Una de las exposiciones más provocativas en los Estados Unidos en este momento fue organizada por una institución que está un poco fuera de lo común: el Museo de Arte Agrario Bone Creek en David City, Nebraska. David City fue el lugar de nacimiento del pintor regionalista Dale Nichols (1904-1995), y el Museo de Arte Agrario fue fundado hace poco más de tres años cuando adquirió cuatro pinturas suyas; Todavía no es una institución acreditada por la AAM. Este año, el museo lanzó una gran retrospectiva del trabajo de Dale Nichols, completa con un catálogo de libros bien ilustrado escrito por Amanda Mobley Guenther.
El espectáculo se trasladó al Museo de Arte de Georgia en Atenas, y el 17 de marzo se traslada al Museo de Bellas Artes de Montgomery (Alabama).
Es impresionante que una comunidad tan pequeña haya producido una ambiciosa exposición y un libro de esta escala, aproximadamente a la par de los producidos por los museos más grandes de Estados Unidos. Más que eso, el programa muestra la virtud de traer nuevos puntos de vista al discurso de la historia del arte, porque aparentemente sin intención de hacerlo, con aparente falta de arte, el catálogo explota la mayor parte de lo que nos han contado sobre el arte regionalista estadounidense de la década de 1930 y muestra que deberíamos echar un vistazo a lo que realmente estaba sucediendo.
Dale Nichols operaba en una zona que estaba a medio camino entre el "alto arte" del tipo exhibido en prestigiosos museos y arte de calendario e ilustración comercial. Él mismo vio su trabajo y su vocación bajo una luz extremadamente elevada. Le gustaba pensar en sí mismo como a la altura de los grandes maestros antiguos, como Caravaggio, y también creía que tenía ideas especiales sobre el funcionamiento del universo y, por lo tanto, era algo así como un profeta o vidente. Pero Nichols también trabajó regularmente en la esfera del arte comercial práctico, haciendo letras y anuncios, y diseñando empaques. Sus pinturas fueron reproducidas regularmente con fines publicitarios en latas, platos y naipes, por compañías como General Mills. En 1942, una de sus escenas de invierno fue utilizada incluso para un sello postal de los Estados Unidos. Debido a sus estrechos vínculos con el mundo comercial, algunos críticos de arte describirían su trabajo como kitsch.
Si bien pintó algunos otros temas, Nichols es mejor conocido por solo uno, que pintó en permutaciones aparentemente interminables: un granero rojo descansando en un campo nevado contra un cielo intensamente azul, con un primer plano que contiene figuras dedicadas a tareas agrarias tradicionales, muy a menudo con una figura en trineo o carreta. Es el tipo de imágenes que uno encuentra en la obra del pintor estadounidense del siglo XIX, George Henry Durie (1820-1863), aunque Dale Nichols manejó el tema con una claridad de luz y una simplicidad de formas geométricas que son más a la manera de Rockwell Kent (1882-1971), y tiene un claro sentimiento Art Deco.
La reputación de Nichols alcanzó su apogeo bastante temprano en su carrera, en la década de 1930, la última década, cuando las imágenes populares de este tipo también contaron con el apoyo de importantes críticos de arte y museos. Entonces su reputación comenzó a descender. Pero recientemente sus pinturas han experimentado una especie de renacimiento, si no entre los historiadores del arte, al menos entre los coleccionistas, que han comenzado a pagar grandes sumas por su trabajo.
Hijo de un granjero, Nichols realizaba tareas domésticas descomunales cuando era niño y caminaba dos millas hasta la escuela. No sabemos cómo decidió convertirse en artista, pero a la edad de 20 años había aterrizado en Chicago, donde asistió a la Academia de Arte de Chicago. Al igual que muchos artistas, no fue fácil de enseñar, y su carrera como estudiante duró solo dos meses, aunque para cuando terminó había reunido una cartera de su trabajo y consiguió un trabajo en una agencia de publicidad, donde su especialidad inicial era letras finas Durante sus 15 años en el negocio de publicidad de Chicago, parece haber trabajado en todos los ángulos posibles del comercio, desde letras e ilustraciones hasta diseño de paquetes.
Alrededor de 1933 decidió emprender una carrera como pintor, y casi instantáneamente se decidió por el tema del granero rojo. De hecho, había estado pintando durante menos de un año cuando produjo lo que sigue siendo su obra de arte más conocida, End of the Hunt, 1934, que ganó un premio del Instituto de Arte de Chicago y que fue comprado en 1939 por el Metropolitan Museum of Art en Nueva York, entonces como ahora el museo más importante de los Estados Unidos, donde permanece hoy.
Dale Nichols, The Last Load, 1966 óleo sobre lienzo, 24 x 29 3/4, Arkansas Art Center Foundation Collection: Gift of Mr. and Mrs. Carl A. McGrew, 1979.79.037. (Imagen cortesía del Museo de Arte de Georgia) Durante algunos años, Nichols fue visto como uno de los pintores más importantes de Estados Unidos, una figura importante del movimiento regionalista: en 1939, un decano de la Universidad de Illinois declaró que "ya había alcanzado una posición en los círculos artísticos comparables con eso". de John Steuart Curry, Grant Wood y Thomas Benton ”. Pero la carrera de Nichols comenzó a decaer en ese punto, en parte porque el regionalismo comenzó a caer en desgracia, y en parte porque las dificultades de su vida personal le hicieron difícil establecerse: en el transcurso de su carrera tuvo cinco matrimonios, algunos de ellos tan breves sobre su fecha exacta y se desconoce el nombre completo de su pareja.
En la década de 1930, su centro de actividad era Chicago, pero en 1940 se mudó a Arizona, donde adoptó una personalidad de vaquero y se apoyó como profesor de arte. En 1948, compró aproximadamente la mitad de los edificios en la ciudad de Tubac, Arizona, para usarlos como campus de una escuela de arte que se nombró a sí mismo, pero esto extendió sus recursos y la empresa duró solo un año. A lo largo de la década de 1950 parece haber estado en constantes dificultades financieras, y se convirtió en un vagabundo itinerante, mudándose de Brownsville, Texas, a Nueva Orleans, a Marquette, Michigan, de regreso a Nueva Orleans, y finalmente a Biloxi, donde vivió hasta la década de 1960., en un momento, hizo su hogar en un pequeño yate llamado Nefertiti que albergaba a lo largo del río Wolf. Sin embargo, de alguna manera, no importa cuán desanimado pueda ser, nunca perdió su aspecto inmaculado o su seguridad en sí mismo. Las fotografías de él posando junto a su bote podrían confundirse con ilustraciones de moda.
En 1960 se mudó a Guatemala, se casó con una mujer nativa y se mantuvo en gran parte haciendo calcos y dibujos de esculturas mayas, que vendió tanto a turistas como a museos de arqueología estadounidenses. Durante este período fundó una nueva especialidad intelectual, a la que llamó Arqueología de Investigación Psico-Simbólica, y escribió libros con títulos como Texto de la Pirámide de los Antiguos Mayas y Magnífico Misterio Tikal . Estos exponían su creencia de que había descubierto el código secreto de la escritura y el arte mayas antiguos: una especie de astrología basada en el número nueve, el día del nacimiento y la posición del sol y otras estrellas y planetas. Propuso que se aplicaría también a la vida moderna, y creó diagramas sorprendentes para ayudar a los usuarios modernos de su sistema. No es un documento que los estudiosos mayas se tomen en serio.
Después de que un terremoto en Guatemala interrumpió la vida allí, volvió a ser móvil. En sus últimos años se separó de su esposa y se mudó repetidamente entre California, Alaska y Nevada, donde intentó comenzar una escuela de arte. Al final de su vida sufría de la enfermedad de Alzheimer; Murió de cáncer de próstata en 1997 en Sedona, Arizona.
En el curso de estos movimientos, Nichols recurrió a la región donde vivía en ese momento. En Arizona pintó escenas del suroeste; en Guatemala pintó escenas de la selva tropical. Pero a lo largo de su vida continuó pintando escenas de graneros rojos en la nieve en un entorno similar a Nebraska, e insistió ferozmente en que él era el artista principal de Nebraska, una afirmación que a menudo lo puso en conflicto con otros artistas. Sus últimas escenas de granero, ejecutadas en la década de 1960, o incluso más tarde, son casi indistinguibles de la primera, pintada en 1934.
En gran medida, sus ideas sobre el arte se formaron mientras trabajaba en imprentas y agencias de publicidad en Chicago. En particular, trabajó durante un tiempo para el impresor y editor RR Donnelly, que en 1930 publicó lo que a veces se ha descrito como el mejor libro ilustrado estadounidense: la edición de Rockwell Kent de Moby Dick de Herman Melville. Para su crédito, Nichols parece haber reconocido que el trabajo de Kent tenía una fuerza y nobleza que sobresalía por encima de todo lo que se producía a su alrededor. Aunque a veces responde a otras influencias (como el trabajo de otro ilustrador muy talentoso, Maynard Dixon), en gran medida Nichols modeló todo lo que hizo después sobre el estilo de Kent. De hecho, en el verano de 1937, Nichols incluso hizo un viaje a Alaska en emulación de Kent, que había pasado un año allí en 1918-19. Los rasgos más notables del trabajo de Nichols: las líneas limpias, el claro sentido de la luz y la oscuridad, el maravilloso sentido del diseño y la proporción, se basan en Kent.
Durante décadas, el regionalismo ha sido desestimado como un modo documental esencialmente realista de creación de arte, que en consecuencia carece de cualquier contenido expresivo o estético significativo. Para citar frases que se usan con frecuencia, es "simple realismo" o "realismo convencional".
En su catálogo, Guenther muestra que esta suposición es completamente incorrecta según se aplica al arte de Dale Nichols. En realidad, el propio Nichols vio su arte bajo una luz completamente diferente. En una carta a su sobrina Ruth (la hija de su hermano Floyd) declaró: "Demonios, Ruth, nunca he pintado una pintura realista en mi vida". Nichols atribuyó el poder de su arte a lo que llamó "psicología aplicada . ”Lo que quiso decir con esto a veces es difícil de entender, pero hablando en términos generales parece haber significado que vio sus pinturas como“ simbólicas ”. Su objetivo era crear formas llenas de simbolismo que se conectaran con las verdades más profundas de los humanos. existencia, ya sea el funcionamiento del universo o los misterios internos del inconsciente freudiano.
Las pinturas de Nichols no eran copias de ninguna escena real. Comenzó con un conjunto de elementos geométricos, que se movió como si fueran bloques de niños hasta que encontró el arreglo formal que lo satisfizo. Como explicó, en su forma idiosincrásica, que a veces toma más de una lectura para comprender:
Primero compongo mi pintura en una disposición euforizante de hedrones rectángulos, tetraedros y esferoides, luego relevo el efecto estático resultante mediante una línea opuesta, agregando texturas, abstracciones simbólicas y ciertas fragmentaciones (siguiendo interpretaciones freudianas) en colores que se relacionan con el estado de ánimo preconcebido.
La palabra "rect-hedron", por supuesto, es una moneda de Nichols. Por cierto, la cita anterior y los bloques de citas que siguen, todos provienen del excelente catálogo de Guenther, una de cuyas mejores características es que, a su vez, cita extensivamente y directamente de los escritos de Nichols.
Luego, para Nichols, después de esta composición de formas, vino la colocación de una fuente de luz, generalmente el sol. El centro de su sistema de creencias era la devoción a "nuestra galaxia de estrellas (de la cual nuestro sol es uno" que "forma el océano cósmico de energía radiante en la tierra". Creía que el poder unificador de la luz era lo que llenaba sus pinturas de armonía y verdad espiritual.
Dale Nichols, Platte Valley Summer, 1969 óleo sobre lienzo, 30 x 40, Central Community College, Columbus, NE. (Imagen cortesía del Museo de Arte de Georgia) Por supuesto, eventualmente transformó sus composiciones geométricas en escenas que parecían graneros rojos y otros objetos. Pero cuando transformó sus bloques geométricos en objetos "realistas", trató de pintarlos de manera abstracta, de una manera que expresara su realidad interna, su esencia espiritual. Así, por ejemplo, cuando pintó un árbol trató de expresar la forma en que crece. Y luego trató de ir aún más lejos. Intentó conectarse con los niveles más profundos del cerebro humano. Como explicó en una carta a su sobrina:
Ahora, ¿qué más puede hacer el árbol? Bueno, puede ser forzado a lo que se llama una forma freudiana para tocar un "botón" en el cerebro y hacernos sentir nuevamente el calor y la seguridad de la madre: esta libertad extra tomada en forma de cualquier cosa se llama poesía.
De hecho, la belleza para Nichols era fundamentalmente un atributo del deseo. Le gustaba citar al místico judío del siglo XVII, Baruch Spinoza: "No deseamos nada porque sea hermoso, pero se llama hermoso si lo deseamos". Y para comprender el deseo, Nichols recurrió a un campo de conocimiento que estaba en fermento activo en este período, la psicología freudiana, con su enfoque en el inconsciente, el subconsciente y el deseo sexual.
El interés de Nichols en la psicología parece haber sido consecuencia de su participación en la publicidad. Fue en este período que los anunciantes se dieron cuenta por primera vez de que los mensajes subliminales y subconscientes podían desempeñar un papel importante en la estimulación de las ventas, en particular los mensajes con contenido sexual. Nichols creía que respondíamos simbólicamente a cada objeto, que lo veíamos en términos de metáforas y en términos de las proyecciones de nuestro deseo. El artista hábil debería explotar este hecho. Así:
Por ejemplo, la montaña es la forma más dramática encontrada por el hombre. El hombre admira este montón de rocas y siente su poder abrumador. Es consciente de su grandeza sobre sí mismo. Se convierte en un símbolo de fuerza y estabilidad. La forma básica de una montaña es triangular. Construir los elementos de una imagen en un triángulo es poner en la pintura la impresionante fuerza y estabilidad de la montaña.
Visto a esta luz, una pintura de Nichols es la expresión simbólica del deseo humano y de la relación del hombre con las fuerzas cósmicas de la naturaleza. Para Nichols, su Fin de la caza de 1934 no fue una pintura de graneros y campos nevados, sino una exploración de la unión mística de la esencia masculina y femenina:
Los cimientos del edificio están a la altura de los ojos para el efecto catedral. Las curvas femeninas en los bancos de nieve y otros símbolos femeninos, especialmente en las pistas y las líneas suaves de nieve en los techos y las formas generales de los árboles, en los árboles (los edificios, por supuesto, también son femeninos) dan el encanto del atractivo femenino, que es la fuerza De mujer. También le da a la imagen un sentimiento gentil de madre. Las líneas verticales del hombre y su conejo, incluidos los troncos de los árboles, son la fuerza de los hombres, que es la teoría de Havelock Ellis, psicólogo inglés (estudia la psicología del sexo). Otros símbolos de género mencionados son freudianos. También la gente tiende a disfrutar de las excavaciones, así que seleccioné una granja con un hueco cerca del granero.
Por supuesto, Nichols puede haber estado equivocado en su comprensión de su arte y de las razones por las que tuvo un atractivo popular. Pero, de nuevo, ¿podría ser que el extraño atractivo de una pintura de Nichols se encuentre en este nivel de expresión más profundo?
Independientemente de lo que uno piense de su arte, los impulsos que lo llevaron a hacer una pintura son claramente muy diferentes de los que llevaron a los pintores a crear "mero realismo": son algo mucho más extraño. Y esto plantea la gran pregunta de si el regionalismo como movimiento, el arte de figuras como Thomas Hart Benton y Grant Wood, puede ser descartado con precisión como "mero realismo", o si también es algo más complicado y peculiar.
