Ellsworth Kelly, considerado uno de los grandes artistas estadounidenses del siglo XX por su trabajo pionero en pintura y escultura minimalista, murió el domingo en su casa de Spencertown, Nueva York, a la edad de 92 años. Reconocido por su vívido uso de bloques geométricos y Colores intensos, Kelly construyó durante siete décadas una reputación de abstracción colorida y obras que exploraron la esencia de sus temas.
Sus primeras obras de arte fueron creadas al servicio de los Estados Unidos, como parte de una unidad especial de camuflaje en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. Kelly y sus compañeros artistas-soldados tuvieron la tarea de engañar a los alemanes, usando caucho y madera para construir tanques y camiones falsos, para que pensaran que las multitudes de tropas aliadas en el campo de batalla eran mucho más grandes que la realidad. Si bien esto parece un entrenamiento temprano no convencional para un artista, resultó adecuado para Kelly.
"Pudo comprender que existían estas realidades que para la mayoría de nosotros estamos camuflados", dice Virginia Mecklenburg, curadora en jefe del Museo de Arte Americano Smithsonian. “Evocaba esas realidades: una sensación distinta de la gravedad, o la física del peso y el impulso que rara vez pensamos en términos tangibles. Fue capaz de transmitir eso ".
Después de su servicio, Kelly se matriculó en la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston y regresó a París en 1948, absorbiendo una variedad de influencias, incluidas Picasso y Matisse, arte asiático e iglesias románicas. Regresó a los Estados Unidos y presentó su primera exposición individual en 1956. Tres años después, el trabajo de Kelly fue incluido en la exposición de 16 estadounidenses del Museo de Arte Moderno (MoMA). Sus obras abstractas geométricas, junto con las de otros pintores estadounidenses, incluidos Ad Reinhardt y Brice Marden, fueron calificadas de "pintura dura" por el historiador de arte Jules Langsner en 1959.
A lo largo de la década de 1960, forjó su propio nicho separado del mundo del arte de Nueva York y París. Mecklenburg dice que lo que ella encuentra notable de su trabajo es la forma en que redujo la arquitectura, las imágenes y otras imágenes que vio en el mundo y en el arte, convirtiéndolas en abstracciones directas y viscerales. Usando colores básicos (azul, verde, blanco, negro) y lienzos individuales (que luego se trasladaron a lienzos y esculturas múltiples), creó declaraciones que eran "menos descriptivas que evocadoras", como ella dice.
"Toman tiempo para mirar, pero una vez que das un paso atrás, te das cuenta de que estás mirando algo que has visto una y otra vez", dice Mecklenburg, que da el ejemplo de la pintura de 1961 "Azul sobre blanco" que se exhibió en la revista estadounidense. Museo de Arte, que según ella evoca una hoja desplegada. "De repente, comienzas a comprender que si disocias las ideas narrativas, cuán fuerte es el impulso visual en cada ser humano".
Ellsworth Kelly, "Azul sobre blanco", 1969 (Smithsonian American Art Museum) Se presentó en la Bienal de Venecia en 1966 (y se presentaría en tres más en los años siguientes), tuvo su primera retrospectiva estadounidense en el MoMA en 1973 y su primera gran retrospectiva europea en el Museo Stedelijk de Amsterdam seis años después.
"Ellsworth Kelly hizo la transición de la abstracción geométrica de la posguerra al movimiento minimalista que comenzó a principios de la década de 1970", dice Valerie Fletcher, curadora principal en el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn, que posee 22 de las obras de Kelly, incluyendo "White Relief over Dark Blue ”Desde 2002, a la vista en el tercer piso del museo, y una escultura sin título de 1986 exhibida en el jardín. "Si miras sus pinturas en comparación con otras de su generación, son mucho más simples".
Algunas de estas obras adquieren una calidad "totémica", como lo describe Mecklenburg, señalando a "Memorial", su escultura mural de cuatro paneles blancos en el Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos. "¿Cómo se habla de algo de esa magnitud?", Pregunta ella. "Hay un millón de palabras o no hay palabras, y él no eligió palabras".
Su enfoque simple y geométrico tuvo un impacto en la próxima generación de minimalistas, Frank Stella, Donald Judd y otros, con obras que exploraron la esencia de las ideas o emociones de manera tangible y táctil.
"Tuvo un gran impacto en el mundo del arte, pero el trabajo habla de manera visceral a quien lo mire", agrega Mecklenburg. “Tengo que decir que hay una sensación de alegría y energía en gran parte de su trabajo. Vuelves al centro cuando lo miras ”.
