Sal y haz que el otoño sea una temporada de aprendizaje en todo Estados Unidos. Estos 10 museos le enseñarán, entre otras cosas, sobre la historia de las muñecas victorianas, la gravedad del arte de Bill Traylor y los misterios del antiguo Egipto.
El museo Driehaus : el legado de la belleza: retratos de la edad dorada en América
(Chicago, Illinois; 8 de septiembre de 2018 - 6 de enero de 2019)
Albert Abendschein (estadounidense, 1859-1914?), Sra. Grenville Kane, ca. 1900. Acuarela sobre marfil. Sociedad Histórica de Nueva York, Donación de la herencia de Peter Marié, 1905.124 (Museo Driehaus) 
Théobald Chartran (francés, 1849-1907). James Hazen Hyde, 1901. Óleo sobre lienzo. Sociedad Histórica de Nueva York, Don de James Hazen Hyde, 1949.1 (Museo Driehaus) 
Henry Augustus Loop (estadounidense, 1831-1895). Fannie Fredericka Dyckman y Mary Alice Dyckman, 1876. Óleo sobre lienzo. Sociedad Histórica de Nueva York, Legado de Fannie Fredericka Dyckman, 1951.374 (Museo Driehaus) La exhibición de otoño emblemática del Museo Driehaus es una colaboración con la Sociedad Histórica de Nueva York que se centra en el retrato formal en los Estados Unidos a fines del siglo XIX y principios del siglo XX. Beauty's Legacy presenta unos 60 retratos de los ricos y la élite, que deseaban mostrar su estatus social al encargar a artistas famosos que pintaran su imagen. Familias como los Vanderbilts, los Astors y los Bonapartes aparecen en retratos pintados por artistas como Rembrandt Peale, Eastman Johnson y John Singer Sargent. Además del legado de Beauty, el Driehaus dirigirá simultáneamente Gilded Chicago: retratos de una era y tesoros de la Ciudad Blanca: la Feria Mundial de Chicago de 1893 . Ambos cuentan una historia de Chicago posterior al incendio y cómo resurgió como una gran ciudad metropolitana. Gilded Chicago tiene diez retratos en la colección de nombres familiares de Chicago como Pullman, Field y McCormick.
Museo de Historia Natural del Condado de Los Ángeles y Museo de Arte Fisher de la USC— Justin Brice Guariglia Earth Works: Mapping the Anthropocene
(Los Ángeles, California; 18 de septiembre de 2018 - 8 de diciembre de 2018)
Justin Brice Guariglia, QAANAAQ I, 2015 / 2016. Acrílico, poliestireno, 128 x 96 x 1.75 in. © 2017 (Cortesía del artista) 
Justin Brice Guariglia, ESTUDIO DEL PAISAJE I, ORO, 2014/2015. Acrílico, 22 kt. pan de oro, gesso, lino, panel de aluminio. 40 x 30 x 0.6 in. © 2017 (Cortesía del artista) A partir del 18 de septiembre, el Museo de Historia Natural del Condado de Los Ángeles (NHMLA) y su museo vecino, el Museo de Arte Fisher de la USC, exhibirán una exposición conjunta centrada en el Antropoceno, que es la era geológica del impacto humano en el planeta y en cambio climático. Earth Works presenta 24 piezas del artista Justin Brice Guariglia, quien voló con la NASA para estudiar la fusión de glaciares en Groenlandia. Veintitrés piezas se exhibirán en el Museo Fisher de la USC, mostrando fotos que el artista tomó en sus viajes a la NASA a través de un proceso especial de impresión acrílica que combina fotografía y pintura. El NHMLA exhibirá la pieza grande de Guariglia, Jakobshavn I, que mide 11 pies por 16 pies. Representa uno de los glaciares de fusión más rápida en Groenlandia.
Museo de la Sociedad Histórica de Carolina del Sur — Edificio a prueba de fuego
(Charleston, Carolina del Sur; Abre el 22 de septiembre)
La Biblia del reverendo Archibald Stobo, hacia 1658. Esta Biblia pertenecía al reverendo Archibald Stobo, un ministro presbiteriano escocés que llegó a Charleston en 1700. La Biblia fue una de las pocas posesiones que sobrevivió a la destrucción del Sol Naciente, el barco en el que Stobo y su familia navegaron a Charleston. Poco después de que la familia Stobo desembarcó, el barco fue arrastrado al mar por un huracán feroz. (Museo de la Sociedad Histórica de Carolina del Sur) 
La ama de casa de Carolina, alrededor de 1851. La Sociedad Histórica de Carolina del Sur tiene una serie de libros de recibos escritos a mano en sus colecciones. Los libros de recibos a menudo contenían recetas de medicamentos y productos de limpieza junto con recetas culinarias. Las recetas en estos libros fueron creadas por las propias mujeres, tomadas de amigos o adaptadas de libros de cocina populares como Miss Leslie's o The Carolina Housewife. Con frecuencia, una receta consistía en poco más que una lista de ingredientes, suponiendo que una cocinera tendría la suficiente experiencia como para descubrir el resto por su cuenta. (Museo de la Sociedad Histórica de Carolina del Sur) 
Terremoto de arena de Charleston, 1886. Entre las colecciones de la sociedad se encuentran diez viales de arena mineral con corcho, sellados con cera, arrojados por los géiseres alrededor de Charleston, SC durante el terremoto del 31 de agosto de 1886. Los viales se encuentran en una caja de cartón rectangular con una etiqueta que sugiere que se originaron en una tienda de W. Kirkwood en la esquina de las calles Coming y Spring en Charleston. Un costado acompañante dice: "¡ARENAS DE TERREMOTO!". La parte inferior de la página contiene una nota para el lector: "Como muchos de los colores de la arena se están volviendo escasos, ¡es mejor que consigas una botella o caja ahora!" (Sur Museo de la Sociedad Histórica de Carolina) 
El edificio a prueba de fuego. (Andrew Cebulka) Después de una renovación multimillonaria, uno de los edificios más antiguos de Carolina del Sur, el Fireproof Building, se reabrirá en septiembre como un museo interactivo que documenta más de 30 años de la historia del estado. Las exhibiciones se mostrarán a través de los ojos de los residentes históricos de Carolina del Sur y también destacarán piezas interesantes de la colección de la Sociedad Histórica de Carolina del Sur. Algunas piezas imperdibles incluyen mapas de plantaciones de arroz de la década de 1700 (que actualmente están prestados por el Smithsonian), el cuerno de pólvora del oficial de la Guerra de la Revolución Francis Marion y cuencos de tubería de la década de 1700. Los visitantes también disfrutarán de tablas de mapas interactivos y retratos activos de cuatro figuras históricas locales.
Museo de Bellas Artes, Boston— Winnie-the-Pooh: Explorando un clásico
(Boston, Massachusetts; 22 de septiembre de 2018 - 6 de enero de 2019)
Oso de peluche, alrededor de 1906-1910, fabricado por Margarete Steiff. (MFA Boston) 
"Las abejas se están volviendo sospechosas", capítulo 1 de Winnie-the-Pooh, 1926, Ernest Howard Shepard. (MFA Boston) 
Primera edición de Winnie-the-Pooh, 1924, publicada en Londres por Methuen & Co. Ltd; impreso por Jarrold & Sons Ltd. (MFA Boston) 
Winnie-the-Pooh, tazas de sake, alrededor de 2014, hechas por Hasami para Walt Disney Corporation. (MFA Boston) A los fanáticos de Winnie the Pooh les encantará la exposición Explorando un clásico en el Museo de Bellas Artes de Boston: está diseñada para seguir la historia y el atractivo de las historias clásicas desde la idea hasta la potencia literaria. La exhibición exhibirá alrededor de 200 artefactos de AA Milne y EH Shepard, incluyendo dibujos originales, ediciones tempranas, fotografías y cartas que muestran los cuentos de creación de todos los personajes de 100 Acre Wood, y cómo han resistido el paso del tiempo. favoritos de la infancia por generaciones. No te pierdas los dibujos lineales originales de Pooh y Christopher Robin, el oso de peluche que lo inspiró todo, además de un juego de tazas de sake modernas.
Smithsonian American Art Museum— Entre mundos: el arte de Bill Traylor
(Washington, DC; 28 de septiembre de 2018 - 17 de marzo de 2019)
Sin título de Bill Traylor, ca. 1939-1942 (Colección de Jan Petry y Angie Mills, foto © John A. Faier) 
Bill Traylor, Sin título (Casa amarilla y azul con figuras y perro), julio de 1939, cartón de lápices de colores. Museo de Arte Americano del Smithsonian; Compra del museo a través de la Fundación Luisita L. y Franz H. Denghausen. Foto de Gene Young. (Museo de Arte Americano Smithsonian) Exclusivo del Museo de Arte Americano Smithsonian este otoño es una exposición sobre las obras recopiladas de Bill Traylor, el único artista conocido esclavizado al nacer para producir un gran cuerpo de obras dibujadas y pintadas. Between Worlds presentará 155 piezas del trabajo de Traylor. Comenzó a crear su arte en 1939 cuando tenía más de 80 años. En ese momento, vivía en las calles de Montgomery, Alabama, donde nació como esclavo. Aunque solo vivió durante diez años más, dejó más de mil piezas de arte. Sus dibujos y pinturas simples pero coloridos muestran la yuxtaposición de las culturas blanca y negra de la época y los tonos políticos de la época.
Museo Whitney de Arte Americano : programado: reglas, códigos y coreografías en el arte, 1965–2018
(Nueva York, Nueva York; 28 de septiembre de 2018 - 14 de abril de 2018)
W. Bradford Paley (nacido en 1958), Code Profiles, septiembre de 2002. Applet Java. Por encargo del Museo Whitney de Arte Americano para su sitio web artport AP.2002.11. (Museo Whitney de Arte Americano) 
Casey Reas (n. 1972), {Software} Structures # 003 B, agosto de 2004/2016. Java, Adobe Flash Player. Por encargo del Museo Whitney de Arte Americano para su sitio web artport AP.2004.5. (Museo Whitney de Arte Americano) 
Sol LeWitt (1928-2007), Wall Drawing # 289, 1976. Crayón de cera, lápiz de grafito y pintura en cuatro paredes, dimensiones variables. Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; compra con fondos de la Fundación Gilman, Inc. 78.1.1-4. © 2018 Sol LeWitt / Artists Rights Society (ARS), Nueva York. (Museo Whitney de Arte Americano) 
Nam June Paik (1932-2006), Fin de Siecle II, 1989. Instalación de video, 201 televisores con cuatro discos láser, 168 x 480 x 60 pulgadas (426.7 x 1219.2 x 152.4 cm). Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York; Donación de Laila y Thurston Twigg-Smith 93.139. © Nam June Paik Estate. (Museo Whitney de Arte Americano) La programación de computadoras toma un giro artístico en Programmed, una nueva exhibición en el Whitney Museum of American Art. La exhibición explora el arte realizado entre 1965 y 2018, todo siguiendo un conjunto específico de instrucciones programadas, reglas, algoritmos y códigos. Programmed sigue dos hilos distintos: uno que muestra cómo la programación puede impactar y cambiar el arte conceptual, y el otro que muestra cómo los algoritmos e instrucciones pueden manipular lo que vemos en la televisión o mediante otras señales de imagen. La exhibición utiliza la propia colección de Whitney para explorar cómo el arte computacional ha evolucionado y cambiado a lo largo de las décadas basado en la tecnología.
Wrightwood 659— Ando y Le Corbusier: maestro de arquitectura
(Chicago, Illinois; 12 de octubre de 2018 - 15 de diciembre de 2018)
Inside Wrightwood 659. (Tom Rossiter) Escondido en un vecindario de Chicago, en lo que parece un edificio de apartamentos, hay un nuevo espacio de exhibición que celebra la arquitectura y el arte socialmente comprometido. Wrightwood 659 fue una vez una caminata de tres pisos en el lado norte de la ciudad, pero ahora es un espacio de cuatro pisos con un patio al aire libre en el piso superior. La exposición inaugural será Ando y Le Corbusier: Masters of Architecture, que se inaugurará en octubre. Tadao Ando es un Premio Pritzker y diseñó todo el espacio. La exposición destacará la influencia del arquitecto suizo Le Corbusier en Ando y su obra. Se exhibirán más de 100 modelos de Le Corbusier, imágenes de archivo y dibujos, además de 106 modelos a pequeña escala que los estudiantes de Ando hicieron del trabajo de Le Corbusier. El trabajo de Ando estará en exhibición en el tercer y cuarto piso del espacio. Algunas visitas obligadas incluyen el modelo de Le Corbusier de 1929 de Villa Savoye, un modelo de la capilla de 1950 en Ronchamp y el modelo de isla de arte de 60 pies de largo de los estudiantes de Ando de Naoshima. Wrightwood 659 presentará dos exhibiciones con boleto al año, alternando entre arquitectura y enfoques de activismo social. Los boletos deben reservarse en línea.
Instituto de Arte de Minneapolis: las ciudades hundidas de Egipto
(Minneapolis, Minnesota; 4 de noviembre de 2018 - 14 de abril de 2018)
Estatua de Arsinoë, Canopus, Bahía de Aboukir, Egipto; Siglo III aC; granodiorita negra; Museo de Antigüedades Bibliotheca Alexandrina (SCA 208); Excavaciones de IEASM; Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Fundación Hilti. (Christoph Gerigk) 
La estela de Thonis-Heracleion levantada bajo el agua en el sitio en la bahía de Aboukir, Thonis-Heracleion, Bahía de Aboukir, Egipto; Museo Nacional de Alejandría (SCA 277); Excavaciones de IEASM; Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Fundación Hilti. (Christoph Gerigk) 
Arqueólogo cara a cara con una esfinge bajo el agua, Eastern Harbour, Alejandría, Egipto, siglo I a. C. granodiorita; 27 9/16 x 59 1/16 pulgadas; Museo Nacional de Alejandría (SCA 450); Excavaciones de IEASM; Fotos: Jèrôme Delafosse © Franck Goddio / Fundación Hilti. (Jèrôme Delafosse) 
El busto de la colosal estatua de Hapy ha sido atado con cintas antes de ser levantado con cuidado del agua de la bahía de Aboukir, Egipto. Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Fundación Hilti. (Christoph Gerigk) 
Colosal estatua del dios Hapy, Thonis-Heracleion, Bahía Aboukir, Egipto, siglo IV a. C. Período Tardío-Ptolemaico; granito rojo; altura: 17 pies 8 5/8 x 35 7/16 pulgadas, peso: 6 toneladas; Museo Marítimo, Alejandría (SCA 281); Excavaciones de IEASM; Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Fundación Hilti. (Christoph Gerigk) 
El despertar de Osiris; 26a dinastía (664-525 a. C.); gneis, oro, electrum, bronce; Museo Egipcio, El Cairo (CGC 38424); Foto: Christoph Gerigk © Franck Goddio / Fundación Hilti. (Christoph Gerigk) Más de 1.200 años en el pasado, las ciudades egipcias de Thonis-Heracleion y Canopus se convirtieron en víctimas del planeta, sumergidas en las crecientes mareas del mar Mediterráneo. Permanecieron ocultos durante más de un milenio, hasta el año 2000, cuando el arqueólogo submarino Franck Goddio los redescubrió en la Bahía de Aboukir, cerca de Alejandría. Goddio y su equipo encontraron un tesoro de artefactos egipcios antiguos, desde estatuas y joyas hasta cerámica e íconos religiosos. Las ciudades hundidas de Egipto documentan la historia del descubrimiento de Goddio y las piezas históricas que encontró el equipo. Se exhibirán tres esculturas masivas de 16 pies de alto que pesan más de 8, 000 libras cada una, más más de 250 piezas de arte egipcio antiguo que se encuentran en el sitio y otras piezas prestadas de museos en El Cairo y Alejandría.
Acuerdo de Jamestown— TENACIDAD: Mujeres en Jamestown y Virginia Temprana
(Jamestown, Virginia; 10 de noviembre de 2018 - 5 de enero de 2020)
Corpiño bordado, hacia 1610. Un corpiño de manga larga prestado de The Shakespeare Birthplace Trust presenta un diseño bordado de tallos y hojas arrastrados, trabajados en hilos de seda y metal de colores, con lentejuelas o lentejuelas metálicas. En la exposición especial "TENACIDAD", el objeto está asociado con las esposas y mujeres del gobernador que aspiran a una clase alta. (Cortesía de The Shakespeare Birthplace Trust) 
Jamestown Settlement, intérprete histórico en camisas de costura de fuerte recreadas. (Fundación Jamestown-Yorktown) 
Silla Ducking, inglesa, tradicional del siglo XVII. Una silla de pato inglesa, una adquisición reciente a la colección de la Fundación Jamestown-Yorktown, representa el uso de la humillación pública como castigo que era común en Inglaterra y en Estados Unidos desde principios del siglo XVII al XIX. Los delincuentes, generalmente mujeres, fueron amarrados a una silla resistente, que estaba sujeta a una larga viga de madera, y se sumergieron en un cuerpo de agua. Un caso de la corte de Virginia de 1634 registró que Betsey Tucker fue castigada de esta manera por "peleas" o chismes. (Fundación Jamestown-Yorktown) Al comienzo del Nuevo Mundo, cuando los colonos llegaron por primera vez a Jamestown, las mujeres eran consideradas ciudadanas de segunda clase. Como resultado, gran parte de su historia no fue registrada, salvo algunos registros aquí y allá que documentan matrimonios, muertes o casos judiciales. Ahora, esas mujeres están siendo llevadas a la vanguardia de la historia con una exhibición especial de todo el año en el asentamiento de Jamestown llamada Tenacity . La exhibición tendrá más de 60 artefactos que documentan las luchas y contribuciones de las mujeres en los días coloniales. Algunos de los artículos más raros en exhibición incluyen un corpiño bordado de 1610, una silla de agachar del siglo XVII y los documentos Ferrar de 1621 que documentaron a todas las mujeres originales reclutadas para venir a Virginia.
Museo de Arte de Filadelfia : pequeñas damas: muñecas de la moda victoriana y el ideal femenino
(Filadelfia, Pensilvania; 11 de noviembre de 2018 - 3 de marzo de 2019)
Tres vestidos de muñeca del guardarropa de Miss Fanchon, finales de 1860-1870, posiblemente en Francia. Donación de Gardner H. Nicholas en memoria de la Sra. Gardner H. Nicholas, 1922-58-9a — c, 14a, b, 3. (Museo de Arte de Filadelfia) 
Los guantes de Miss Fanchon, finales de 1860-1870, Francia. Donación de Gardner H. Nicholas en memoria de la Sra. Gardner H. Nicholas, 1922-58-109a, b. Bolso de muñeca, finales de 1860-1870, Francia. Donación de la Sra. William Hill Steeble y Martha B. Newkirk en memoria de su madre, la Sra. I. Roberts Newkirk, 1977-189-4aa. (Museo de Arte de Filadelfia) 
Muñeca de moda "Miss French Mary", alrededor de 1875, Francia. Donación de la Sra. James Wilson Wister, née Elizabeth Bayard Dunn, 1970-215-1a. (Museo de Arte de Filadelfia) 
Equipo de costura de muñecas, finales de 1860-1870, Francia. Donación de Edward Starr, Jr., 1976-58-9Ah1-7 y Donación de la Sra. William Hill Steeble y Martha B. Newkirk en memoria de su madre, la Sra. I. Roberts Newkirk, 1977-189-4y. (Museo de Arte de Filadelfia) 
Patines de ruedas de Miss Fanchon, finales de 1860-1870, Francia. Donación de Gardner H. Nicholas en memoria de la Sra. Gardner H. Nicholas, 1922-58-80a, b. (Museo de Arte de Filadelfia) 
Muñeca de moda "Miss Fanchon", alrededor de 1870, Francia. Donación de Gardner H. Nicholas en memoria de la Sra. Gardner H. Nicholas, 1922-58-1a. (Museo de Arte de Filadelfia) 
Muñeca de moda "Miss G. Townsend", década de 1870, Francia. Donación de Edward Starr, Jr., 1976-58-9. (Museo de Arte de Filadelfia) Cuatro muñecas están en el corazón de Little Ladies, una próxima exhibición del Museo de Arte de Filadelfia que explora cómo los roles de género en la época victoriana se transmitieron a las niñas a través del juego. Las muñecas, llamadas Miss Fanchon, Miss G. Townsend, Miss French Mary y Marie Antoinette, fueron fabricadas en los años 1860 y 1870 de Francia y fueron el elemento candente para las niñas privilegiadas durante la Edad Dorada. Miden aproximadamente 18 pulgadas de alto y tienen cabezas pintadas, pelucas y cuerpos de cuero. Cada muñeca viene con un arsenal de pertenencias, desde amplios armarios que incluyen ropa interior y guantes, hasta artículos personales y accesorios como pequeños cepillos de dientes y patines. Uno de los baúles de las muñecas, por ejemplo, tiene más de 150 artículos. Durante la Edad Dorada, las niñas podían imaginar la vida futura que se esperaba de ellas a través del juego con las muñecas, consolidando las costumbres sociales ideales y consolidando los roles de género en el subconsciente.
