"Robert Indiana nació en el estado del mismo nombre en 1928", comenzó una breve descripción biográfica escrita a mano por el artista para el catálogo de su primera exposición individual en la Galería Estable en 1962: "Estudió en Chicago y Edimburgo y regresó de una beca itinerante para vivir (sic) pintar en la costa de Nueva York. Aquí, en su primera exposición individual, recapitula los eventos más destacados en una vida estadounidense ".
Si bien el artista se vincularía inextricablemente con su diseño L O VE y el movimiento del arte pop, el cuerpo de trabajo más amplio de Indiana, infundido con números, palabras y símbolos, incorpora referencias autobiográficas, literarias e históricas para hacer elegías afiladas al sueño americano .
Nacido Robert Clark en New Castle, Indiana en 1928, el pintor, escultor y poeta que adoptaría el nombre de Indiana, lo que él llamó su "nom de brush", murió el 19 de mayo de 2018 a la edad de 89 años. como autora y erudita Barbaralee Diamonstein-Spielvogel, señaló por primera vez, "el hombre que inventó el amor ".
L O VE en todas sus iteraciones, traducido por el artista al español y al hebreo para esculturas; pintado en una palabra de cuatro letras no imprimible después de una pelea con Ellsworth Kelly; o reutilizado en 2008 como H O PE en una impresión realizada para recaudar fondos para la primera campaña presidencial de Barack Obama, a menudo es una abreviatura de la producción artística de Indiana. Virginia Mecklenburg, curadora en jefe del Museo de Arte Americano del Smithsonian, señala que si bien Indiana estaba asociada con artistas pop como James Rosenquist, Roy Lichtenstein y Andy Warhol, él era diferente. “Centraban nuestras percepciones en los productos de nuestra sociedad de consumo. L O VE no se trataba de la cultura del consumidor, sino de las emociones a través de las cuales vivimos nuestras vidas ".
El hecho de que el indio nunca tuviera derechos de autor de su diseño L O VE ampliamente imitado fue una especie de flagelo para el artista, que acumuló una gran colección de imitaciones. Pero las revelaciones más personales en el trabajo no se plagian tan fácilmente como sus líneas gráficas: en varias entrevistas, Indiana señala que L O VE se inspira en orígenes espirituales en lugar de eróticos, pero, como gran parte de su trabajo, su L O VE La pintura de 1966 está saturada de color y autobiografía.
Robert Indiana y un estudiante en la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, 1969 (Registros de la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan, 1946-2013. Archives of American Ar) 
Fotografía de Robert Indiana con Decade Autoportrait 1969 (72 in.), No antes de 1972. (Mary Swift) 
Retrato de Robert Indiana en su estudio, c. Década de 1980 (Mary Swift, fotógrafa. Documentos de Mary Swift, circa 1970-2005. Archives of American Art) 
Alan Groh y Robert Indiana (derecha) instalando un espectáculo en la Stable Gallery, 1964 (Nancy Astor, fotógrafa. Stable Gallery records, 1916-1999, bulk, 1953-1970. Archives of American Art) El diseño L O VE de Robert Indiana está representado en colecciones en toda la Institución Smithsonian junto con otras obras de su arte. Estos ejemplifican y ofrecen información sobre el alcance completo de la carrera del artista.
Las historias orales en los Archivos de Arte Americano del Smithsonian incluyen muchas entrevistas con artistas que discuten su amistad con Indiana y su trabajo, pero una de las más perspicaces es la entrevista de 1963 con el propio artista realizada por Richard Brown Baker, un coleccionista de arte contemporáneo.
En él, Indiana habla extensamente sobre su inestable infancia y educación temprana, agravada por la tendencia de su madre hacia la pasión por los viajes que vio a la familia mudarse a 21 casas cuando tenía 17 años, su interés en la poesía y la literatura y su tiempo viviendo en Coenties Slip. en el bajo Manhattan entre una comunidad de artistas que incluía a Ellsworth Kelly, Agnes Martin, Lenore Tawney y Jack Youngerman.
Una Tarjeta de Navidad que se encuentra en los periódicos Dorothy Miller, quien fue curadora en el Museo de Arte Moderno, ofrece una vista previa de L O VE en su etapa conceptual inicial. Como la curadora de manuscritos de los Archivos Mary Savig describe en su libro Handmade Holiday Cards de los artistas del siglo XX:
Una de las primeras iteraciones del tema más adorado públicamente de Robert Indiana, el motivo AMOR, fue una tarjeta vendida por el MoMA en 1965. Para su tarjeta navideña de 1964, Indiana había hecho fragmentos de la palabra AMOR con su firma O inclinada; uno de los destinatarios de su tarjeta fue el curador del MoMA Dorothy Miller. Al año siguiente, MoMA encargó a Indiana una versión más colorida del diseño original de su línea de tarjetas navideñas.
La tarjeta de felicitación que Robert Indiana envió a Dorothy C. Miller, 1964 (documentos de Dorothy C. Miller, 1853-2013, a granel 1920-1996. Archivos de arte estadounidense) En 1964, el mismo año en que Robert Indiana envió su tarjeta navideña L O VE, colaboró en una película, Eat, con Andy Warhol, en la cual, a través de la magia de la edición de películas, Indiana come un hongo que se repone continuamente durante 35 minutos. Para la Feria Mundial de Nueva York, fue uno de los diez artistas encargados por Phillip Johnson para crear una obra de arte para la fachada curva del Pabellón del Estado de Nueva York. La creación de Indiana, una señal de 20 pies de altura de cinco círculos negros dispuestos como la cara de un dado de cinco lados con letras que se iluminaban para deletrear EAT, fue intercalada entre obras de Ellsworth Kelly y Robert Rauchenberg. Las palabras EAT, DIE, HUG y ERR serían presunciones de que Indiana volvió una y otra vez (Mecklenburg los llama "comandos icónicos") con EAT, la última palabra que su madre le dijo antes de morir, siendo una de las más profundamente autobiográficas. .
En una versión humorística de la palabra, los curadores de arte de Filadelfia, Joan Kron y Audrey Sabol, modificaron el diseño de la Feria Mundial de Indiana en un broche fabricado por Tiffany para su Genuine Electric Company, una de las varias empresas comerciales que las mujeres eran copropietarias. Después de escribir sobre sus proyectos en el New York Times, recibieron muchas consultas sobre el pin, algunas de las cuales se encuentran en los documentos de Kron en los Archivos. Entre ellos hay una nota de la Sra. Daniel D. Krakauer de Great Neck, Long Island, preguntando dónde puede conseguir uno de los broches EAT para usar en la fiesta sorpresa del 50 cumpleaños de su esposo: "No puedo pensar en una mejor manera de anunciando que 'La cena está siendo servida' que 'encendiéndose. . . '”La carta adquiere una astuta ironía; Los funcionarios de la Feria Mundial tuvieron que ordenar que se apagara el letrero de Indiana después de solo un día, porque las multitudes acudían al pabellón confundiéndolo con un lugar de comida. Como Indiana escribió: "Mucha gente había reaccionado, ese primer día, al imperativo".
En 1974, después de que el Smithsonian recibió la colección de arte del financiero y filántropo Joseph Hirshhorn, y abrió el Museo Hirshhorn y el Jardín de Esculturas como museo nacional de arte contemporáneo, los Smithsonian Associates encargaron cuatro carteles para el día de la inauguración, incluido uno de Robert Indiana con un estrella azul llamativa y un diseño gráfico audaz.
En el momento de la apertura del museo, solo había dos pinturas tempranas de Indiana: The Eateria, 1962 y Beware-Danger American Dream # 4, 1963, en la colección Hirshhorn. Ambos, dice Evelyn Hankins, curadora principal de Hirshhorn, "son ejemplos icónicos de la forma en que Robert Indiana usa el lenguaje vernáculo estadounidense, como las señales de tráfico, para crear obras de arte llamativas en el núcleo del arte pop".
El póster del día de apertura de Indiana, dice Evelyn Hankins de Hirshhorn, "es muy representativo de por qué Robert Indiana es fundamental para el mundo del arte pop: su uso de gráficos de vanguardia, que a veces son de celebración y a veces hacen preguntas difíciles sobre el lado oscuro. del sueño americano ". (Hirshhorn) El póster del día inaugural de Indiana, dice Hankins "con su estrella en negrita gráfica y su paleta de colores limitada", no solo encajaba bien en la colección y la obra del artista, sino que era "muy representativo de por qué Robert Indiana es fundamental para el mundo del arte pop: su uso de gráficos de vanguardia, que a veces son de celebración y a veces hacen preguntas difíciles sobre el lado más oscuro del sueño americano ”. En este caso, especialmente, de celebración.
La crítica de arte Lucy Lippard declaró a Indiana como un "romántico absoluto", y señaló que la contribución del artista "ha sido el matrimonio de la poesía y la claridad geométrica a través de la inclusión de la literatura y la historia estadounidenses en un arte no objetivo".
Sus tendencias románticas son evidentes en sus esculturas en columnas hechas de madera y objetos encontrados, incluidos los que se encuentran en las colecciones del Museo de Arte Americano Smithsonian. De acuerdo con Virginia Mecklenburg del museo, quien comisaria la exposición individual del artista en 1984 "Wood Works: Constructions by Robert Indiana", estas piezas son indicativas de su inteligencia y proceso de trabajo. “Quería hacer que los conceptos sean totémicos. Él vio sus esculturas como tótems, como la estela que sirvió como buscador de caminos romanos en la antigüedad. Las esculturas de Indiana representan presencia, poder, individualidad, así como palabras, signos, símbolos, formas de marcar emociones, lugares. Había intencionalidad, estas cosas estaban en su mente.
Los cinco de Robert Indiana. (Museo de Arte Americano Smithsonian, regalo del artista) En el momento de la exposición de 1984, Indiana regaló su pintura The Figure Five y el museo compró su escultura Five . Ambos son riffs en la pintura de Charles Demuth I Saw the Figure 5 in Gold , hecha como respuesta al poema de William Carlos Williams "The Great Figure", escrito después de un encuentro con un camión de bomberos que pasa zumbando en una lluviosa noche de Manhattan, y son piedras angulares de las propiedades del museo en Indiana.
Entre la lluvia y las luces vi la figura 5 en oro en un camión de bomberos rojo en movimiento. . . .
"A Bob le gustó la idea de que la escultura y la pintura estuvieran juntas", relata Mecklemburgo. "Demuth fue influenciado por el poema experimental de Williams: velocidad, luz, el sonido del camión de bomberos que resonaba. Bob encontró otra forma de expresar esto que era del momento".
Cuando se le preguntó sobre cómo fue trabajar con Indiana en la exposición, Mecklenburg dijo que Indiana era tímida pero que aún le permitía acceder a sus diarios personales, cuyas páginas se reproducen en el catálogo del programa. “Fue bastante asombroso. . . él era un amigo ”, dice ella. “Tenía un profundo sentido de la historia de Estados Unidos, nombrándose a sí mismo por el estado donde creció: ¡no era Robert Massachusetts! Fue una afirmación de América Central, y eso dice algo sobre lo que él valoraba ”.
Como le dijo a Diamonstein, “cuando era niño, mi madre solía llevar a mi padre al trabajo en Indianápolis, y veía, prácticamente todos los días de mi joven vida, un gran cartel de Phillips 66. Entonces, es el rojo y el verde de ese signo contra el cielo azul de Hoosier. El azul en el amor es cerúleo. Por lo tanto, mi amor es un homenaje a mi padre ".
Al final de la entrevista de historia oral de Robert Indiana, Richard Brown Baker sugirió que el artista no había sido "completamente revelador", pero Mecklenburg argumenta que Indiana otorga un gran acceso al espectador dispuesto a hacer una lectura profunda de su trabajo. Indiana, dice, "fue un hombre que dejó su huella en el mundo a través de su arte".
De hecho, Indiana, que se veía a sí mismo como un pintor de letreros, una vez afirmó: "Pinto la escena estadounidense".
Como lo expuso claramente en la declaración de los artistas para la Galería Estable: “Mi arte es una inmersión disciplinada: alto, simultáneo y policromado, una exaltación de lo verbal-visual. . . mi diálogo ".
