Art to wear ocupa un lugar único en el universo creativo. A caballo entre la moda, la artesanía y el arte, esta clasificación híbrida ha buscado históricamente elevar el vestido por encima de su papel práctico. Desde los prerrafaelitas de la década de 1890 hasta los metalúrgicos surrealistas de la década de 1930 hasta los ecodiseñadores de la actualidad, estos artesanos reconocen que la ropa que usamos representa ideas y opiniones.
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Erte: Arte para vestir: la joyería completa
ComprarA menudo conectados a los preceptos del surrealismo o Dada, estos artistas comenzaron a experimentar con las formas, patrones y materiales de joyas y ropa. De hecho, el surrealismo como movimiento ganó el aprecio popular de sus incursiones en la moda.
En la cúspide de esta fusión de arte vanguardista y alta costura, una reconocida diseñadora italiana llamada Elsa Schiaparelli colaboró con luminarias surrealistas como Jean Cocteau y Salvador Dalí. Con Dali, Schiaparelli creó una de sus prendas más llamativas: el vestido Lobster, un vestido de organza de seda color crema acentuado con crin sintética creada por Schiarparelli, que Dali luego adornó con una gran langosta moteada de perejil.
También llamado movimiento artesanal, e incluye arte de fibra, artesanías de cuero, joyas de todos los materiales y cualquier cosa imaginable para adornarse, el movimiento artístico portátil no se identificó como tal hasta la década de 1960. Sin embargo, muchos reconocen que los artistas y joyeros modernistas que crearon entre 1920 y 1950 se encuentran entre los primeros productores de artesanías.
Esta semana, las obras de 50 artistas que venden de todo, desde joyas, ropa, bufandas y bolsos de mano, se exhiben en el evento anual de recaudación de fondos Craft2Wear de la Institución Smithsonian en el National Building Museum en Washington, DC. Las ganancias del espectáculo, producido por el Comité Smithsonian de Mujeres, apoyan becas y donaciones para investigación en la Institución.
Tres artistas, Starr Hagenbring, Susan Sanders y Kathleen Nowak Tucci, que trabajan en una variedad de materiales físicos y con décadas de experiencia en diseño, estarán entre los que ofrecerán artículos a la venta en el evento. Su arte ha aparecido en todo el mundo, desde una portada de Vogue Italia hasta la solapa de Margaret Thatcher en la televisión abierta.
Unir a estos tres artistas y el espectáculo Crafts2Wear es un interés permanente en combinar arte y materiales altos y bajos, de acuerdo con la misión disruptiva del Movimiento de Arte Usable con conciencia ambiental de los años 60 y 70.
Hagenbring transforma errores ampliamente vilipendiados en tapices complejos e iridiscentes, convirtiendo "lo feo en hermoso". Tucci se deleita en crear "algo de valor excepcional de algo que habría terminado en nuestros vertederos". Y Sanders, elaborando sobre la yuxtaposición entre lo alto y materiales bajos, funciona en una plataforma ultra-tecnológica (impresión 3D) con materiales industriales de bajo costo, encontrando arte donde no se puede esperar.
Starr Hagenbring: la belleza de los insectos
Hagenbring, con sede en Nueva York, continúa la tradición del arte en fibra pintada de Dali y Schiaparelli, utilizando tela como lienzo, entrelazando hilos de colores y aplicando pinturas brillantes y opalescentes para crear cuadros llamativos. Su arte, que se puede ver y comprar en su tienda Art & Eyes de Nueva Orleans, aborda numerosos temas: siluetas clásicas y exóticas, diseños abstractos y, más recientemente, insectos realistas y abstractos.
Su creatividad proviene del deseo de superar las aversiones personales.
Cuando era niña, las arañas la aterraron hasta que ella se desafió a sí misma a involucrarse profundamente en su mundo. Encontró su intrincada belleza. Y la experiencia estimuló una fascinación de por vida.
Hace unos 25 años, mientras visitaba Birmania, Hagenbring se encontró con una pared de cochera, cubierta casi por completo con insectos de múltiples tipos y tamaños. Era como ella recuerda, "una exhibición de insectos de la Institución Smithsonian". Demasiada sorprendida de estar disgustada, en cambio examinó la "exhibición" y descubrió una diversidad de tamaños, formas de alas, patrones geométricos, voladizos ocultos y belleza en general. Ahora, la multiplicidad y fuerza de estas criaturas infunde gran parte de su arte ponible.
Los insectos han inspirado la creación de objetos de arte durante siglos, desde las máscaras africanas tradicionales hasta las pinturas cubistas de Picasso, una herencia que reconoce Hagenbring. Al centrarse en su belleza inesperada y no rehuir los detalles grandes y de aspecto realista, Hagenbring dice que ha superado el "factor nuevo" que muchas personas asocian con los errores. Su objetivo es atraer a las personas a encontrar la belleza inesperada e informa un deseo más amplio de alentar a las personas a que, como ella dice enfáticamente: “Detente, detente, detente. Mira lo que tenemos a nuestro alrededor.
Kathleen Nowak Tucci: estética ecológica
En las décadas de 1960 y 1970, el recientemente llamado Movimiento de Arte Usable también abrazó la conciencia ambiental como parte de su misión, enfatizando las texturas y las cualidades de los materiales naturales y sostenibles. Los miembros de la comunidad naciente fusionaron la estética con la función, buscando interrumpir las clasificaciones o jerarquías tradicionales dentro de las comunidades artísticas que elevan el arte "fino" por encima de las artesanías utilizables. El énfasis en el trabajo textil —que previamente fue desestimado por la legión de grandes artistas como “trabajo de mujeres” - coincidió con el creciente movimiento de liberación de las mujeres.
De manera similar, imbuida de moneda política, el trabajo reciente de Kathleen Nowak Tucci se conecta con las crecientes preocupaciones mundiales sobre la destrucción ecológica, el desperdicio y la contaminación, y extiende el interés tradicional de los artistas ponibles en materiales "bajos" o extraños a tubos de bicicleta desechados, cables de freno de acero desechados y utiliza cápsulas de café Nespresso. Sus joyas recicladas comenzaron con tubos internos "liberados" de los contenedores de polvo de los talleres de reparación de bicicletas.
Mientras se sorprendió por la cantidad de desperdicios humanos que encuentra, recogiendo desechos de las tiendas de bicicletas y motocicletas Harley-Davidson en Pensacola, Florida, Tucci inicialmente se sintió atraída por trabajar con caucho porque los "materiales son fabulosos". Las propiedades maleables del caucho y Las cualidades protectoras del acero crean un aspecto vanguardista que recuerda a la cota de malla medieval, pero mucho más ponible.
En 2010, Vogue Italia presentó las joyas de Tucci en la portada de un problema que informaba sobre el reciente derrame de petróleo de BP en el Golfo. Al ser testigo de las piscinas grasientas que manchan el agua, Tucci agradeció poder materializar un mensaje de resistencia y la esperanza de la resurrección a través de sus adornos recuperados. Poco tiempo después, Tucci vio una caja de cápsulas Nespresso de color caramelo en la oficina de su diseñador gráfico y comenzó a complementar el negro mate de los tubos interiores con los brillantes tonos de joya de aluminio anodizado rescatado de los botes de basura de la oficina. Finalmente, se dio cuenta de que las cápsulas de Nespresso contenían las suyas y crearon piezas independientes ferozmente brillantes. En mayo de 2015, Tucci ganó el Premio de Diseño Saul Bell en Materiales Alternativos, una categoría que incluye cualquier material que no sea un metal precioso. ¿Siguiente para el eco-diseñador? A Tucci le encantaría ver una pieza de declaración reciclada caminando por la alfombra roja de Hollywood en un evento importante (Maggie Gyllenhaal o Tilda Swinton podrían llevarlo maravillosamente).
Susan Sanders: impresión 3D de su obra cautivadora
En la década de 1980, el arte ponible reflejaba la estética pop y los materiales artificiales populares en ese momento. Los estilos gráficos y el trabajo de aplicaciones planas enfatizaban las imágenes de superficie. En el siglo XXI, los creadores de art-to-wear han seguido experimentando con técnicas y materiales, incluida la impresión 3D más reciente. Susan Sanders, originaria de Washington DC, comenzó su incursión en el medio hace unos años después de pasar años perfeccionando su estética en múltiples materiales, incluidos plata, oro, seda, microfibra y piedra. Su trabajo ha aparecido en galerías de todo el mundo y se ha vendido a un amplio espectro de clientes.
Hace años, cuando Sanders estaba haciendo grandes broches de insectos completamente articulados con metales preciosos, produjo un mosquito particularmente grande y llamativo. No mucho después de que la tienda del museo en Whitney en Nueva York vendiera la creación, la secretaria de Estado de los Estados Unidos, Madeleine Albright, apareció en televisión vistiéndola. El pin también aparece en el libro de Albright, Read My Pins: Stories from a Diplomat's Jewel Box , y como parte de una exposición itinerante, que llegó a la Institución Smithsonian en 2010.
Sanders ha utilizado tantos materiales dispares a lo largo de sus 42 años de carrera, durante todo lo cual ha trabajado en Alexandria, la fábrica de torpedos de Virginia, porque le gusta refrescar periódicamente su percepción artística. Entonces, cuando vio por primera vez joyas impresas en 3D hace unos años, su interés se despertó. Después de un curso de software de colegio comunitario, un taller de fin de semana, innumerables videos instructivos de YouTube e incluso más conjeturas y experimentos, Sanders comenzó a producir sus propias joyas impresas en 3D, al principio en negro mate, y luego pintadas a mano en tonos brillantes mejorando el muchos ángulos entrelazados de su cautivadora obra. Sanders, que tiene una licenciatura en diseño industrial de Carnegie-Mellon, dice que su "gusto se inclina hacia las formas geométricas" y el proceso abstracto de formulación de sus diseños se siente como si hubiera "vuelto a casa".
Sus diseños 3D están creados en una sola pieza, pero a menudo tienen muchas partes móviles: juntas invisibles, bisagras y bolas curiosamente enjauladas. El plástico de nylon liviano utilizado en el proceso de impresión hace posible que Sanders cree piezas más grandes que todavía son muy ponibles y asequibles. El costo relativamente bajo del proceso le permite llegar a una audiencia de compra más amplia, un cambio agradable de trabajar con metales preciosos.
Las tres mujeres están de acuerdo en que los clientes que usan sus productos deben ser dueños de sí mismos, deben estar dispuestos a ser vistos. El vestido, ya sea pantalones de chándal o un abrigo cubierto de escarabajos brillantemente ilustrado, es performativo. Lo que usamos es el vínculo siempre fascinante entre nuestro ser privado y la percepción del público. Los artistas de este año en Craft2Wear ofrecen innumerables formas de cerrar esa brecha con humor, estilo e individualidad.
El espectáculo Smithsonian Craft2Wear 2015 se llevará a cabo del 1 al 3 de octubre en el National Building Museum en Washington, DC. El espectáculo se abre el jueves 1 de octubre con el Advance Chance Party & Fashion Show de 5:30 a 9 pm Los boletos cuestan $ 75 y deben Ser comprado por adelantado. La entrada diaria para los viernes de 10 a.m. a 8 p.m. y los sábados de 10 a.m. a 5 p.m. es de $ 10 (solo en efectivo), pagadera en la puerta. El 2 de octubre, de 5:30 a 8 pm, la Hora Feliz Artística (5:30 a 8 pm) brindará a los compradores la oportunidad de brindar por la habilidad de los artistas y celebrar el apoyo de larga data del Comité Smithsonian de Mujeres a la ciencia y las artes. . Los boletos para la rifa de un par de aretes de mica y perlas negras donados por el artista Keith Lewis y un bolso de malla de pavo real donado por los artistas artesanales Bozenna y Lukasz Bogucki se pueden comprar por $ 5 cada uno o cinco por $ 20 cada día del espectáculo.
