No mucho después de que Japón decidiera formalmente comenzar a comerciar con Occidente en la década de 1850, la fotografía también llegó a la nación isleña. Ambos señalaron una nueva era de modernidad.
La búsqueda para comprender y representar el alma de Japón a medida que evolucionó de imperialista, agrario y aislacionista, a más populista, global y urbano es el tema de dos exhibiciones ahora en exhibición en las galerías Smithsonian Freer y Sackler en Washington, DC., "Japan Modern: Photography from the Gloria Katz and Willard Huyck Collection" y "Japan Modern: Prints in the Age of Photography", comparten mucho, dice Frank Feltens, curador de la muestra impresa.
Ninguno de los dos está en orden cronológico, pero ambos agrupan imágenes en temas comunes, dominando la ciudad y el país. El espectáculo de fotografía es muy documental; Muchos están en blanco y negro. Los estampados, hechos con bloques de madera tallada, son atrevidos, visuales y coloridos. Pero, dice Feltens, "entre los dos espectáculos, comienzas a encontrar más y más puntos en común", un interés en las superficies, los ángulos, los fragmentos.
Los artistas "miran el mundo exterior, pero lo vuelven a imaginar a través de la lente y luego a través de los bloques de madera", dice Feltens.
Como lo hizo en el mundo occidental, la fotografía proyecta una gran sombra. Los grabados en madera habían existido durante al menos un milenio, principalmente como un medio para comunicar algo sobre la cultura: contar historias. A fines del siglo XIX, el grabado estaba muerto, una víctima de la fotografía más fácil y barata.
La primera fotografía conocida tomada en Japón data de 1848, dice Feltens. Los Daguerrotypes fueron populares en Japón, como lo fueron en Europa y América, pero la fotografía realmente despegó en la década de 1920, con el surgimiento de más equipos portátiles como la cámara de bolsillo de Kodak, dice Carol Huh, curadora del espectáculo de fotografía. El bolsillo del chaleco, que es aproximadamente del tamaño de una cámara moderna, con una lente que se saca, estilo acordeón, se fabricó entre 1912 y 1926, y se hizo extremadamente popular en Japón, dando lugar a clubes de cámaras y la fotografía fotográfica de la Escuela Besu-Tan estilo.
El espectáculo fotográfico fue posible gracias al obsequio parcial en mayo de 2018 de un tesoro de unas 400 fotografías recopiladas por Gloria Katz y Willard Huyck, aficionados y guionistas de Japón, más conocidos por American Graffiti e Indiana Jones y el Templo de la Perdición . La colección se había exhibido en gran medida en las paredes de su hogar en Brentwood, California. Huh seleccionó para el espectáculo 80 copias de dos docenas de artistas, centrándose en aquellos que influyeron en la trayectoria de la fotografía japonesa.
Simmon: Un paisaje privado (# 1), por Hosoe Eikoh, 1971 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Ferry de Seikan, de la serie Karasu (Cuervos) de Fukase Masahis, 1976 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Yokosuka, Kanagawa, por Tomatsu Shomei, 1959 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Koen Dori, Shibuya, de la serie Karasu (Cuervos), de Fukase Masahisa, 1982 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Picos del volcán Takachiho, prefecturas de Kagoshima y Miyazaki, por Hamaya Hiroshi, 1964 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Kamaitachi # 8, por Hosoe Eikoh, 1965 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Hombre en un impermeable Minobashi tradicional, Prefectura de Niigata, por Hamaya Hiroshi, 1956 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Mi esposa en las dunas, por Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Boku a Neko (El gato y yo), por Ueda Shoji, ca. 1950 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) 
Evening View, por Moriyama Daido, 1977 (Freer | Sackler, Compra y regalo parcial de Gloria Katz y Willard Huyck) La galería inicial, con impresiones de las décadas de 1920 y 1930, muestra cómo los fotógrafos japoneses fueron tan influenciados por los contemporáneos europeos, especialmente los ilustradores de enfoque suave. "Estamos llegando a una especie de pico de afirmación de la fotografía como medio de expresión, un medio de arte y también una transición hacia una estética más modernista", dice Huh. Las primeras fotos documentaron la ciudad y el país: un canal; trigo ondeando en la brisa. La transición se ve en el estudio de luces y sombras de Ishikawa Noboru de la década de 1930, Barn Roof, que se enfoca en un fragmento de una cúpula con un fondo brumoso.
Una tarde en la montaña, una impresión en plata de gelatina de 1931 de Shiotani Teiko, podría ser una pintura abstracta. Un esquiador solitario y pequeño parece estar luchando por subir por la pendiente gris muy angulada que corta el cuarto inferior de la fotografía, dividiéndola del cielo igualmente gris. Teiko disparó en gran medida en la prefectura de Tottori en la costa occidental de Japón, creando a partir de sus enormes dunas y montañas. "El paisaje se convierte en una oportunidad para estos estudios de forma", dice Huh.
Teiko también filmó impresiones caprichosas de objetos doblados de forma antinatural, un precursor del surrealismo que se hizo tan evidente en el trabajo de su estudiante Ueda Shoji. 1950 My Wife on the Dunes de Shoji presenta a su esposa vestida de kimono, cortada en las rodillas, mirando desde el primer plano a la derecha; a su derecha, hay tres hombres en trajes de negocios, mirando en diferentes direcciones con enormes sombras detrás de cada uno. De aspecto surrealista, también representa un Japón que coexiste con su herencia antigua y sus imágenes modernas.
Muchas de las fotos examinan esa interacción, especialmente cuando Japón miró hacia adentro y enfrentó la realidad de la devastación de la Segunda Guerra Mundial y cómo el país se reconstruiría y rehacería.
Japón es la única nación que ha experimentado la ira de una bomba atómica. El espectáculo toca a Nagasaki, donde los estadounidenses lanzaron una bomba sobre la ciudad de 200, 000 personas a las 11:02 am del 9 de agosto de 1945. Japón prohibió la fotografía después de Nagasaki e Hiroshima, pero unos 16 años después, en 1961, el El Consejo de Japón contra las bombas atómicas y de hidrógeno encargó a Tomatsu Shomei que documentara la recuperación de la ciudad. "No era inusual en ese momento que muchos japoneses no hayan visto realmente lo que sucedió allí", dice Huh. Eso incluía a Shomei. Profundizó en la tela de Nagasaki, fotografiando la vida actual, sobrevivientes de bombas y objetos en lo que ahora es el Museo de la Bomba Atómica.
Uno de ellos, filmado en un fondo simple: un reloj de pulsera se detuvo a las 11:02. Una botella que fue distorsionada por la explosión toma una forma inquietantemente humana. "Parece un cadáver", dice Huh. El libro de Shomei 11:02 Nagasaki es un cálculo personal y un documento clave de ese horrible evento.
También estaba obsesionado y fotografió su interpretación de la ocupación de Japón por parte de los estadounidenses después de la guerra, que terminó oficialmente en 1952. Sin embargo, los efectos fueron duraderos. Muchas de las imágenes muestran la curiosidad y consternación de los fotógrafos con estos extranjeros que se habían insertado en su nación. El espectáculo incluye algunas impresiones de la serie 1959-62 de Yamamura Gasho en Washington Heights, un área residencial militar estadounidense en Tokio. En uno, un grupo de niños blancos y negros de aspecto travieso se presionan contra una valla de alambre. Gasho está literalmente "fuera de la cerca mirando este extraño trasplante en el centro de Tokio", dice Huh.
El espectáculo termina con el Diorama Map of Tokyo 2009, un collage modernista de Nishino Sohei, un artista de 36 años. Caminó por Tokio, tomando fotos de la calle, haciéndose eco de un proyecto similar de finales del siglo XIX que creó los primeros mapas medidos de Japón. Sohei recortó pequeñas impresiones de las hojas de contacto, las colocó una al lado de la otra y luego las fotografió nuevamente para la impresión final. "El acto de juntarlos es recordar ese viaje", dice Huh.
Antes de la fotografía, ese tipo de mapeo de Tokio se habría realizado en una escala menos grande a través de la impresión de bloques de madera. Pero los impresores lucharon por demostrar su relevancia frente a la creciente popularidad de la fotografía. Ya en la década de 1870, comenzaron a cambiar su forma de trabajar. La estación de tren Shinbashi, una impresión brillante y multicolor realizada en 1873, fue un ejemplo del nuevo estilo, mostrando edificios de ladrillo y un tren en marcha fuera de la estación de Yokohama.
Las proporciones entre las figuras y los edificios fueron precisas, y tiene un sentido fotográfico de perspectiva, dice Feltens. Pero los colores llamativos eran "enfáticamente poco fotográficos", un intento de competir con el medio que luego se limitaba al blanco y negro.
El esfuerzo, sin embargo, fracasó miserablemente y el grabado fracasó. En la década de 1920, dos nuevos movimientos intentaron revivir las impresiones. En la escuela de "nueva impresión", un editor pensó que podía atraer a los occidentales, quienes estaban tomando vistas fotográficas idealizadas que presentaban un Japón que era perfectamente moderno y antiguo al mismo tiempo, con estampados en madera que ofrecían retratos sentimentales similares.
Shin-Ohashi, de 1926, intenta esto. Es una escena nocturna con el parpadeo de una luz de gas reflejada en el caballete de acero de un puente de ferrocarril; Mientras tanto, un hombre con un sombrero de paja tradicional tira un rickshaw, mientras que una mujer vestida de kimono que sostiene una sombrilla grande se para detrás de él. Fue un intento desnudo tanto de superar la fotografía (no se podían tomar fotos de noche) como de satisfacer a los extranjeros. "Este tipo de impresiones no se vendieron a japoneses, incluso hoy", dice Feltens. También se crearon como piezas de arte para ser coleccionadas, una nueva dirección para las impresiones.
En la década de 1930, el movimiento "creativo" comenzó a despegar. Los impresores japoneses habían absorbido del arte occidental la idea de que el genio del creador debía ser visible. Por lo tanto, los grabadores comenzaron a agregar firmas, a menudo en inglés, y números de edición a sus obras. Estos ya no eran la producción de un ejército de talladores que entregaban su trabajo a una operación de impresión.
Las impresoras todavía usaban bloques de madera, pero de una manera cada vez más sofisticada. El color era una característica importante. Y la perspectiva aún era muy fotográfica.
El monte 1938 de Ito Shinsui . Fuji del Observatorio Hakone es una obra maestra de perspectiva y sensación fotográfica. La única diferencia es la gama de azules, blancos y marrones.
Muchas de las 38 impresiones en el espectáculo son impresionantes en la profundidad de su arte, un punto que Feltens esperaba hacer. "Queríamos mostrar la amplitud del color y los tonos, y esta explosión de creatividad que está ocurriendo", especialmente a partir de la década de 1930, dice. "Estas personas, en términos de creatividad, no conocían límites", dice Feltens.
Al igual que el espectáculo de fotografía, las impresiones demuestran que los artistas tenían "una mirada analítica sobre Japón", dice Feltens. Pero a diferencia de los fotógrafos, los impresores no participaron en comentarios u observaciones políticas directas o indirectas sobre la Segunda Guerra Mundial.
Pero hay una conexión con esa guerra, dice Feltens. Muchos coleccionistas de impresiones, incluido Ken Hitch, que prestó al Freer | Sackler una buena cantidad de las impresiones en el programa, vivieron en Japón durante la ocupación estadounidense.
Tanto los grabadores como los fotógrafos lucharon para ser aceptados como bellas artes en Japón, dice Feltens. Irónicamente, las impresiones, casi extinguidas por la fotografía, fueron las primeras en ser reconocidas como una verdadera forma de arte, dice.
"Japan Modern: Photography from the Gloria Katz and Willard Huyck Collection", comisariada por Carol Huh, y "Japan Modern: Prints in the Age of Photography", comisariada por Frank Feltens, están a la vista en las galerías Smithsonian's Freer y Sackler en Washington, DC hasta el 24 de enero de 2019.
