Hace poco más de un año, Jordan Bennett, un artista indígena de la provincia canadiense de Terranova, estaba pensando en su próximo trabajo. En una computadora, abrió la base de datos de colecciones en línea de la Institución Smithsonian y escribió las palabras "Mi'kmaq", el nombre de su propia nación, y "Terranova". Apareció una fotografía, y luego un puñado más, de los negativos que contenía por el Museo Nacional Smithsonian del indio americano. Un antropólogo les había disparado en la década de 1930 en una comunidad a pocas horas de la de Bennett.
Mientras los miraba, el apellido de uno de los sujetos de repente llamó su atención: Joe "Amite" Jeddore.
"Me puse en contacto con mi amigo John Nicholas Jeddore", recuerda Bennett, "y él dijo: 'Ese es mi tatarabuelo'".
Intrigado, Bennett se dispuso a volver a visitar las fotografías, y su experiencia condujo a una de las nueve obras de arte que ahora se exhiben en la nueva exposición "Transformador: Arte nativo en luz y sonido" en el Centro George Gustav Heye del Museo Indio Americano en la ciudad de Nueva York.
Foto de archivo de Joe "Amite" Jeddore pescando salmón en Terranova (NMAI) Bennett se sentó con la familia Jeddore, y juntos descubrieron exactamente dónde se habían tomado las fotografías, que mostraban a Amite Jeddore preparándose para pescar salmones. Bennett y su amigo John Nicholas Jeddore grabaron audio en cada lugar, principalmente sonidos del aire libre, con el ladrido ocasional de los perros o la gente que pasaba. Luego, durante meses de escuchar y ajustar, Bennett entrelazó las grabaciones, junto con las palabras de los miembros de la comunidad Mi'kmaq, en un paisaje sonoro digital de varias capas.
En la obra de arte, llamada Aosamia'jij: Demasiado, demasiado, esta banda sonora tecnológicamente sofisticada ahora emerge de detrás de una malla de cestería tradicional Mi'kmaq. Lo que Bennett llama sus "altavoces híbridos" eran un proyecto en sí mismos. El artista pasó dos semanas en Nueva Escocia con la abuela y la tía abuela de un primo, aprendiendo a tejer cestas de cenizas. Construyó los altavoces, cubrió los frentes con su cestería tejida y los recortó con hierba dulce, que según él no solo es un acabado decorativo clásico en las cestas Mi'kmaq, sino que también es importante para los Mi'kmaq tanto como medicina como "para la espiritualidad". propósitos ". Con estos detalles, dice:" Estás agregando una parte más profunda de ti mismo ". El trabajo terminado, dice, toca" la historia familiar de los Jeddores ", junto con" mi propio aprendizaje, mi propia comprensión de las tradiciones Mi'kmaq ".
El antropólogo que tomó las fotografías en 1931 probablemente pensó "esta era una cultura moribunda", dice el artista. "Quería responderle a la memoria de Amite, para hacerle saber que todavía estamos haciendo este trabajo": pesca tradicional de salmón y tejido de canastas. Y agrega: "Quería cerrar la brecha entre lo que tenía el Smithsonian y lo que tenemos en Terranova".
Aosamia'jij — Demasiado Demasiado Poco por Jordan Bennett (Joshua Voda / NMAI) La cestería de Bennett puede ser tradicional, pero muchos de los otros trabajos en "Transformer" tienen pocos rastros de artesanía indígena. En cambio, el hilo que conecta todas las obras en la muestra es que los artistas "están trabajando en los medios contemporáneos para contar una historia indígena", dice David Garneau, co-curador de la exposición y profesor asociado de artes visuales en la Universidad de Regina. en Saskatchewan Incorporando luz o sonido o ambos, las obras van desde retratos y videos digitales hasta instalaciones de sonido. Funcionan con electricidad, pero reflejan el contenido nativo tradicional.
En cierto sentido, no hay nada nuevo sobre este equilibrio entre los medios modernos y la tradición indígena. Ya sea que se importaran cuentas de vidrio europeas hace cientos de años, o películas y videos en el siglo XX, "los artistas nativos siempre han elegido las tecnologías disponibles", dice Kathleen Ash-Milby, co-curadora de "Transformer". Ahora, y Especialmente en Canadá, donde los fondos del gobierno apoyan el arte, la tecnología y los artistas indígenas en particular, los artistas nativos también están adoptando los medios digitales. (Seis de los diez artistas en la exposición son de Canadá, un hecho que ambos curadores atribuyen a la mayor financiación allí. Garneau dice simplemente: "Hay muchos menos artistas trabajando de esta manera en los Estados Unidos").
Al elegir obras para el espectáculo, dice Ash-Milby, buscaron artistas que llevaran la tecnología "en una dirección muy estética", es decir, enfatizando el color y la forma en lugar de, por ejemplo, narrando la historia o combatiendo los estereotipos.
Cuatro generaciones de Jon Corbett (NMAI) Casualmente, o no, estos artistas también resultaron ser los mismos que "realmente estaban recurriendo a la tradición en su trabajo", dice, y agrega más tarde, "tanta expresión histórica histórica nativa estaba visualmente vinculada a la forma y el diseño, no debería No sorprende que esta relación continúe ".
En el video de Nicholas Galanin, Tsu Heidei Shugaxtutaan (Volveremos a abrir este contenedor de sabiduría que ha quedado a nuestro cuidado), 1 y 2, los bailarines nativos y no nativos cambian de roles, con el peruano-americano haciendo una cadera suelta. improvisa una canción tradicional Tlingit y el bailarín Tlingit realiza un baile tradicional con música electrónica contemporánea. En Raven Brings the Light, de Stephen Foster , una vieja historia de la costa noroeste está contada, oblicuamente, en sonidos forestales grabados y en luz y sombra en las paredes de una tienda de campaña.
En el caso de las Cuatro generaciones de Jon Corbett , la tradición puede estar incrustada en los píxeles. Esta serie de retratos familiares se compone de imágenes digitales de cuentas dispuestas en espiral en una pantalla, con caras que aparecen y desaparecen lentamente a medida que las cuentas se suman y restan en un ritmo fascinante. Los píxeles en la pantalla de una computadora generalmente se disponen en una cuadrícula, pero Garneau dice que la cuadrícula rectangular tiene una historia opresiva como una herramienta de los topógrafos europeos que rompieron los asentamientos nativos en el siglo XIX. Entonces, en cambio, el artista ha colocado las cuentas en espiral, una forma más significativa en las culturas indígenas. El trabajo hace eco de los abalorios nativos, dice Garneau, mientras encuentra una nueva forma de "pasar la rejilla que es la pantalla".
Tsu Heidei Shugaxtutaan (Volveremos a abrir este contenedor de sabiduría que nos ha dejado a nuestro cuidado), 1 y 2 por Nicholas Galanin (NMAI) 
Tsu Heidei Shugaxtutaan (Volveremos a abrir este contenedor de sabiduría que nos ha dejado a nuestro cuidado), 1 y 2 por Nicholas Galanin (NMAI) El Heraldo de la catástrofe de Marianne Nicolson lidia con amenazas que son muy del siglo XXI. Su comunidad de origen, Kingcome Inlet, BC, sufrió inundaciones desastrosas en el río en 2010. "Toda la comunidad fue evacuada en helicóptero", dice ella. "Hemos estado allí durante miles de años, y no había precedentes para ello". Ella cree que las inundaciones fueron el resultado de un siglo de tala comercial, que alteró el curso del río, junto con el cambio climático, que está causando un glaciar que alimenta el río para derretirse. En su instalación, Nicolson colocó una luz en movimiento dentro de un cofre de vidrio al estilo de una caja tradicional de madera curvada de la Costa Noroeste, y las sombras que proyecta a lo largo de las paredes de la galería como aguas de inundación.
En el tamaño y la forma de la caja, su incrustación de concha y las figuras a los lados, el trabajo se basa fuertemente en las tradiciones visuales indígenas de la costa noroeste. Pero sus referencias también se extienden en espiral para incluir las ideas del artista sobre los peligros del capitalismo y el cambio climático. Nicolson dice que se inspiró en el sitio del museo en el bajo Manhattan, cerca de Wall Street. En un extremo de la caja, retrata la compra holandesa de Manhattan y el "intercambio de dinero por tierra que los colonos hicieron con los pueblos indígenas". Y las crecientes aguas de inundación que evoca su pieza, dice, podrían ser las que inundó el vecindario del museo después del huracán Sandy en 2012.
El trabajo también incluye una imagen de una tortuga, un animal que es importante para muchas otras culturas nativas pero no para la suya. "Quería abrirlo para que no solo fuera específico de mi lugar particular en esta tierra, sino también en toda América del Norte", dice. "Mi esperanza es que la enseñanza de la población indígena", sobre cómo cuidar la tierra a largo plazo, "sea asumida por la cultura en general. Tenemos las soluciones, si otras personas no las rechazan ”.
El Heraldo de la Catástrofe de Marianne Nicolson (Joshua Voda / NMAI) Al igual que los otros artistas en "Transformer", Nicolson está buscando urgentemente nuevas formas de comunicar ideas antiguas. Como dice Garneau: "Un artista indígena enfrenta este dilema: ¿van a ser una persona tradicional en su arte", trabajando estrictamente en los medios tradicionales como quilling o rebordear, por ejemplo? "Entonces son una persona contemporánea, pero no están haciendo arte contemporáneo".
"Algunos artistas", dice, "están tratando de encontrar un espacio intermedio".
“ Transformer: Native Art in Light and Sound” se exhibirá en la ciudad de Nueva York en el Museo Nacional del Indio Americano, George Gustav Heye Center, hasta el 6 de enero de 2019.
