. Paul, Minnesota, de Philando Castile.
Recibió una beca "genio" de la Fundación MacArthur 2009, Bradford creció en una pensión en el sur de Los Ángeles en la década de 1960. El mayor de dos hijos, nunca conoció a su padre; su madre trabajaba como estilista. A principios de la década de 1970, decidió trasladar a su familia a una parte más segura de Los Ángeles. Él lo llama "la Santa Mónica de. . . Birkenstocks y tiendas socialistas de alimentos naturales ”. Su madre finalmente abrió su propio salón en Leimert Park, cerca de su vecindario anterior. Después de la secundaria, obtuvo su licencia de estilista y se fue a trabajar con su madre.
La instalación Pickett's Charge abarca casi 400 pies y consta de ocho lienzos que miden 12 pies de alto y más de 45 pies de largo. (Cortesía del artista y Hauser & Wirth. Foto: Cathy Carver) Como hombre homosexual y negro en la década de 1980, vio a personas que conocía de la escena del club de Los Ángeles y sus contrapartes en otras partes muriendo por enfermedades relacionadas con el SIDA. Con la esperanza de evadir su destino, escapó intermitentemente a Europa durante la mayoría de sus 20 años. Acumularía sus ingresos de peluquería y viajaría hasta que se agotara el dinero, luego trabajaría un poco más, ahorraría y volvería a deambular.
A los 30 años se había reasentado en Los Ángeles y se había matriculado en una escuela de arte. Experimentó con diferentes medios y devoró los escritos de filósofos y teóricos del arte, obteniendo títulos de licenciatura y maestría en bellas artes del Instituto de las Artes de California. Continuó trabajando en el salón de su madre, mientras también hacía arte, descubriendo cómo usar el abstraccionismo para investigar la raza, el género y la socioeconomía. Una exposición grupal de 2001 en el Studio Museum de Harlem lo puso en la lista de deseos de coleccionistas de todo el mundo.
Las pinturas de Bradford generalmente se venden por un millón de dólares. Para crear estas obras, busca material de las calles de Los Ángeles, una práctica que se remonta a sus días después de la escuela de arte, cuando no podía pagar el acrílico y otros suministros caros. Prefiere usar objetos encontrados, "arrastrando cosas que no pertenecen al mundo del arte y deseándolas en él".
También podría agregar pintura de la casa, papeles finales utilizados para tratamientos químicos para el cabello, o anuncios coloridos para prestamistas del día de pago y otros negocios dirigidos a residentes de bajos ingresos. Coloca estos elementos en grandes collages, luego raspa, chamusca y decolora las pinturas usando herramientas eléctricas, lejía y otros métodos.
Pickett's Charge (Two Men) (detalle) por Mark Bradford, 2016-2017 (Cortesía del artista y Hauser & Wirth. Foto: Joshua White) Para Pickett's Charge, tenía imágenes digitales del Ciclorama de Gettysburg impresas en material de carteles azules, lo que evita que las imágenes y las letras en las capas subyacentes se filtren visualmente. Para crear una especie de andamio, sujetó cuerdas delgadas en docenas de filas horizontales, a cuatro pulgadas de distancia, en lienzos masivos.
"Estaba tan asustado cuando me di cuenta de lo grande que son 400 pies lineales", dice, que necesitaba las cuerdas para crear un "mecanismo de conexión a tierra [para mí] para no entrar en pánico". Él las compara con la explosión controlada de un arqueólogo que permite métodos metódicos. cavando a la historia debajo. Las cuerdas se convirtieron en la arquitectura subyacente. "No bosquejo mucho", explica. "Trabajo todo trabajando".
Aplicó hojas de papel en colores como los de la pintura de Philippoteaux y colocó en último lugar las imágenes de Gettysburg. Luego arrancó el material de la cartelera, tirando de sus cuerdas guía y las capas de papel. Los "ecos" de las cuerdas tiradas crearon círculos concéntricos que atraviesan los lienzos. Como lo ha hecho en trabajos anteriores, rascó y rasgó estas pinturas por ensayo y error hasta que sintió que estaban completas.
La ubicación del museo a lo largo del National Mall inspiró las pinturas tanto como la galería circular de Hirshhorn en la que cuelgan. "Siempre estaba obsesionado con lo que sucedió en el centro comercial", dice. "Es un sitio para rituales de democracia y disidencia", como la Marcha de Washington por el Empleo y la Libertad en agosto de 1963 y la Marcha de las Mujeres en enero de 2017. La investigación histórica de Bradford para Pickett's Charge se centró en las contribuciones ignoradas de las mujeres durante el movimiento por los Derechos Civiles .
En la galería Hirshhorn, Bradford está parado frente a Dead Horse, la última de las pinturas de Pickett's Charge que creó, y describe cómo ha cambiado su proceso a lo largo de los años. "Hay una calidad tridimensional que nunca dejé que sucediera tanto [antes]", dice. “La fisicalidad de la superficie está saltando un poco más. Las fisuras que estoy permitiendo estar allí, no son tan 'bonitas' ”. Agita los dedos sobre el lienzo y dice, sin pensarlo, “ Puedo ver los ecos de Venecia aquí ”.
Pickett's Charge (Hombre con la bandera) (detalle) por Mark Bradford, 2016-17 (Cortesía del artista y Hauser & Wirth. Foto: Joshua White) "Venecia" es la Bienal de Venecia, el prestigioso espectáculo de arte con jurado que se celebra cada dos años en Italia. Mediante una colaboración entre el Museo de Arte de Baltimore y el Museo de Arte Rose de la Universidad de Brandeis, Bradford creó Tomorrow Is Another Day, una instalación inmersiva de esculturas y pinturas, para el pabellón de la Bienal de Estados Unidos. La exhibición toma su nombre de la última línea de Vivien Leigh en la película de 1939 Gone with the Wind y explora la oscuridad en Estados Unidos, desde la esclavitud hasta los recientes tiroteos policiales y absoluciones.
Bradford dice que el impacto sociopolítico de su trabajo "no siempre proviene de las pinturas". Tampoco ha separado realmente su arte de su activismo. "Nunca vi la diferencia", explica. "Todo está conectado conmigo". Utilizó el programa de Venecia para anunciar una asociación de seis años con Rio Terà dei Pensieri, una cooperativa local que brinda capacitación laboral a los reclusos y les ayuda a adaptarse a la vida después de ser liberados.
La sostenibilidad económica ha sido una de sus pasiones desde hace mucho tiempo, desde los días en que "mi madre y yo trabajamos en el salón de belleza", dice. “Mantener en marcha los negocios familiares. Estoy interesado en acceder y satisfacer una necesidad "en la comunidad".
Antes de la colaboración en Venecia, tuvo una práctica más formal fusionando arte y defensa: hace tres años, Bradford, Allan DiCastro (su socio de 20 años) y la filántropa Eileen Harris Norton cofundaron Art + Practice, una fundación de artes y educación que ofrece servicios de apoyo para fomentar la juventud y eventos culturales. La sede de la organización incluye el edificio que una vez albergó el salón de su madre en Leimert Park, un vecindario alejado de la antigua pensión de su infancia.
"Mark Bradford: La carga de Pickett" está en exhibición en el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas en Washington, DC hasta el 14 de noviembre de 2021.
