Cuando el curador del Smithsonian, Abraham Thomas, se dio cuenta de que el Renwick Invitational 2018 se abriría justo después de las elecciones de mitad de período, supo que quería que la exposición con jurado fuera más que solo la exhibición de artistas de mediana edad y emergentes. Sintió que debería decir algo sobre los tiempos, y los cuatro artistas seleccionados para "Disrupting Craft", a la vista hasta mayo de 2019, hacen grandes declaraciones sobre dónde estamos parados.
Thomas, junto con la curadora independiente Sarah Archer y Annie Carlano, curadora principal en el Museo Mint, eligieron a los artistas en gran parte debido a su activismo político y su enfoque en la participación de la comunidad. La Galería Renwick, dice Thomas, es el escenario perfecto para alentar a los visitantes a profundizar en algunos de los grandes debates del momento.
Los museos del Smithsonian "son espacios cívicos importantes donde deberíamos poder crear un ambiente seguro donde podamos tener diferentes conversaciones", dice Thomas. Espera que el programa atraiga al público sobre "las preguntas que plantea sobre la inmigración o sobre la identidad cultural compleja".
Una masa de cabezas humanas de cerámica sin cuerpo apiladas al azar en el piso en la primera galería proporciona un ejemplo discordante. El espectador se enfrenta a las figuras calvas, todas con una fisionomía ligeramente diferente y en los diferentes tonos de piel humana: marrón y negro, y ocasionalmente, blanco. El ensamblaje del ceramista Sharif Bey, titulado Asimilación? ¿Destrucción? se trata principalmente de globalización e identidad cultural. También es una referencia a la identidad de Bey como alfarero y artista de color.
¿Un ensamblaje de asimilación? ¿Destrucción? Por el ceramista Sharif Bey, se trata principalmente de la globalización y la identidad cultural. También es una referencia a la identidad de Bey como alfarero y artista de color. (SAAM, fotografía de Libby Weiler) La pieza nunca es la misma en ninguna exposición: las más o menos 1, 000 cabezas de pinch pot son llevadas a una galería en botes de basura y "desechadas sin ceremonias", dice Bey, mostrando un video del proceso. Las cabezas se rompen, agrietan y golpean en fragmentos más pequeños. Con el tiempo, dice, la pieza, que creó para su proyecto de tesis de maestría en 2000, se convertirá en arena. En definitiva, ¿asimilación? ¿Destrucción? significa que "eres todo y no eres nada al mismo tiempo". Con sus formas colectivas e individuales cambiantes, el conjunto también es "un comentario sobre lo que significa ser una persona transitoria", dice.
Bey, de 44 años, ha tenido sus propias migraciones, desde un vecindario de clase trabajadora de Pittsburgh hacia las incubadoras artísticas de esa ciudad, tomando clases en el Museo de Arte Carnegie y siendo seleccionado para un prestigioso aprendizaje extracurricular en el Manchester Craftsmen's Guild. Señaló una nueva carrera y quizás nunca antes considerada para un niño con 11 hermanos en una ciudad industrial. Actualmente es profesor doble en la Facultad de Artes y la Escuela de Educación de la Universidad de Syracuse, nunca ha perdido el contacto con su primer amor: hacer ollas funcionales, algunas de las cuales están incluidas en el espectáculo de Renwick.
Tarro azul tallado de Sharif Bey, 2007 (Colección del artista) "Todos tenemos historias como creadores", dice Bey. "Mi orientación es el vaso", dice, y agrega que desde que tiene memoria, trabajar con arcilla ha sido terapéutico. A menudo trabaja en su sala de estar mientras cuida a sus hijos, lo ayuda a evadir la culpa que siente cuando está en el estudio, que su esposa dice que es como sus propias vacaciones, dice con una sonrisa.
Tanya Aguiñiga, de 40 años, también ha usado su arte para examinar su historia. Como mexicoamericana, nacida en San Diego, que creció en México a poca distancia de la frontera de los Estados Unidos, es una activista sin excusas y enérgica, una característica que se nutre de su experiencia trabajando en el Taller de Arte Fronterizo / Taller de Arte Fronterizo cuando ella era una estudiante universitaria de 19 años. Después de obtener su maestría en diseño de muebles de la Escuela de Diseño de Rhode Island, Aguiñiga extrañaba su tierra natal. Una beca de Target de Artistas de los Estados Unidos en 2010 le dio la libertad de regresar y aprender a tejer y bordar de artesanos indígenas.
Border Quipu / Quipu Fronterizo de Tanya Aguiñiga, 2016 (Colección del artista) Su última pieza, Quipu Fronterizo / Border Quipu, evolucionó a partir de su proyecto, AMBOS, Art Made Between Opposite Sides, y un juego de palabras, ambos significa "ambos" en español, y es una colaboración artística a lo largo de la frontera. Quipu significa un sistema organizativo andino precolombino de registro de la historia. Aguiñiga comenzó su quipu en el cruce de San Ysidro en Tijuana en agosto de 2016, después de las declaraciones despectivas del candidato presidencial Donald Trump sobre los mexicanos.
Ella y los miembros del equipo de AMBOS circularon entre la mayoría de los mexicanos que esperaban para cruzar a los Estados Unidos, o que vivían o trabajaban cerca y les pidieron que tomaran dos hilos de tela de rayón elástico de colores para atar nudos en una especie de reflexión sobre la relación entre los dos países., y para responder a una postal que preguntaba: ¿Qué piensas cuando cruzas esta frontera? / ¿Qué piensas cuando cruzas esta frontera?
La artista tenía sus propios sentimientos sobre la frontera, que cruzaba cada día para ir a la escuela en San Diego, donde nació, y donde su abuela la cuidaba mientras sus padres trabajaban en la ciudad. Al crear el Quipu, dice Aguiñiga, "pensé en cuántos de nosotros hacemos ese viaje todos los días, y cómo es tan estigmatizante". La espera para los cruces es larga y los mexicanos son exhaustivamente interrogados antes de que se les permita ingresar a los Estados Unidos. esto realmente extraño en el que sientes que estás haciendo algo mal aunque no lo estés haciendo ”, dice Aguiñiga.
Sin título (Driftless) de Tanya Aguiñiga, 2013 (Colección del artista) "Quería saber qué sentían las personas porque había mucho odio en nuestro camino", dice Aguiñiga, quien publicó las postales en un sitio web. Los hilos anudados fueron recogidos de los viajeros y mostrados en una valla publicitaria en el cruce fronterizo. El conjunto de nudos, unidos entre sí en largas hebras, y postales, son meditativos y conmovedores. Una respuesta de una postal canalizó los pensamientos de Aguiñiga: "Dos países indivisibles por siempre empatados como 1."
Desde entonces, Aguiñiga ha recreado el proyecto Quipu en los cruces fronterizos a lo largo de la frontera. “En su mayor parte, Estados Unidos piensa en la frontera como un lugar realmente separado, en blanco y negro, y no lo es. Es como una familia yendo y viniendo ”, dice Aguiniga.
Stephanie Syjuco, de 44 años, nacida en Filipinas, también percibe las percepciones sobre la cultura y los "tipos", a menudo utilizando tecnología digital para comentar, de manera algo descarada, cómo los espectadores toman las imágenes generadas por computadora como "reales". La Universidad de California, Berkeley El profesor asistente de escultura no es un artista artesanal tradicional, pero fue elegido, dice el curador Thomas, por "la forma en que el artista toma el juego de herramientas conceptual de la artesanía y lo usa para interrogar esos temas en torno a la identidad cultural y la historia cultural".
Cultos de carga: Head Bundle por Stephanie Syjuco, 2016 (Academia de Bellas Artes de Pensilvania, Filadelfia) Syjuco se burla de cómo Occidente ve y consume el origen étnico en Cargo Cults: Head Bundle y Cargo Cults: Java Bunny . En las dos fotografías en blanco y negro, Syjuco, como sujeto, se viste con una variedad de telas estampadas de aspecto "étnico" y elaboradas "joyas". Las telas étnicas son ficticias, a menudo mimetizadas. Las telas se compraron en los comercios de los centros comerciales y una de las "pulseras" alrededor de sus brazos es un cordón comprado en una tienda de electrónica. En Java Bunny, Syjuco se presenta contra varias telas estampadas en blanco y negro, pero es visible una etiqueta "Gap". La artista dice que se inspiró en una técnica gráfica, el deslumbrante camuflaje, utilizado en los acorazados en la Primera Guerra Mundial para confundir a los artilleros enemigos.
"Son una proyección de cómo se supone que debe ser la cultura extranjera", dice, al igual que las imágenes etnográficas del siglo XIX. Esas imágenes a menudo representaban nativos "verdaderos", pero la noción de "nativo" no es sencilla. La idea de autenticidad "siempre está cambiando", dice Syjuco. Filipinas, por ejemplo, es un híbrido de sus colonizadores: España, Japón y América. “No digo que toda la cultura esté hecha. Es solo que hay una lente a través de la cual se filtra la cultura, por lo que el espectador está narrando mucho ”.
Estudios de Calibración Neutral (Ornamento + Crimen) por Stephanie Syjuco, 2016 (Colección del artista y Nion McEvoy. Foto de Libby Weiler) Dustin Farnsworth, de 35 años, también comenzó a centrarse recientemente en los estereotipos culturales. El artista pasó parte de su carrera inicial examinando el impacto del declive de la industria y la recesión en su Michigan natal.
Construyó enormes piezas arquitectónicas que se tambaleaban sobre cabezas de jóvenes esculpidas en forma de maniquí. El efecto fue transmitir vívidamente las graves consecuencias del declive industrial y civilizatorio en las generaciones venideras. Varios aparecen en el show de Renwick.
Pero una residencia artística de 2015 en Madison, Wisconsin, cambió su enfoque. Llegó poco después del tiroteo policial del desarmado afroamericano Tony Robinson, de 19 años. Luego, en 2016, mientras estaba en una residencia de artistas visitantes similar en Charlotte, Carolina del Norte, la policía mató a Keith Lamont Scott, también un hombre negro. Ambos disparos reverberaron intensamente en las comunidades.
"Sentí que eso era mucho más importante que las cosas que estaba inventando y proyectando", dice Farnsworth, luciendo un gorro de camionero con "Desmantelar la supremacía blanca" estampado en el frente.
Promontorio de Dustin Farnsworth, 2013 (Colección del artista) Poco después de esas residencias, creó WAKE . Con sus rayas negras diagonales que hacen referencia a la bandera de los EE. UU., Presenta docenas de máscaras en forma de calavera esculpidas en Aqua-Resin que se muestran en filas repetidas sobre un fondo blanco. Fue la poderosa respuesta de Farnsworth al efecto adormecedor de múltiples tiroteos en escuelas. DESPERTAR, dice, recuerda las múltiples definiciones y usos de la palabra: puede ser una vigilia por los muertos o salir del sueño; y la frase "despertó" es un término utilizado en los círculos de justicia social que significa estar atento, un uso que surgió del movimiento Black Lives Matter.
Farnsworth ha colaborado con el pintor de carteles Timothy Maddox para crear WAKE II, una pieza masiva de 9, 5 por 26 pies en el show de Renwick. Vuelven las máscaras de la muerte del cráneo, con cientos colocadas sobre un fondo colorido de pancartas superpuestas de eslóganes: "Desmantelar la supremacía blanca", "Sin justicia no hay paz" y "No hay policía racista", entre ellos. El inmenso tamaño de la pieza no es accidental.
"Estoy muy interesado en el monumento", dice Farnsworth. WAKE II también estaba destinado a estar en tu cara, una forma de remover la olla sobre los tiroteos policiales y la justicia social. "Muchos de nosotros lo pateamos debajo de la alfombra", dice.
Ahora se está alejando de los muertos y hacia elevar a los vivos. La reconstrucción de los santos es su primer intento. Es su David, cuyo objetivo es enfrentar a los Goliat de los monumentos confederados, dice Farnsworth. El heroico busto de bronce de un niño afroamericano que refleja hacia el cielo es su intento de santificar a los jóvenes pertenecientes a minorías, dice Farnsworth.
WAKE II de Dustin Farnsworth y Timothy Maddox (Colección del artista) Las reacciones a los santos cuando estaba en progreso, principalmente en las Carolinas, fueron angustiosamente intolerantes, dice. Esa actitud "es algo que necesita ser confrontado, y todavía estoy descubriendo la mejor manera de hacerlo", dice Farnsworth.
Thomas dice que él y sus colegas curadores eligieron a Farnsworth y a los otros tres artistas en gran parte debido a su disposición a confrontar actitudes y convenciones establecidas.
"El trabajo presentado aquí nos ofrece momentos de contemplación en el mundo que se transforma rápidamente a nuestro alrededor e interrumpe el status quo para unirnos, alterar nuestras perspectivas y llevarnos a un futuro más empático y compasivo", dice.
"Disrupting Craft: Renwick Invitational 2018", comisariada por Abraham Thomas, Sarah Archer y Annie Carlano, estará en exhibición hasta el 5 de mayo de 2019 en la Galería Renwick del Smithsonian American Art Museum, ubicada en Pennsylvania Avenue en 17th Street NW en Washington, DC
