Esta publicación es parte de nuestra serie en curso en la que ATM invita a publicaciones ocasionales de varios bloggers invitados de la Institución Smithsonian: los historiadores, investigadores y científicos que conservan las colecciones y archivos en los museos e instalaciones de investigación. Hoy, Amy Henderson de la National Portrait Gallery pesa sobre el cine como arte. La última vez que nos escribió sobre David McCullough visitaba el Smithsonian.
¿Qué tiene la "imagen en movimiento" que nos detiene en seco? Si alguien publica un video en su muro de Facebook, ¿no es más probable que haga clic a través de otros enlaces? ¿Por qué vemos películas en nuestros teléfonos celulares? ¿Por qué hay un centro comercial peatonal en Times Square, donde millones de personas se sientan en sillas de playa y miran las imágenes emitidas en sonido envolvente? En los museos, los visitantes siempre abarrotan las galerías de imágenes en movimiento. ¿Por qué el video estimula tanto la mente?
A principios del siglo XX, cuando la película era muda y los actores anónimos, la gente entraba en los cines para ver proyecciones parpadeando en la pantalla plateada. Después del advenimiento de los "talkies", los estudios de Hollywood crearon un universo paralelo de estrellas "más grandes que la vida". Las mujeres decoloraron su cabello rubio platino en homenaje a Jean Harlow en Red Dust, y los hombres bebieron martinis como si fueran William Powell en The Thin Man. Queríamos vestir lo que lucían las estrellas en la pantalla: en medio de la Depresión, la empresa de costura Butterick vendió 500, 000 patrones del vestido de manga hinchada que Joan Crawford llevaba en el Letty Lynton de 1932, incluso sugiriendo materiales menos costosos para que las alcantarillas domésticas sustituyan la seda de la estrella de cine. El rapto parece ilimitado.
Me fascina cómo las películas definen la cultura. La América previa al cine se narra en varios medios, pero nada se mueve: todo lo que tenemos que examinar desde esa época es estático, como delicadas mariposas clavadas en una vitrina. Y, de hecho, nos cuesta imaginar a esas personas congeladas moviéndose, respirando, hablando, caminando, cantando, incluso simplemente haciendo sus rutinas diarias. Cuando llevo a los visitantes a través de la exposición de la Galería de retratos "Presidentes de Estados Unidos", les recuerdo que realmente no sabemos cómo se veían nuestros Padres Fundadores, excepto según lo representado por diferentes artistas; y solo podemos adivinar cómo sonaron.
El Halcón Maltés, novelista detective Dashiell Hammett, fue adaptado al cine en 1931. (Imagen cortesía de la National Portrait Gallery (c) 1937 Edward Biberman) Pensé en el poder de la película para revelar recientemente mientras me preparaba para presentar una proyección de El halcón maltés en la Galería de retratos. Esta película de 1941 marcó el debut de John Huston como director y la transición de Humphrey Bogart de gángster a estrella. Es inequívocamente la era de la depresión en sus sombras noirish; como la novela del mismo nombre de Dashiell Hammett de 1930, los clips narrativos de la película aparecen como un noticiero; el ojo privado Sam Spade (Bogart), el Hombre gordo (Sydney Greenstreet) y Joel Cairo (Peter Lorre) se sienten intrépidos y hablan en un diálogo rápido que refuerza el ritmo staccato de la película. El momento capturado de la historia deja poco tiempo para matices o sutilezas; la narrativa se mueve despiadadamente e implacablemente .
Este ritmo staccato es un tema que enfatizo cuando llevo a las personas a través de la exposición de la Galería de retratos de los años 1920 a 1940, años que vieron el surgimiento de la América moderna. Entre 1890 y la década de 1920, 23 millones de inmigrantes llegaron a las costas de Estados Unidos; la mayoría eran del sur o del este de Europa. Pocos hablaban inglés. En ese período, la cara del país cambió. Al mismo tiempo, el paisaje pastoral de Emerson y Thoreau se transformó en paisajes urbanos: el censo de 1920 mostró que, por primera vez, Estados Unidos era más urbano que rural. Nueva York surgió como un vasto centro de cultura de consumo, un horno de cartelera y neón que avivaba, en una de mis frases favoritas, "una asombrosa máquina de deseo". Era una ciudad que dio pulso a los ritmos de Gershwin, la coreografía de Martha Graham y la ficción dura de Dashiell Hammett.
Las "imágenes en movimiento" fueron una metáfora perfecta para la cultura del staccato que cambia rápidamente en Estados Unidos. Al emerger en el dinamismo de la vida callejera de Nueva York, las películas obtuvieron un éxito instantáneo como entretenimiento emergente cuando empresarios como Adolph Zukor, Louis B. Mayer y William Fox instalaron teatros en las viviendas de inmigrantes del Lower East Side. El idioma no era un obstáculo, por lo que las películas mudas tenían una audiencia preparada.
La capacidad de las películas para transportarnos ha seguido siendo una de las principales atracciones de este medio. La ironía es que, si bien la película es un documento cultural notable que congela el tiempo, también nos aleja de lo mundano.
Allison Jessing, coordinadora del programa que organiza series de películas aquí en Portrait Gallery y el Smithsonian American Art Museum, me dijo que "la película puede ser tan subversiva, poderosa y emocionalmente resonante como la pintura, la escultura o cualquier otra forma de arte tradicional". Ella cree que los teatros del Smithsonian deberían considerarse galerías por derecho propio, "exhibiendo obras maestras de la misma manera que exhibimos obras de arte que se sientan en un pedestal o cuelgan en una pared". Una de las formas en que Jessing está haciendo esto es tomando prestado el "pop -up entertainment ”, técnica de los primeros empresarios del cine. Con ese fin, los museos han comprado una pantalla panorámica emergente inflable de 16 pies para proyectar películas en el Kogod Courtyard, y Allison usará la pantalla grande para una serie más grande que la vida que ella llama "Courtyard Cinema Classics".
Una pantalla emergente de 16 pies mostrará películas en breve en el Kogod Courtyard. (Foto de Allison Jessing) El 15 de noviembre, se presentará el primero de la serie: el 1949 A Connecticut Yankee en King Arthur's Court, un musical de viaje en el tiempo protagonizado por Bing Crosby y Rhonda Fleming. Estoy encantado de presentar esta película, que se basa (más o menos) en la novela de Mark Twain del mismo nombre de 1889; Puedo usar mi boa.
Exhibir películas en museos prueba una vez más que Sam Spade tenía razón: son de lo que están hechos los sueños.
