VISIONES NOCTURNAS DE VAN GOGH | ARTE Y CULTURA | SMITHSONIAN - ARTÍCULOS, ARTE Y CULTURA, ARTE Y ARTISTAS

Con sus brillantes girasoles, campos de trigo abrasadores y cielos amarillos ardientes, Vincent van Gogh era fanático de la luz. "¡Oh! Ese hermoso sol de verano aquí", le escribió al pintor Émile Bernard en 1888 desde el sur de Francia. "Se golpea en la cabeza, y no tengo la menor duda de que uno se vuelve loco. Pero, para empezar, solo lo disfruto".

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Van Gogh también estaba cautivado por la noche, como le escribió a su hermano Theo ese mismo año: "A menudo me parece que la noche está mucho más viva y rica en colores que el día ... El problema de pintar escenas y efectos nocturnos en el acto y de noche me interesa enormemente ".

Lo que Van Gogh fijó, de día o de noche, le dio al mundo muchas de sus pinturas más preciadas. Sus girasoles de 1888, dice el crítico Robert Hughes, "sigue siendo la naturaleza muerta más popular en la historia del arte, la respuesta botánica a la Mona Lisa ". Y el paisaje visionario de Van Gogh, The Starry Night, realizado el año próximo, se ha clasificado durante mucho tiempo como la pintura más popular en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de Nueva York (MoMA). Esto inspiró al museo, en colaboración con el Museo Van Gogh de Amsterdam, a montar la exposición "Van Gogh y los colores de la noche" (hasta el 5 de enero de 2009). Luego viajará al Museo Van Gogh (del 13 de febrero al 7 de junio de 2009).

"El van Gogh en el que generalmente pensamos, ese pintor de los estallidos de pincelada más audaces, locos, apasionados, frenéticos y desatados, puede ser más evidente en sus pinturas a la luz del día", dice el curador del MoMA para la muestra, Joachim Pissarro, bisnieto. del impresionista francés Camille Pissarro. "Pero en pinturas como el café Arles por la noche, su toque es más moderado y realmente se ve su inteligencia en funcionamiento. A pesar de toda la angustia mental y la depresión que experimentó, van Gogh nunca dejó de disfrutar de una conciencia y una conciencia sorprendentemente claras. de lo que estaba haciendo ".

En un ensayo para el catálogo de la exposición, Pissarro trata de aclarar algo de la mitología popular: "Contrariamente a un concepto erróneo perdurable de Van Gogh como un cromómano rudo y listo impulsado por sus instintos para representar lo que vio casi tan rápido como lo vio, el El crepúsculo y las escenas nocturnas del artista son construcciones elaboradas que también requieren su vasto conocimiento literario ". El propio Van Gogh insinuó esto en una carta a su hermana Wil, escrita en 1888 mientras pintaba su primer lienzo de noche estrellada. Se inspiró, dijo, por las imágenes de los poemas de Walt Whitman que estaba leyendo: "Ve ... bajo la gran bóveda del cielo iluminado por las estrellas, algo que, después de todo, solo se puede llamar a Dios, y la eternidad en su lugar sobre el mundo."

Parece que van Gogh nunca soñó que sus pinturas se convertirían en estrellas tan fijas en el firmamento del arte. En 1890, menos de dos meses antes de que terminara su vida con un disparo de pistola, le escribió a un crítico de un periódico de París que había elogiado su trabajo: "Es absolutamente seguro que nunca haré cosas importantes". Tenía entonces 37 años, había estado pintando durante menos de diez años y no había vendido casi nada. En su última carta a Theo, encontrada en el artista a su muerte, había escrito: "Bueno, mi propio trabajo, estoy arriesgando mi vida por ello, y mi razón ha fracasado a medias por eso".

Al igual que sus pinturas, la biografía de van Gogh se ha convertido en leyenda. Nació en 1853 en los Países Bajos; su padre era ministro, sus tíos, exitosos comerciantes de arte. Fue despedido mientras trabajaba como misionero en el suroeste de Bélgica por ser demasiado celoso y fracasó como vendedor de arte por ser demasiado honesto. Cuando comenzó a dibujar y pintar, su originalidad ofendió a sus maestros. Más tarde, un estudiante describió la escena en la Academia de Amberes donde Van Gogh se matriculó: "Ese día los alumnos tuvieron que pintar a dos luchadores, que estaban en la plataforma, desnudos hasta la cintura. Van Gogh comenzó a pintar febrilmente, furiosamente, con rapidez eso dejó estupefactos a sus compañeros de estudios. Puso su pintura tan gruesa que sus colores literalmente gotearon de su lona al piso ". Fue expulsado rápidamente de la clase.

Pero solo en un estudio o en el campo, la disciplina de Van Gogh era tan firme como su genio era rebelde, y aprendió todos los elementos de la técnica clásica con minuciosa minuciosidad. Copió y volvió a copiar las lecciones de un tratado académico estándar sobre dibujo hasta que pudo dibujar como los viejos maestros, antes de soltar su propia visión en la pintura. Aunque sabía que necesitaba la máxima habilidad técnica, le confesó a un artista amigo que pretendía pintar con tanta "fuerza expresiva" que la gente diría: "No tengo técnica".

A principios de la década de 1880, Theo, que era cuatro años más joven que Vincent, estaba teniendo éxito como comerciante de arte en París y había comenzado a apoyar a su hermano con un estipendio mensual. Vincent le envió a Theo sus asombrosos lienzos, pero Theo no pudo venderlos. En la primavera de 1889, después de recibir un envío de pinturas que incluía los ahora famosos Girasoles, el hermano menor trató de tranquilizar al anciano: "Cuando vemos que los Pissarros, los Gauguins, los Renoirs, los Guillaumins no se venden, uno debería estar casi contento de no tener el favor del público, ya que quienes lo tienen ahora no lo tendrán para siempre, y es muy posible que los tiempos cambien en breve ". Pero el tiempo se acababa.

Al crecer en Brabante, la región sur de los Países Bajos, Vincent había absorbido la paleta oscura de grandes pintores holandeses como Frans Hals y Rembrandt. Como estudiante de arte en Amberes, tuvo la oportunidad de visitar museos, ver el trabajo de sus contemporáneos y frecuentes cafés y actuaciones. En marzo de 1886, se unió a Theo en París. Allí, al encontrarse con pintores jóvenes como Toulouse-Lautrec, Gauguin y Signac, así como con artistas más antiguos como Pissarro, Degas y Monet, adoptó los colores más brillantes del arte moderno. Pero con su traslado a Arles, en el sur de Francia, en febrero de 1888, la fuerza expresiva que había estado buscando estalló por fin. Solo en los campos bañados por el sol y los cafés nocturnos de Arles iluminados por el gas, encontró su propia paleta de amarillos brillantes y azules sombríos, naranjas de geranio gay y lilas suaves. Sus cielos se volvieron amarillos, rosados y verdes, con rayas violetas. Pintó febrilmente, "rápido como un rayo", se jactó. Y luego, justo cuando logró un nuevo dominio sobre el pincel y el pigmento, perdió el control de su vida. En un ataque de alucinaciones y angustia en diciembre de 1888, se cortó parte de la oreja y se la entregó a una prostituta en un burdel local.

Gauguin, que había venido a Arles a pintar con él, huyó a París, y van Gogh, después de que sus vecinos pidieron a la policía, fue encerrado en un hospital. A partir de entonces, los ataques se repitieron de manera impredecible, y pasó la mayor parte de los últimos dos años de su vida en asilos, primero en Arles y luego en Saint-Rémy, pintando lo que podía ver a través de los barrotes de su ventana o de los jardines circundantes. y campos. "La vida pasa así", le escribió a Theo desde Saint-Rémy en septiembre de 1889, "el tiempo no regresa, pero estoy empeñado en mi trabajo, por esta misma razón, porque sé que las oportunidades de trabajar no regresan Especialmente en mi caso, en el que un ataque más violento puede destruir para siempre mi poder de pintar ".

Cuando los ataques parecieron disminuir en mayo de 1890, van Gogh dejó Saint-Rémy para Auvers-sur-Oise, un pequeño pueblo cerca de París donde el Dr. Paul Gachet, médico local y amigo de muchos pintores, acordó cuidarlo. Pero las pinturas de van Gogh resultaron más exitosas que los tratamientos del médico. Entre los últimos esfuerzos del artista estuvo el tumultuoso Wheatfield with Crows, en el que la oscuridad y la luz, cerca y lejos, la alegría y la angustia, parecen unidas en un frenesí de pintura que solo se puede llamar apocalíptico. Van Gogh se pegó un tiro poco después de pintarlo y murió dos días después. Fue enterrado en un cementerio al lado del campo.

Theo había estado al lado de Vincent cuando el artista murió y, según Bernard, dejó el cementerio de Auvers "roto por el dolor". Nunca se recuperó. Apenas tuvo tiempo de presentar una muestra de las pinturas de Vincent en su apartamento de París. Seis meses después, él también murió, loco e incoherente en una clínica en Holanda, donde su esposa lo había llevado debido a sus arrebatos cada vez más violentos. (Una teoría sostiene que tanto Theo como Vincent, y probablemente su hermana Wil, sufrieron un trastorno metabólico hereditario que causó sus síntomas físicos y mentales similares). Ahora yace enterrado junto a su hermano en Auvers.

En el contexto de esta conmovedora biografía, la nueva exposición de las imágenes nocturnas de Van Gogh en el MoMA adquiere un significado adicional. Porque era hacia el cielo nocturno y hacia las estrellas, que Van Gogh solía buscar consuelo. Los problemas de pintar escenas nocturnas en el lugar tenían más que un interés técnico y un desafío para él. Cuando miró al cielo nocturno, le escribió a Theo en agosto de 1888, vio "el brillo misterioso de una estrella pálida en el infinito". Cuando estás bien, continuó, "debes poder vivir de un pedazo de pan mientras trabajas todo el día, y tener la fuerza suficiente para fumar y beber tu vaso por la noche ... Y de todos modos siente las estrellas y el infinito alto y claro sobre ti. Entonces la vida está casi encantada después de todo ".

Van Gogh vio la noche como un período de reflexión y meditación después de un día de actividad, dice la asistente de curaduría del MoMA Jennifer Field, una de las organizadoras de la exposición. "También fue este tipo de metáfora para el ciclo de la vida. Y lo relacionó con el cambio de las estaciones".

En Arles, en 1888 y 1889, las pinturas de van Gogh adquirieron una calidad mística y onírica. Las líneas rectas se volvieron onduladas, los colores se intensificaron, la pintura gruesa se hizo más gruesa, a veces apretada directamente sobre el lienzo desde el tubo. Algunos de estos cambios se tomaron más tarde como un signo de su locura, e incluso Van Gogh temía que "algunas de mis imágenes ciertamente muestran rastros de haber sido pintadas por un hombre enfermo". Pero había una premeditación y una técnica detrás de estas distorsiones, mientras trataba de poner un sentido de los misterios de la vida en la pintura. En una carta a Wil, explicó que "las líneas extrañas, deliberadamente seleccionadas y multiplicadas, que serpentean a lo largo de la imagen, pueden fallar en darle al jardín un parecido vulgar, pero pueden presentarlo a nuestras mentes como se ve en un sueño, representando su carácter, y al mismo tiempo más extraño de lo que es en realidad ".

El enfoque del artista en la relación entre los sueños y la realidad, y la vida y la muerte, tuvo un profundo significado para él, ya que le había confiado a Theo en una carta un año antes de su primera crisis en Arles. "Mirar las estrellas siempre me hace soñar, tan simple como sueño sobre los puntos negros que representan ciudades y pueblos en un mapa. ¿Por qué, me pregunto, no deberían los puntos brillantes del cielo ser tan accesibles como los puntos negros en ¿el mapa de Francia? Así como tomamos el tren para llegar a Tarascon o Rouen, tomamos la muerte para llegar a una estrella ".

Su interés en mezclar sueños y realidad, observación e imaginación, es particularmente evidente en las pinturas nocturnas que realizó en Arles y Saint-Rémy en 1889 y 1890, en las que no solo conquistó las dificultades de usar el color para representar la oscuridad, sino que también fue un un largo camino hacia la captura de los significados espirituales y simbólicos que vio en la noche.

"Vivía de noche", dice Pissarro. "No durmió hasta las tres o cuatro de la mañana. Escribió, leyó, bebió, fue a ver amigos, pasó noches enteras en cafés ... o meditó sobre las muy ricas asociaciones que vio en la noche. Fue durante las horas nocturnas que sus experimentos con la imaginación y la memoria fueron los más lejanos ".

Van Gogh le dijo a Theo que al representar el interior de un café nocturno, donde había dormido entre los merodeadores nocturnos de Arles, "he tratado de expresar las terribles pasiones de la humanidad por medio del rojo y el verde". Se quedó despierto tres noches consecutivas para pintar la "junta podrida", dijo. "En todas partes hay un choque y contraste de los rojos y verdes más dispares en las figuras de pequeños gamberros dormidos, en la habitación vacía y lúgubre ... el rojo sangre y el amarillo verdoso de la mesa de billar".

Van Gogh lo consideró una de las pinturas más feas que había hecho, pero también una de las más "reales". Su primera pintura del cielo estrellado, La noche estrellada sobre el Ródano (1888), fue otro ejercicio de contraste de colores complementarios (pares elegidos para aumentar el impacto del otro). Esta vez, el efecto de la pintura, con su cielo azul verdoso, ciudad de tonos violetas y luz de gas amarilla, fue más romántico. Le escribió a Wil que lo había pintado "de noche bajo un chorro de gas".

Van Gogh consideró su ahora icónica La noche estrellada, que pintó desde su ventana enrejada en Saint-Rémy, un intento fallido de abstracción. Antes de irse de Saint-Rémy, le escribió a Émile Bernard: "He estado esclavizándome de la naturaleza todo el año, sin pensar en impresionismo o en esto, aquello y lo otro. Y sin embargo, una vez más, me dejé buscar estrellas que son demasiado grandes, un nuevo fracaso, y ya he tenido suficiente ".

A Theo le gustó la pintura pero estaba preocupado. Escribió a Vincent que "la expresión de tus pensamientos sobre la naturaleza y las criaturas vivientes muestra cuán fuertemente estás apegado a ellos. Pero cómo tu cerebro debe haber trabajado y cómo has arriesgado todo ..." Vincent no vivió para saber que al alcanzar las estrellas, había creado una obra maestra.

El pintor y grabador con sede en Nuevo México Paul Trachtman escribió sobre nuevos pintores figurativos en la edición de octubre de 2007.

Eugène Boch (El poeta) 1888 . (Museo de Orsay, París)

Van Gogh pintó su icónica La noche estrellada en 1889, mientras estaba en un manicomio en Saint-Rémy. "Una de las cosas más bellas de los pintores de este siglo", le había escrito a Theo en abril de 1885, "ha sido la pintura de la Oscuridad que todavía es color". (El Museo de Arte Moderno, Nueva York. Adquirido a través del legado de Lillie P. Bliss / Foto John Wronn)

"La imaginación ... nos permite crear una naturaleza más exaltadora y consoladora que lo que una simple mirada a la realidad ... nos permite percibir", escribió van Gogh al artista Émile Bernard en 1888. "Un cielo estrellado, por ejemplo, bueno, es algo que me gustaría hacer ". Más tarde ese año, pintó La noche estrellada sobre el Ródano . (Museo de Orsay, París)

"He tratado de expresar las terribles pasiones de la humanidad por medio del rojo y el verde", escribió Van Gogh sobre su pintura de 1888 The Night Café . (Galería de Arte de la Universidad de Yale, New Haven)