De una descripción de la impresión ahora, en 2017, suena perfectamente tradicional. Un grabado en blanco y negro sobre papel, una forma de arte que ha existido durante 500 años. Un retrato de una mujer. En el fondo, probablemente algún tipo de interior doméstico. Un título simple, American Girl .
Pero en 1974, cuando la artista Emma Amos hizo American Girl, ahora en las colecciones del Museo de Arte Americano Smithsonian, el país estaba lleno de movimientos de protesta social: por la liberación de las mujeres, por el Poder Negro, por los derechos LGBT, por los derechos de los nativos americanos. Grupos una vez silenciados exigieron ser vistos y escuchados. Los artistas apoyaron estas protestas no solo marchando y escribiendo sino a través de las artes visuales. Los artistas negros discutieron si los medios o estilos particulares promueven la justicia racial.
Romare Bearden, por ejemplo, había trabajado durante años en el collage, en parte como una forma de dar protagonismo a las imágenes de individuos negros reales. El debate se centró en si era aceptable ser un pintor abstracto o si el trabajo de los artistas negros "tenía que ser sobre la experiencia negra de alguna manera", muy probablemente al representar a las personas negras, dice Alex Mann, el conservador del museo de grabados y dibujos. . Algunos artistas en ese momento buscaron inspiración en África y buscaron crear arte para y sobre los africanos en todo el mundo. Otros hicieron trabajos abiertamente políticos o radicales, que iban desde la escultura en forma de cóctel molotov dirigido a tía Jemima hasta grabados y carteles que pedían acción.
American Girl es un trabajo más tranquilo y personal que muchos de sus tiempos. Aún así, hay innumerables formas para que un artista haga una declaración social. La propia Amós continuaría haciendo un trabajo político más abierto. Mann dice: "Algunas veces hablas en oraciones cortas, y otras usas poesía".
Amós estaba en sintonía con el movimiento de derechos civiles y el floreciente movimiento de mujeres. Nacida en 1938, creció en la ciudad natal de Martin Luther King Jr., segregada en Atlanta, donde "no habría sido bienvenida en el museo", dice Mary Ryan, copropietaria de Ryan Lee Gallery en Nueva York, que representa Amós hoy. (La propia artista ya no está disponible para entrevistas, pero algunas de sus obras desde la década de 1980 hasta la de 2010 están a la vista en la galería hasta mediados de diciembre). Poco después de que Amos se mudó a Nueva York a principios de los años 60, un grupo de destacados artistas negros formaron un colectivo llamado Spiral, para discutir las mejores formas en que su trabajo podría apoyar la causa de la justicia racial. Invitaron a Amos a unirse a ellos, como el miembro más joven del grupo, y la única mujer.
La historiadora del arte feminista Linda Nochlin, quien murió el mes pasado, escribió un artículo innovador en 1971, “¿Por qué no ha habido grandes artistas femeninas?” Sobre las barreras sociales que las mujeres encontraron para convertirse en artistas. Como mujer negra, Amos se enfrentó a esos obstáculos y más. Ella trató de encontrar trabajo enseñando arte en Nueva York, pero fue rechazada repetidamente porque, dice Mann, ella era "joven, mujer, negra". Ella sabía, dice, "que los artistas blancos y especialmente los artistas blancos no se enfrentaban a los mismos desafíos ”. Luchó por hacer oír su voz, descubriendo que las galerías rara vez exhibían pinturas de artistas negros. Sin un lugar para mostrar su trabajo, se sintió tentada a dejar de pintar por completo, y le dijo a un entrevistador: 'Estoy bloqueada por el hecho de que me quedaré atrapada con más pinturas. . . Los estoy haciendo sin razón. Nadie los ha visto nunca '”.
En 1974, cuando hizo American Girl, Amos había comenzado a separarse del grupo Spiral, cuestionándose "si los artistas negros varones mayores que la habían apoyado la estaban tomando en serio y le ofrecían toda su oportunidad", dice Mann. Unos años después, Amos se unió al colectivo de arte feminista Herejías, y más tarde se convirtió en una de las activistas anónimas del mundo del arte, las Guerrilla Girls.
American Girl es parte de una cartera llamada "Impresiones: Nuestro mundo, vol. 1 ", que hace una declaración en sí misma. Compuesto por grabados de siete artistas negros, tanto hombres como mujeres, fue producido en el Taller de Grabado, dirigido por el artista afroamericano Robert Blackburn. Fue significativo que un grupo de artistas negros organizara el proyecto ellos mismos. Muchos en ese momento habían protestado por la incapacidad de los museos de incluir el trabajo de los afroamericanos, y los artistas negros buscaban "una voz para definir el contexto en el que [su] trabajo [se mostraba]", dice Evelyn Hankins, curadora principal del Museo Smithsonian Hirshhorn y Jardín de Esculturas. Todas las impresiones en la cartera están en blanco y negro, el mismo esquema de color que Spiral había elegido, debido a su connotación racial, para la exposición del grupo en la década de 1960.
Como diría Emma Amos (arriba en 2011): "Para mí, una artista negra, entrar al estudio, es un acto político". (Becket Logan) Las elecciones de Amós también parecen reveladoras. En ese momento, retratar a cualquier figura negra, y especialmente a una mujer negra, una figura casi invisible en el histórico canon europeo-estadounidense, podría verse como un comentario social. Como para hacerla completamente visible, Amos representa a la mujer aparentemente desnuda; Ryan dice que Amos "siempre ha estado interesado en la belleza del cuerpo negro". La riqueza variable de la tinta negra en el cabello, el cuerpo y la cara de la mujer también refleja opciones. "Cada vez que pienso en el color es una declaración política", dijo una vez Amos. Como artistas, “siempre estamos hablando de color, pero los colores también son colores de piel y el término 'coloreado' en sí mismo; todo significa algo más para mí. Tienes que elegir, como artista negro, de qué color hacer tus figuras. . . caramelo, marrón o realmente negro. ”Los tonos profundos acentúan los ojos pálidos y cautelosos de la mujer y la línea blanca que la separa de su entorno. Para Hankins, ella se ve "separada o aislada del mundo, tal vez cuestionando su lugar en el mundo".
El tema del trabajo de Amos puede parecer personal, incluso íntimo, pero en 1974 frases como "Lo personal es político" y "El negro es hermoso" fueron los gritos de protesta de los movimientos de protesta. Hubiera sido difícil ver un trabajo como este sin leer algún mensaje. Kelli Morgan, curadora de la Academia de Bellas Artes de Pensilvania, que estudió las obras posteriores de Amos, ve a American Girl como "una representación de una mujer negra como la base de la sociedad estadounidense". Y agrega: "Como historiadora, leí como una declaración sociopolítica ". Como diría la propia Amos algunos años después:" Para mí, una artista negra, entrar al estudio, es un acto político ".
Y luego está el título de la obra, American Girl . ¿Qué significa llamar a esta mujer niña? En 1974, la liberación de las mujeres estaba en el aire, y las feministas argumentaron que la palabra "niña" era denigrante. En cuanto a los "estadounidenses", los artistas negros habían estado deconstruyendo su significado durante algún tiempo. En respuesta a la violencia de finales de los años 60, Faith Ringgold había pintado una bandera con las palabras "Die N *****" ocultas en sus estrellas y rayas. En 1964, Lois Mailou Jones había abordado las relaciones raciales con Challenge: América, un collage que representa a héroes negros, presidentes de EE. UU., Recortes de noticias y la palabra "América" que los atraviesa como un hilo. En American Girl de Amos, Morgan ve ecos de una bandera estadounidense en el patrón de rayas verticales y manchas blancas en un suelo oscuro.
Entonces y ahora, dice Hankins, trabajos como estos plantean "la cuestión de lo que significa ser estadounidense".
Ella agrega: "Es una pregunta con la que parece que estamos luchando mucho".
American Girl actualmente no está a la vista. La exposición de Ryan Lee Gallery "Emma Amos: Black Bodies" estará en exhibición hasta el 16 de diciembre de 2017 en 515 West 26th Street, Nueva York, Nueva York.
