Aunque el 17 de agosto, el Día Nacional de la Tienda de Ahorro, pretende ser una celebración alegre de un hábito comercial aceptable, el proceso de hacer que las tiendas de segunda mano sean modernas involucra a defensores inusuales. Como describo en mi reciente libro From Goodwill to Grunge, las tiendas de segunda mano surgieron a fines del siglo XIX cuando las organizaciones dirigidas por cristianos adoptaron nuevos modelos de filantropía (y ayudaron a rehabilitar la imagen de las tiendas de segunda mano al llamar a sus tiendas de chatarra "tiendas de segunda mano").
Hoy en día, hay más de 25, 000 tiendas de reventa en Estados Unidos. Las celebridades a menudo se jactan de sus puntajes de segunda mano, mientras que los músicos elogian los artículos usados en canciones como el éxito de Fanny Brice de 1923 "Second-Hand Rose" y Macklemore y Ryan en 2013 "Thrift Shop".
Sin embargo, en los últimos 100 años, los artistas visuales probablemente merecen el mayor crédito por el lugar de compras de segunda mano en el entorno cultural.
Gloria en lo descartado
Desde el orinal ya preparado del escultor Marcel Duchamp en 1917 hasta la popularización del director de cine "Papa de la basura", John Waters, de la estética de la basura, los artistas visuales siempre han buscado productos de segunda mano para la inspiración creativa, al tiempo que los utilizan para criticar las ideas capitalistas.
Durante la Primera Guerra Mundial, los artistas de vanguardia comenzaron a usar objetos descartados, robados o desgranados, o comprados en mercados de pulgas y tiendas de segunda mano, para rechazar la creciente comercialización del arte. André Breton, Marcel Duchamp y Max Ernst fueron de los primeros en transformar objetos descartados directamente en obras de arte conocidas como "readymades" u "objetos encontrados", o en canalizar la inspiración de dichos productos en sus pinturas y escritos.
Coincidiendo con (y emergiendo de) el movimiento de arte antiarte Dada, que rechazó ferozmente la lógica y el esteticismo del capitalismo, el movimiento que rodea esa elevación de artículos usados pronto tendría un nombre: Surrealismo.
En su obra semi-autobiográfica de 1928 "Nadja", Breton, el "padre del surrealismo", describe las compras de segunda mano como una experiencia trascendente. Los objetos descartados, escribió, eran capaces de revelar "destellos de luz que te harían ver, realmente ver". Exiliado por el gobierno francés de Vichy en la década de 1940, Breton se estableció en la ciudad de Nueva York, donde buscó inspirar a otros artistas y escritores. llevándolos a tiendas de segunda mano y mercados de pulgas del Bajo Manhattan.
Mientras que la "Fuente" de Duchamp es quizás la pieza escultórica más conocida derivada de un objeto encontrado, su "Rueda de bicicleta" (1913) ya aparece antes. El "Regalo" de Man Ray (1921) presentaba una plancha diaria con una hilera de tachuelas de latón aseguradas a su superficie.
Si bien los hombres parecían dominar el surrealismo, fuentes recientes destacan la importancia de la baronesa Elsa von Freytag-Loringhoven, a quien los estudiosos sugieren que pudo haber regalado a Duchamp su famoso orinal, haciendo la colaboración de la "Fuente". La excéntrica y talentosa baronesa creó "Dios" (1917), una trampa de plomería de metal de hierro fundido al revés, el mismo año que Duchamp mostró "Fuente".
La obra de 1917 de Marcel Duchamp 'Fuente' (James Broad, CC BY-NC) La basura estética
El surrealismo disfrutó de su mayor renombre a lo largo de las décadas de 1920 y 1930, con sus preceptos que abarcaban todo, desde la poesía hasta la moda. Luego, en las décadas de 1950 y 1960, la ciudad de Nueva York fue testigo del surgimiento de una estética de basura de vanguardia, que incluyó productos descartados y la resurrección de temas y personajes pasados de la "edad de oro" de la película de Hollywood. El estilo se hizo conocido como "campamento".
A principios de la década de 1960, el Teatro de los ridículos, un género de producción teatral subterráneo y vanguardista, floreció en Nueva York. En gran parte inspirado por el surrealismo, Ridiculous rompió con las tendencias dominantes de actuación naturalista y escenarios realistas. Los elementos prominentes incluyeron parodias de género clásico de temas clásicos y estilización orgullosamente llamativa.
El género se basó notablemente en materiales de segunda mano para disfraces y sets. El actor, artista, fotógrafo y cineasta underground Jack Smith es visto como el "padre del estilo". Su trabajo creó y tipificó la sensibilidad ridícula, y tenía una dependencia casi obsesiva de los materiales de segunda mano. Como Smith dijo una vez: "El arte es una gran tienda de segunda mano".
Probablemente sea mejor conocido por su película sexualmente gráfica de 1963 "Flaming Creatures". Censores impactantes con primeros planos de penes flácidos y senos temblorosos, la película se convirtió en punto cero en las batallas anti-porno. Sus muestras surrealistas de extrañas interacciones sexuales entre hombres, mujeres, travestis y un hermafrodita culminaron en una orgía alimentada por drogas.
Según Smith, "Flaming Creatures" recibió desaprobación no por sus actos sexuales, sino por su estética de imperfección, incluido el uso de ropa vieja. Para Smith, la elección de ropa desgarrada y desactualizada era una forma mayor de subversión que la ausencia de ropa.
Como Susan Sontag señala en su famosa evaluación del campamento, el género no es simplemente una sensibilidad ligera y burlona. Más bien, es una crítica de lo que se acepta y lo que no. El trabajo de Smith refutó el hábito reflexivo de los artistas de luchar por la novedad y la novedad, y ayudó a popularizar una estética queer que continuó en bandas como The New York Dolls y Nirvana. Una larga lista de artistas cita a Smith como inspiración, desde Andy Warhol y Patti Smith hasta Lou Reed y David Lynch.
Rebelión confusa
En 1969, los artículos del enorme alijo de artículos de segunda mano de Smith, incluidos los vestidos de la década de 1920 y los montones de boas, llegaron a los armarios de una compañía de drag psicodélicos de San Francisco, los Cockettes. El grupo disfrutó de un año de gran popularidad, incluso logrando una muy esperada presentación en la ciudad de Nueva York, tanto por su vestuario próspero como por sus extravagantes producciones satíricas. El término "genderfuck" llegó a significar la estética del grupo de hombres barbudos, aturdidos y aturdidos, un estilo encapsulado por el famoso líder de los Cockettes, Hibiscus.
Fotogramas de Hibiscus del documental de 2002 'The Cockettes' ('The Cockettes') Los Cockettes se separaron al año siguiente por una disputa sobre el cobro de admisión, pero los miembros continuaron influenciando la cultura y el estilo estadounidenses. Sylvester, ex miembro de Cockettes, se convertiría en una estrella de la discoteca y en uno de los primeros músicos abiertamente homosexuales de mayor facturación. Un miembro posterior de Cockettes, Divine, se convirtió en la aclamada musa de John Waters, protagonizando una serie de "películas basura", incluida "Hairspray", que recaudó US $ 8 millones a nivel nacional, que casi se convirtió en la corriente principal del teatro Ridículo. Para entonces, una estética extraña y basura que se basaba en productos de segunda mano se convirtió en un símbolo de rebelión y una expresión de creatividad para innumerables niños de clase media.
Para muchos hoy, las compras de segunda mano son un pasatiempo. Para algunos, es un vehículo para interrumpir las ideas opresivas sobre género y sexualidad. Y para otros, el ahorro es una forma de reutilizar y reciclar, una forma de subvertir sutilmente el capitalismo convencional (aunque algunas cadenas de ahorro gigantescas con prácticas laborales controvertidas tienden a cosechar los mayores beneficios monetarios). Liderando la carga, los artistas han conectado productos de segunda mano con la creatividad individual y el desdén comercial. Lo que comenzó con los surrealistas continúa hoy con los hipsters, los amantes de la vendimia y los estudiantes de posgrado que celebran las opciones externas y el potencial de ahorro de costos de los productos desechados.
Este artículo fue publicado originalmente en The Conversation.
Jennifer Le Zotte, profesora asistente de cultura e historia material, Universidad de Carolina del Norte Wilmington
