En 1923, cuando la Freer Gallery of Art se convirtió en el primer museo de arte en abrir en el National Mall en Washington, DC, una sala se dedicó a las acuarelas del artista estadounidense James McNeill Whistler. El museo tenía una de las mayores colecciones de obras de este tipo en el mundo. Las delicadas obras en marcos dorados de madera, a pesar de ser muy sensibles a la luz, estuvieron a la vista durante aproximadamente una década antes de que se eliminaran. Pero el tiempo había pasado factura a las obras.
Las obras de arte de la colección Freer no se pueden prestar a otros museos debido a las restricciones dictadas por la voluntad del fundador, por lo que durante más de 80 años, las delicadas gemas de acuarela de Whistler rara vez se vieron. Después de muchos estudios y conservación, la exposición actual, "Whistler in Watercolour", trae las obras una vez más al ojo público.
La delicadeza y la sutileza de las acuarelas de Whistler contrastan con una nueva exposición de Whistler más grande y llamativa en el Freer: "The Peacock Room in Blue and White", en la que la famosa obra del tamaño de una habitación está recién decorada como originalmente en 1870, con la cerámica china azul y blanca del mecenas original Frederick Leyland en Londres.
"Las dos exposiciones reflejan la amistad genuinamente transformadora que tuvo lugar entre dos hombres", dice el director del museo, Chase F. Robinson.
Azul y plata: Choppy Channel por James McNeill Whistler, ca. 1893-97 (Freer Gallery of Art) 
Verde y plata — Beaulieu, Touraine por James McNeill Whistler, 1888 (Freer Gallery of Art) 
Chelsea Children por James McNeill Whistler, ca. 1997 (Freer Gallery of Art) 
Nocturne: Canal negro y rojo de fondo, Holanda por James McNeill Whistler, 1882 (Freer Gallery of Art) 
Southend Pier de James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
La ola oceánica de James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) Cuando el industrial de Detroit Charles Lang Freer se encontró por primera vez con Whistler en su casa de Londres en 1890 para estudiar la posibilidad de coleccionar más de su arte, el pintor había estado incluyendo acuarelas en su repertorio durante una década.
"Este fue un período en la carrera de Whistler cuando necesitaba urgentemente reinventarse, tanto financiera como profesionalmente", dice Lee Glazer, ex curador de Arte Americano de Freer | Sackler, quien ahora es director del Instituto Lunder de Arte Americano en el Colby College. .
Este no fue un buen período para Whistler. En 1878, había perdido una demanda por difamación contra el crítico de arte John Ruskin, un año después de perder a su mecenas Frederick Leyland por una disputa financiera con respecto a la Sala Peacock ahora en el Freer. Para 1879, Whistler se había declarado en bancarrota.
Nacido en Lowell, Massachusetts, Whistler estudió en París y finalmente se mudó a Londres. Aprendió la técnica de la acuarela cuando era niño y ocasionalmente la usó para estudios preparatorios al principio de su carrera, dice Glazer. "Pero a pesar de la tremenda popularidad de la acuarela en el mundo del arte británico, y el último deseo de éxito de Whistler en ese mundo del arte, nunca abrazó seriamente la acuarela hasta la década de 1880".
"Whistler redescubrió la acuarela", dice Glazer, "durante una estancia en Venecia entre 1879 y 1880 y a su regreso a Londres creó en su próximo paso un número prodigioso de estas obras aparentemente sin esfuerzo, que representan todo tipo de temas".
Pink Note — The Novelette por James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) 
Violet and Amber — Tea de James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
Pink Note — Shelling Peas por James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
Southend: el yate de placer de James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
Southend: Sunset de James McNeill Whistler, 1882-84 (Freer Gallery of Art) 
St. Ives: Cornwall por James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) 
Molly Finch por James McNeill Whistler, 1883-84 (Freer Gallery of Art) En sus propios escritos, Whistler describió sus acuarelas de figuras, paisajes, interiores y nocturnos como "delicadas", "hermosas" y "portátiles". Las llamó "pequeñas cosas deliciosas" y "pequeñas bellezas increíbles", pero también "un juego maravilloso". ", Un plan para impulsar las ventas junto con pinturas al óleo y pasteles igualmente apagados en lo que Glazer llama" exposiciones individuales muy cuidadosamente orquestadas en Londres y Nueva York entre 1884 y 1889 ".
Las acuarelas, dice, "estaban destinadas a expandir su base de mercado para incluir lo que él describió como estadounidenses ricos, comprando arte. Pero también fueron, para el artista, una nueva forma de demostrar ciertos principios estéticos de vanguardia profundamente arraigados con respecto al acabado, el valor del trabajo artístico y la verosimilitud ".
También fueron una forma práctica de promover sus ideas de arte complicadas y controvertidas, transmitiendo emoción a través del tono y el color, a través de un medio más accesible.
A pesar de su gran ambición, Glazer señala que las acuarelas son "bastante pequeñas". Son muy pequeños. Ninguno de ellos es más grande que una hoja de papel para escribir, y muchos de ellos no son más grandes que una tarjeta de índice ".
Pero enmarcado en el mismo tipo de marco dorado que usaba para sus pinturas y sin más alfombrillas para distinguirlos como menores que los óleos, quería que tuvieran mayor presencia que simples bocetos.
Por primera vez en más de 100 años, la Sala Peacock aparece como lo hizo cuando James McNeill Whistler la pintó. (Galería de arte más libre) 
La encarnación londinense de la Sala Peacock se recreó con auténticos vasos chinos de los siglos XVII y XVIII en la colección del museo, junto con unas 120 piezas recién encargadas hechas en Jingdezhen, China. (Galería de arte más libre) 
La colección de Leyland de cerámica azul y blanca de la era Kangxi (1662-1722) causó furor en la Inglaterra victoriana (Freer Gallery of Art) Intentó variaciones de sus "nocturnos" nocturnos en acuarela y prestó su toque ligero a paisajes acuáticos como The Ocean Wave y Blue and Silver-Chippy Channel .
También hay paisajes, ya que el campo verde dominaba el verde y el plateado: Beaulieu, Touraine y las escenas frente al mar de St. Ives: Cornwall y Southend Pier .
Pero su vívido retrato de Molly Finch es comparable a los aceites que le encargaron. Además, las imágenes infrarrojas reflejadas tomadas en el laboratorio del Freer muestran cómo había sido reelaborado como un aceite, reduciendo el ancho de la falda violeta del sujeto.
Y si bien hubo algunas restauraciones, así como un estudio de las acuarelas, algunos de sus colores simplemente no sobrevivieron a su larga exposición décadas antes. La única evidencia del "fondo amarillo resplandeciente" en Milly Finch descrita cuando se dio a conocer por primera vez, estaba escondida en los bordes ocultos por el marco de la luz.
Light, por supuesto, también es un problema al exhibir The Peacock Room, cuyas persianas se abren solo una vez al mes, el tercer jueves, para ayudar a preservar lo que Glazer llama "no solo la obra de arte más valiosa de la colección Smithsonian, sino también la obra de arte más popular en la Galería Freer ".
El mural interior de Whistler, cuyo título completo es Harmony in Blue and Gold: The Peacock Room, se completó cuando Leyland, el propietario estaba fuera de la ciudad, para combinar su retrato La princesa de la tierra de porcelana con un pavo real decorativo gigante en la pared opuesta . También tenía la intención de mostrar mejor la colección de Leyland de cerámica azul y blanca de la era Kangxi (1662-1722) que en ese momento era la furia de la Inglaterra victoriana.
Cuando Charles Lang Freer vio la habitación en 1904, un año después de la muerte de Whistler, la habitación con su techo y paredes pintadas y su entramado de estantes dorados se había vaciado de porcelanas azules y blancas, que habían estado dispersas en la propiedad desde hacía mucho tiempo. ventas después de la muerte de Leyland en 1892. Tan coleccionista de Whistler como Freer, no estaba seguro de querer la habitación.
Glazer dice que Freer no estaba "seguro de cómo un comedor extravagante encajaba en su creciente colección de antigüedades asiáticas y lo que en ese momento eran pinturas americanas contemporáneas de vanguardia". (Había sido Whistler quien había empujado a Freer al mundo del arte asiático).
Al final, Freer compró la Habitación Peacock y la instaló en su mansión de Detroit, llenando los 187 rincones del estante con su propia colección de cerámica asiática. Y cuando la vasta colección de Freer fue donada a la nación para el primer museo de arte del Smithsonian después de su muerte en 1919, el regalo incluyó la Sala Peacock, que fue un éxito desde el momento de la primera apertura del museo en 1923.
En Washington, la Sala Peacock reflejaba los gustos y la visión de Freer, con los esmaltes monocromáticos de cerámica asiática escondidos en los estantes en lugar del Kangxi azul y blanco de Leyland, que a principios del siglo XX se consideraba "algo de un gusto victoriano a la antigua usanza". ", Dice Glazer.
Siguiendo el ejemplo de las fotografías de época de la habitación de Leyland, la encarnación de la habitación en Londres se recreó con auténticos recipientes chinos de los siglos XVII y XVIII en la colección del museo, junto con unas 120 piezas recién encargadas hechas en Jingdezhen, China. En lugar de reproducciones, las piezas encargadas reflejan la continuidad de la tradición de 1.500 años de hacer y decorar porcelana en esa región.
Whistler en acuarela: pequeños juegos encantadores
El primer estudio sistemático del sorprendente tesoro de Freer de más de 50 acuarelas por James McNeill Whistler e incluye figuras, paisajes, nocturnos e interiores. Proporcionando un contexto histórico-artístico que analiza la recepción contemporánea de las obras, así como un análisis científico riguroso de los materiales y técnicas de Whistler, este volumen ofrece una mirada innovadora a un segmento ignorado de la famosa obra del artista.
ComprarLas piezas de la colección del museo están en las paredes este y norte de la sala; Las piezas recién encargadas en el estilo Kangxi están en las paredes oeste y sur.
Como resultado, Robinson dice que los espectadores ahora pueden ver "por primera vez en más de 100 años la forma en que apareció la habitación después de que Whistler pintó el comedor".
Tomados en conjunto, Whistler en acuarela y The Peacock Room en azul y blanco ayudan a definir el ojo del fundador del museo, con los espectadores capaces de unirse a lo que Robinson llama "el viaje de un coleccionista".
"Whistler in Watercolour" continúa hasta el 6 de octubre de 2019 en la Freer Gallery of Art, en Washington, DC "The Peacock Room in Blue and White" será una exposición en curso.
