El granero negro en la pintura de la luna llena de enero de George Ault es una estructura simple, unida por líneas simples. Sin embargo, sus huesos angulares le dan una presencia dominante. El granero se destaca, sus paredes plantadas de nieve iluminada por la luna y su pico mirando hacia un cielo azul profundo. Es audaz y musculoso, y como dice el profesor de historia del arte de la Universidad de Yale, Alexander Nemerov, un granero con una "B" mayúscula, el granero de todos los graneros.
Un artista estadounidense poco conocido, George Ault tenía la habilidad en su pintura de tomar lugares específicos en Woodstock, Nueva York, donde vivió desde 1937 hasta su muerte en 1948, y hacer que parecieran universales. Nemerov dice que lugares como Rick's Barn, que Ault transmitió en caminatas con su esposa, Louise, y Russell's Corners, una intersección solitaria a las afueras de la ciudad, tenían algo de "poder místico" para el artista. Se obsesionó con ellos, pintando las Esquinas de Russell cinco veces en la década de 1940, en diferentes estaciones y momentos del día, como si contuvieran alguna verdad universal que se revelaría si él y los espectadores de sus pinturas meditaran en ellas lo suficiente.
Después de estudiar minuciosamente sus escenas, Ault se retiraba a un estudio ordenado para pintar. Como muestra su autorretrato de 1946, The Artist at Work, trabajó con el codo de su brazo de pintura descansando en la copa de su otra mano, que se balanceaba sobre sus piernas cruzadas. Era metódico y meticuloso, a menudo considerado parte del movimiento de Precisión posterior a la Primera Guerra Mundial. Con su mano firme, podía estar seguro de que todos los aviones, tablillas y cables telefónicos eran así. "Siempre existe esta sensación de dar forma, ordenar y estructurar como si su vida dependiera de ello", dice Nemerov.
Cuando tienes en cuenta la vida tumultuosa de Ault, tal vez lo hizo. Después de asistir a la University College School, la Slade School of Fine Art y la St. John's Wood Art School, todas en Londres, a principios de 1900, el nativo de Cleveland regresó a los Estados Unidos donde sufrió una serie de tragedias personales. En 1915, uno de sus hermanos se suicidó. En 1920, su madre murió en un hospital psiquiátrico. Y en 1929, su padre murió. El colapso del mercado de valores dio un duro golpe a la fortuna de su familia, y sus otros dos hermanos se quitaron la vida poco después. Lamentando sus pérdidas, el artista dejó Manhattan con Louise, con quien se casó en 1941, para ir a Woodstock, donde vivió hasta diciembre de 1948, cuando también se suicidó, ahogándose en un arroyo cerca de su casa. Como Louise dijo una vez, el arte de Ault fue un intento de hacer "el orden del caos".
Ault no recibió mucho reconocimiento durante su vida, en parte debido a su aislamiento y actitud hostil hacia los posibles compradores. Pero Louise trabajó incansablemente para promover el trabajo de su esposo después de su muerte. De las pinturas de Ault de Woodstock de la década de 1940, ella escribió una vez: "Creí que había ido más allá de sí mismo".
Nemerov, curador invitado de la exposición, "To Make a World: George Ault and 1940s America", en el Smithsonian American Art Museum hasta el 5 de septiembre, está de acuerdo. Él ve a Ault haber pintado escenas claras y tranquilas en un intento desesperado por controlar el caos confuso no solo en su vida personal sino también en el mundo en general, al borde de la Segunda Guerra Mundial. Escrito en la pared de la galería a la entrada de la exposición está la declaración: "Si el mundo era incierto, al menos la pendiente del techo de un granero era algo seguro".
Noche negra en las esquinas de Russell, George Ault, 1943. (La Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia, Fondo John Lambert) 
Luz del día en las esquinas de Russell, George Ault, 1944. (Colección de Sam Simon. Imagen © Christie's Images Limited 2002) 
Festus Yayple y sus bueyes, George Ault, 1946. (Museo de Arte de Cleveland, Fondo Hinman B. Hurlbut) 
Memorias de la costa de Francia, George Ault, 1944. (Manhattan Art Investments, LP. Foto de David Heald) 
Enero de luna llena, George Ault, 1941. (Rockhill Nelson Trust (por intercambio). Foto de Jamison Miller) 
The Artist at Work, George Ault, 1946. (Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York, obsequio de la Sra. George Ault. Foto de Geoffrey Clements) 
Ault no recibió mucho reconocimiento durante su vida, en parte debido a su aislamiento y actitud hostil hacia los posibles compradores. Su esposa Louise trabajó incansablemente para promover el trabajo de su esposo después de su muerte en 1948. (Archives of American Art) 
Alexander Nemerov, curador invitado de la exposición "To Make a World: George Ault and 1940s America", en el Smithsonian American Art Museum, ve a Ault haber pintado escenas claras y tranquilas en un intento desesperado por controlar el caos confuso no solo en su vida personal pero también en el mundo en general. (Bruce Guthrie) Para la exposición, la primera gran retrospectiva del trabajo de Ault en más de 20 años, Nemerov, un ex becario predoctoral y asistente de investigación en el museo, seleccionó cerca de 20 pinturas de Ault y de sus contemporáneos, incluido Edward Hopper, Andrew Wyeth y Charles Sheeler. Juntas, las pinturas ofrecen una visión mucho más frágil y melancólica de la década de 1940 que otros íconos culturales de la década, como el póster de J. Howard Miller We Can Do It! (mejor conocida como Rosie the Riveter), la fotografía de Alfred Eisenstaedt VJ Day en Times Square y la grabación de Bing Crosby de "Acentuar lo positivo". Las pinturas de Ault son tranquilas y apagadas: un camino que se eleva sobre una loma cubierta de hierba, una granja blanca en las sombras de se avecinan nubes grises y una vista árida de los Catskills en noviembre. "Es casi como si sus pinturas esperaran que nueve de cada diez personas pasen de largo", dice Nemerov. "Pero, por supuesto, están contando todo con esa décima persona para notarlos". Para esa décima persona, argumenta Nemerov, las obras de Ault conllevan emoción a pesar de su falta de figuras humanas y narración de historias. Nemerov llama a la cascada en Ault's Brook in the Mountains, por ejemplo, "una forma de llorar sin llorar", y agrega que "la emoción —pintando desde el corazón— debe tener una forma curiosa y desplazada para ser real, para ser auténtico. "
En su prólogo al catálogo de la exposición de Nemerov, To Make a World: George Ault and 1940s America, Elizabeth Broun, directora del Smithsonian American Art Museum, enfatiza cómo el arte proporciona un medio para comprender lo que las personas individuales estaban pensando y sintiendo en un momento particular, en El caso de Ault durante la década de 1940. "Sus pensamientos y emociones específicas murieron con ellos", dice ella, "pero esta exposición y este libro profundizan debajo de la superficie de cuarenta y siete pinturas para comprender las corrientes más profundas de abajo, ayudándonos a recuperar una visión olvidada".
En la exposición se encuentran las cinco pinturas de Ault de Russell's Corners, incluida Bright Light at Russell's Corners, la tercera de la serie, que forma parte de la colección permanente del American Art Museum. Cuatro de las escenas están ambientadas en la noche, y tenerlas todas en la misma galería permite al espectador ver cómo el cielo negro en cada una se vuelve más dominante a medida que avanza la serie. Los edificios, los árboles y los postes telefónicos están iluminados por una sola farola en las primeras dos representaciones, mientras que en la última, August Night at Russell's Corners, que Ault pintó en su último año de vida, la oscuridad consume todas menos dos caras sombreadas de graneros. y un pequeño tramo de carretera, como si Ault estuviera perdiendo el control que alguna vez tuvo sobre el mundo.
"No podría culpar a la gente por pensar que este es un espectáculo excesivamente oscuro", dice Nemerov. Quizás por esa razón, el historiador del arte se aferra a la farola recurrente en la serie Russell's Corners. "Esa luz representa algo que se trata de entrega, revelación y placer", dice. Sugiere que la luz podría tener una connotación religiosa. Sus rayos radiantes recuerdan la luz de la pintura de Sassetta del siglo XV El viaje de los magos, una reproducción de la cual Ault mantuvo en su estudio. Pero debido a que el artista no era un hombre religioso, Nemerov considera que la luz es un símbolo del éxtasis y la euforia de un acto artístico, un estallido de creatividad. Después de todo, de la agitación de Ault surgió una cosa notablemente positiva: un impresionante cuerpo de arte. Muy apropiadamente, Louise usó una cita del filósofo alemán Friedrich Nietzsche para describir a su esposo. "A menos que haya caos dentro, no puede nacer una estrella de baile".
Alexander Nemerov repasa la vida de los artistas y cómo las primeras desgracias formaron su interpretación de la década de 1940
