Agradezca a una marca de contenido educativo de Corea del Sur por producir, si no la versión definitiva, seguramente la más escuchada, del lombriz "Baby Shark", la canción infantil que se abre paso en su segunda semana en el Billboard Hot 100 Chart.
Es posible que haya encontrado una variación anterior de la canción, y sus movimientos de baile que la acompañan, en el campamento de verano (o, como este escritor, inexplicablemente durante una unidad de secundaria sobre vida marina). Sin embargo, fue hace poco más de una década, en 2007, cuando "Baby Shark" se burló de su verdadero potencial cuando un video de la canción se volvió viral en Alemania.
Eso resultó ser papas pequeñas en comparación con el remix de Pinkfong. La marca detrás de la sensación ha producido decenas de miles de videos para niños, incluidas múltiples variaciones de "Baby Shark". Una de estas versiones se convirtió en supernova después de que se publicó en YouTube en 2016. En ella, la compañía con sede en Seúl puso un K- el pop golpeó debajo de la voz y arrancó a dos niños con mejillas querubines para hacer los movimientos de la mano de la letra del video, que también presenta animaciones de criaturas marinas decididamente heteronormativas de color caramelo y el propio zorro magenta de Pinkfong, equipado con equipo de snorkel para el ocasión.
El video ha sido objeto de un ciclo de regurgitación del siglo XXI desde entonces. Con 2, 1 mil millones de visitas a su nombre y contando, en este punto, su debut en la lista de Billboard, gracias a la decisión de Billboard de incorporar datos de YouTube en su misterioso algoritmo de selección de música en 2013, se siente más como una formalidad que cualquier otra cosa.
Si no has escuchado la canción que el New York Times llama "tan infecciosa como el ántrax", se centra libremente en tres generaciones de tiburones hambrientos (Doo Doo Doo Doo Doo Doo). Eso es practicamente todo. En algunas versiones, los tiburones te comen. En la versión Pinkfong, los adorables niños salen seguros, y ese es "el final (Doo Doo Doo Doo Doo Doo) / el final (Doo Doo Doo Doo Doo Doo)".
Alrededor del tiempo, la manía de "Baby Shark" de Pinkfong hizo que Ellen Degenereses y James Cordens del mundo nos sometieran al #babysharkchallenge, Bob Cunningham, educador y asesor principal del consorcio sin fines de lucro Understood.org, intentó precisar exactamente lo que hizo que el Canción de Pinkfong muy escuchable. La fórmula que describe a la Associated Press —un “ritmo pegadizo”, “sonidos tontos” y “animación colorida y linda” - recuerda lo que dio origen a la primera iteración de los éxitos de los niños.
La música infantil ha sido parte de la industria musical desde el primer momento. "Desde que ha habido un negocio de música, ha habido un negocio de música para niños", explica Simon Frith, un profesor de música, en su colección de ensayos que toman en serio la música pop . Apenas 11 años después de que Thomas Edison estrenó el fonógrafo en 1877, un empleado desconocido de la compañía Edison grabó "Twinkle, Twinkle Little Star" para la aventura de muñecas parlantes de corta duración de la compañía. Cuando se encontró esa grabación en el escritorio de un asistente en el En la década de 1960, le valió a la canción infantil la distinción de ser la grabación infantil más antigua conocida, la grabación comercial más antigua conocida y tal vez incluso "la primera grabación realizada por alguien a quien se le pagó para realizar una grabación de sonido", según La Biblioteca del Congreso.
El fonógrafo de Edison fue, sin lugar a dudas, un cambio de juego para la industria de la música. De repente, la música era portátil, asequible y repetible, escribe Mark Katz, un erudito en música y tecnología en la revista American Music. Los profesores de música, a su vez, creían que el fonógrafo mantendría alejados a los jóvenes estadounidenses "de las tentaciones de la música popular" al exponerlos a lo que consideraban música "buena". "Si los niños disfrutan el" Trdumerei "de Schumann, la" Serenata "de Schubert y el" Coro del peregrino "de Tannhauser [de Wagner]", argumentó un maestro de música en 1911, "no les importará escuchar trapo y música callejera barata. "
Eso ... no resultó ser el caso. "Baby Shark" se encuentra en los zapatos de las Sinfonías tontas de Walt Disney, que también combinaban la música con la animación con gran éxito usando, espera, ritmos pegadizos, sonidos tontos, coloridos (cuando la tecnología lo permitía), y a veces lindos, siempre llamativos. captura, animación.
A diferencia de "Baby Shark", esta serie de cortometrajes de "novedad musical" lanzados de 1929 a 1939 logró un éxito crítico además del éxito popular (siete de los cortos ganaron el Premio de la Academia al Mejor Cortometraje de Animación). Los Sillies lo hicieron al combinar una animación inteligente con una gama de música "que abarca melodías clásicas, melodías folclóricas tradicionales, temas de ópera y canciones populares", explica el estudioso de cine JB Kaufman en Animation World Magazine, un género que dio origen a una gran cantidad de imitadores, especialmente trabajo de rivales en Warner Bros.
Las sinfonías tontas llegaron justo en el momento correcto. En las décadas de 1920 y 1930, compositores y artistas gráficos exploraban las fronteras de la animación. "Lo que todos estos experimentadores compartieron fue un interés común, de hecho una fascinación por" encontrar el "ritmo" entre la vista y el sonido en la pantalla, escribe el experto en música Jon Newsom en el Quarterly Journal de la Biblioteca del Congreso.
Ese acto de equilibrio fue tan importante en Disney HQ que la exigente sincronización de música y movimiento animado del estudio comenzó a denominarse dentro de la industria como "mickey mousing".
El organista de teatro y líder de orquesta Carl W. Stalling fue una gran parte de cómo surgió eso, diseñando una forma de permitir que sus músicos escucharan lo que sucedía en una secuencia animada a través de una ingeniosa "pista de clics". Stalling también fue quien convenció a Disney de que lo dejara marcar los Sillys antes de que fueran animados, comenzando con el primer mini musical, "The Skeleton Dance" (1929).
Un habitual en la lista de los mejores cortos animados de todos los tiempos, el Silly inaugural presentó una noche espeluznante llena de búhos, gatos negros y lunas llenas. La caricatura también se reunió alrededor de la partitura de Stalling, que Disney acordó que "tendría prioridad", escribe Tighe E. Zimmers, investigador de compositores de canciones populares.
La alquimia de la música que inspira la animación fue innovadora. No muy diferente de la canción Pinkfong "Baby Shark", que saca sus barras iniciales del tema Jaws, y se apoya en la inspiración del baile K-pop, Stalling usó la música que creía adecuada para su trabajo.
"Se basaría en su entrenamiento, saqueando toda la literatura de música clásica y popular para tejer un trasfondo sugerente a la acción de la pantalla", escribe Tebbel, algo que hizo más famoso en su carrera posterior al anotar los cortos de Merrie Melodies producidos por Warner Bros., pero también empleado en The Sillies, que incluía un rico léxico musical de extractos que iban desde "Moonlight Sonata" hasta "Row, Row, Row Your Boat" (Cartoonresearch.com tiene la lista exhaustiva de sonidos que aparecen en los Sillies, y es impresionante)
El verdadero momento "viral" para Sillies llegó con el debut de "Los tres cerditos" en el Radio City Music Hall de Nueva York el 27 de mayo de 1933.
"Recibió una respuesta pública sensacional como se mostró en los teatros de los vecindarios, convirtiéndose en la caricatura corta más fenomenal de su tiempo", escribe el investigador clásico de caricaturas Devon Baxter.
Disney había imaginado la caricatura como una opereta ligera y humorística, explica Baxter, y el diálogo fue cantado al ritmo de los cerdos antropomorfizados, que se balancean y se balancean hipnóticamente mientras trabajan contra su florete, el Big Bad Wolf. La alegre caricatura es inmensamente observable, y para los estadounidenses que capearon la Gran Depresión, su tono alegre fue justo lo que necesitaban los niños y los adultos.
La compositora Ann Ronell, de la famosa fama Tin Pan Alley, con quien Disney había colaborado anteriormente, trabajó con el compositor Frank Churchill en "Who's Afraid of the Big Bad Wolf" (que hizo lo que para la canción sigue en debate), y su resultado fue reconstruido a lo largo de la caricatura.
Sol Bourne, gerente general de Irving Berlin Music, Inc., creía que tenía un gran éxito en sus manos cuando escuchó la canción en la pantalla. "Bourne sabía que una canción individual, vinculada con una película o una caricatura, creó sinergia y ayudó a vender ambas entidades", escribe Zimmers. Posteriormente, Irving Berlin Music negoció para obtener los derechos musicales de Disney Studio.
La asociación no tenía precedentes. En una correspondencia de 1963 citada en la biografía de Zimmers sobre Ronell, el compositor explicó que "la música de fondo de dibujos animados no se tomaba en serio en esos días y nunca antes se había publicado ninguna canción de la industria del cine de dibujos animados". Pero Bourne tenía razón; Una audiencia estaba esperando.
Al igual que "Baby Shark" se mudó de YouTube a un debut en la lista, "¿Quién teme al lobo feroz?" Hizo una declaración definitiva por sí solo. La revista TIME declaró que era una de las "canciones más pegadizas" del año, y más de 201, 000 copias de partituras para ella se vendieron solo en la segunda mitad de 1933.
Antes de que 1934 comenzara, Kaufman y el estudioso de cine y medios Russell Merritt escribieron en su libro complementario Silly Symphonies, "la canción había sido ampliamente grabada y había sentado un nuevo precedente al introducir el estudio Disney en el mundo de la música popular" y— quién sabe, posiblemente incluso arrojó al amigo al agua por lo que acechaba en el fondo, una familia pegadiza de tiburones (Doo Doo Doo Doo Doo Doo).
