Recuerdo la primera vez que vi a Eddie Van Halen en MTV, la forma en que tocaba las dos manos en el diapasón durante su corto solo de guitarra "Jump". Me encantó su genial guitarra "Frankenstein", llamada así porque improvisó una variedad de partes de guitarra y decoró su creación con cinta y pintura de colores. Incluso cuando era un niño de 13 años que creció escuchando y tocando música clásica principalmente, me sentí obligado a salir corriendo y comprar el LP "1984" de su banda en mi tienda local de Tower Records.
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Rock 'n' Roll es una industria que continuamente está empujando los límites musicales, sociales y culturales, y la guitarra eléctrica es su instrumento icónico. La versión acústica ha existido desde al menos el siglo XVI. Entonces, cuando comencé a trabajar con el co-curador Gary Sturm en una exposición sobre la invención de la guitarra eléctrica en el Museo Nacional de Historia Americana del Smithsonian, nuestra pregunta principal fue: ¿Por qué electrificar este instrumento de siglos de antigüedad? La respuesta más simple: los guitarristas querían más volumen.
Durante el siglo XIX, las guitarras formaban parte de un conjunto musical. A medida que los espacios de interpretación aumentaron de tamaño, los instrumentos de cuerda como las guitarras fueron difíciles de escuchar sobre otros instrumentos, especialmente los cuernos. Como resultado, la guitarra acústica tradicional de estilo español, de madera con una parte superior plana, un cuerpo hueco simétrico, un orificio de sonido en el centro y cuerdas de tripa, comenzó a cambiar de tamaño, forma y construcción. Por ejemplo, a fines de la década de 1890, Orville Gibson, fundador de Gibson Mandolin-Guitar Manufacturing Company, diseñó una guitarra con una parte superior arqueada (o curva) que era más fuerte y más fuerte que el diseño plano anterior.
Durante las primeras tres décadas del siglo XX, con la creciente popularidad de la música hawaiana y de grandes bandas en Estados Unidos, los fabricantes de guitarras construyeron instrumentos de cuerpo más grande, utilizando acero en lugar de cuerdas de tripa y metal en lugar de madera para el cuerpo de la guitarra. Alrededor de 1925, John Dopyera diseñó una guitarra con conos de resonancia de metal integrados en la parte superior que amplificaba el sonido del instrumento. Eso encajaba con la música hawaiana y blues, pero no con otros géneros. Luego, en la década de 1920, las innovaciones en micrófonos y altavoces, radiodifusión y la industria de grabación infantil hicieron posible la amplificación electrónica para guitarras. El volumen fue repentinamente capaz de subir, muy arriba.
La guitarra eléctrica nació esencialmente en 1929, mucho antes del advenimiento de la música Rock 'n' Roll. La primera guitarra eléctrica anunciada comercialmente fue ofrecida ese año por la compañía Stromberg-Voisinet de Chicago, aunque no fue un gran éxito. La primera guitarra eléctrica comercialmente exitosa, la guitarra "Frying Pan" de Rickenbacker, tampoco lanzó Rock 'n' Roll, pero sí inspiró a los competidores a lanzarse al mercado de la guitarra eléctrica. Inventado en 1931, la sartén tenía una pastilla electromagnética hecha de un par de imanes de herradura colocados de extremo a extremo para crear un óvalo alrededor de las cuerdas de la guitarra, con una bobina colocada debajo de las cuerdas. La recolección, un dispositivo que convierte las vibraciones de las cuerdas en señales eléctricas que pueden amplificarse, era voluminosa y poco atractiva. Pero funcionó. La versión comercial de la sartén era una guitarra hueca de acero fundido de aluminio fundido, y no fue un éxito inmediato más allá de algunos músicos hawaianos, country y blues. Se diferencia de la guitarra tradicional de estilo español en que se toca horizontalmente, en un soporte o en el regazo del jugador, y tiene una barra deslizante de acero que se puede mover a lo largo de los trastes para un efecto de deslizamiento.
Las eléctricas de estilo español, que puedes colgar frente a ti mientras estás de pie y cantando, demostraron ser mucho más versátiles para muchos géneros musicales diferentes. El 1936 ES-150 de Gibson (E para eléctrico y S para español) tenía una elegante pastilla electrónica en forma de barra que estaba montada en el cuerpo hueco de la guitarra para una apariencia más aerodinámica. La camioneta se ganó el apodo de "The Charlie Christian" gracias al virtuoso del jazz que generalmente se le atribuye la presentación del solo de guitarra eléctrica. En 1939, Christian salió frente a la banda de Benny Goodman e interpretó largos y complicados pasajes que imitaban el estilo de tocar la bocina. Explicó: "Los guitarristas siempre han necesitado un campeón, alguien que le explique al mundo que un guitarrista es algo más que un robot que se conecta a un dispositivo para mantener el ritmo".
Hubo muchos retoques con la guitarra eléctrica de estilo español en la década de 1930 y 40, ya que la electrónica en un instrumento de cuerpo hueco causó distorsión, sobretono y retroalimentación, especialmente problemático para las sesiones de grabación. Los historiadores y entusiastas de la guitarra disfrutan debatir sobre quién realmente desarrolló la primera guitarra de estilo español de cuerpo sólido para resolver estos problemas de sonido. El American History Museum posee un raro Slingerland Songster fabricado en 1939 o antes. Este modelo es posiblemente la primera guitarra eléctrica de estilo español de cuerpo sólido comercializada comercialmente.
Independientemente del debate sobre la invención, está claro que el antiguo reparador de radio Leo Fender fue el primero en producir en masa y vender una exitosa guitarra eléctrica de estilo español de cuerpo sólido. La empresa Fender Broadcaster de 1950, de simple construcción (rebautizada como Telecaster como resultado de una disputa de marca registrada), con su cuerpo plano y un cuello atornillado, fue inicialmente ridiculizada por los competidores como demasiado simple y carente de artesanía. El presidente de Gibson, Ted McCarty, lo descartó como una "guitarra de tablones". Sin embargo, todo lo relacionado con su diseño patentado y práctico fue óptimo para producir en masa una guitarra de cuerpo sólido de bajo costo, lo que le valió a Fender el apodo de "Henry Ford de la guitarra eléctrica".
Surgió una rivalidad entre Fender y Gibson, creando algunas de las eléctricas de cuerpo sólido más codiciadas por músicos y coleccionistas, incluido el modelo "Les Paul" Gibson de 1952 con una parte superior curva y una combinación de puente y cola (la guitarra fue diseñada principalmente por McCarty, con el aporte del famoso guitarrista que lo respaldó), la Fender Stratocaster de 1954 y una versión de 1958 del Gibson Les Paul con una nueva pastilla "humbucking" que transmitía menos interferencia de fondo de los equipos eléctricos.
La Fender Stratocaster puede ser la guitarra eléctrica más reconocida y la más asociada con el auge de la música rock and roll. Presentaba un diseño distintivo de doble corte que permitía a los músicos tocar notas más altas al llegar más alto en el diapasón, tres pastillas (que permitían una mayor gama de sonidos desde las guitarras anteriores que tenían dos pastillas como máximo) y un sistema de trémolo patentado que permitía a los jugadores subir o bajar el tono de las cuerdas. En manos de guitarristas como Buddy Holly, Eric Clapton, Bonnie Raitt y muchos otros, el Stratocaster se convirtió en un ícono del Rock 'n' Roll estadounidense que conmovió al mundo. El Stratocaster, el Gibson Les Paul y otros componentes eléctricos de cuerpo sólido no eran más que versátiles, y los guitarristas de rock estaban obsesionados con la versatilidad. Los guitarristas no solo podían cambiar el tono, el volumen y el tono, sino que también podían manipular el sonido tocando cerca del amplificador, tocando las cuerdas contra cosas y usando accesorios de efectos especiales como el pedal wah-wah. Jimi Hendrix fue el maestro de la manipulación de este instrumento, influyendo en generaciones de guitarristas para experimentar creativamente con sus técnicas y equipos de interpretación.
En las décadas de 1970 y 1980, el sonido de la guitarra eléctrica se extendía en la música heavy metal. Como uno de sus principales practicantes, Van Halen llevó su "Frankenstein" de fabricación propia (basado en una Stratocaster pero con una mezcla de otras partes de guitarra) hasta el límite, experimentando, por ejemplo, con "bombardeo en picado", que usa el brazo de trémolo para bajar la nota más baja de la guitarra. Hendrix había hecho esto pero, como resultado, forzó a la guitarra a desafinarse. Sin embargo, a mediados de la década de 1980, el inventor Floyd Rose había mejorado el sistema de trémolo, permitiendo a jugadores como Van Halen lanzar bombas de buceo repetidamente. El sonido de la guitarra ahora no solo era fuerte, sino también muy estridente, llamativo y un poco sucio, tal como lo querían los músicos y sus fanáticos.
Es irónico que Leo Fender, el creador del instrumento más influyente en la música rock, en realidad no sea fanático del Rock 'n' Roll; él prefería el país y el oeste. Pero muestra que una vez que hay algo nuevo, no se puede evitar que los fabricantes y jugadores lo reinventen, lo adapten para nuevos propósitos, lo desarmen y lo vuelvan a armar de nuevas maneras. La guitarra eléctrica es un excelente ejemplo de consecuencias no deseadas. Inicialmente, solo quería ser un poco más fuerte, pero terminó asumiendo el control y reinventando la música y la cultura popular. ¿Reconoceremos el sonido de la guitarra eléctrica dentro de 10 o 20 años? Yo, por mi parte, espero que no.
Monica M. Smith es historiadora y directora del programa de exposiciones en el Centro Lemelson para el Estudio de Invención e Innovación del Smithsonian en el Museo Nacional de Historia Americana del Smithsonian. Ella escribió esto para What It Means to Be American, una conversación nacional organizada por el Smithsonian y Zócalo Public Square.
