Paul Gauguin no carecía de confianza. "Soy un gran artista, y lo sé", se jactó en una carta en 1892 a su esposa. Dijo lo mismo a sus amigos, sus distribuidores y al público, a menudo describiendo su trabajo como incluso mejor que lo que había sucedido antes. A la luz de la historia del arte moderno, su confianza estaba justificada.
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Pintor, escultor, grabador, ceramista y escritor, Gauguin se erige hoy como uno de los gigantes del posimpresionismo y pionero del modernismo. También fue un gran narrador, creando narrativas en cada medio que tocó. Algunos de sus cuentos eran ciertos, otros casi falsos. Incluso las exuberantes obras maestras de Tahití por las que es más conocido reflejan un paraíso exótico más imaginario que real. Las fábulas que Gauguin hizo girar estaban destinadas a promocionarse a sí mismo y su arte, una intención que tuvo más éxito con el hombre que su trabajo; fue bien conocido durante su vida, pero sus pinturas se vendieron mal.
"Gauguin creó su propia personalidad y estableció su propio mito sobre el tipo de hombre que era", dice Nicholas Serota, el director de la Tate de Londres, cuya exposición, "Gauguin: Creador de mitos", viajó el mes pasado a la Galería Nacional de Washington. de Arte (hasta el 5 de junio). "Gauguin tenía la genuina sensación de que tenía grandeza artística", dice Belinda Thomson, curadora de la exposición de Tate Modern. "Pero él también juega, así que no estás seguro de si puedes tomarlo literalmente".
De las casi 120 obras expuestas en Washington, varios autorretratos tentadores representan a Gauguin de diversas formas: pintor luchando en un estudio de buhardillas; víctima perseguida; como Cristo en el huerto de los olivos. Un autorretrato de 1889 lo muestra con un halo sagrado y una serpiente diabólica (con manzanas del Jardín del Edén en buena medida), lo que sugiere cuán contradictorio podría ser.
Ciertamente, el artista habría estado complacido por la renovada atención; su objetivo, después de todo, era ser famoso. Se vistió extrañamente, escribió críticas egoístas de su trabajo, cortejó a la prensa e incluso entregó fotografías de sí mismo a sus fanáticos. A menudo estaba borracho, beligerante y promiscuo, y posiblemente suicida. Se trasladó de la sociedad parisina a lugares cada vez más exóticos (Bretaña, Martinica, Tahití y, finalmente, a las Islas Marquesas en la Polinesia Francesa) para escapar de un mundo que sentía se estaba modernizando demasiado rápido.
Sus colores vívidos, el aplanamiento de la perspectiva, las formas simplificadas y el descubrimiento del llamado arte primitivo llevaron a los académicos a atribuirle la influencia del fauvismo, el cubismo y el surrealismo. Su poderosa personalidad también ayudó a establecer la convención del artista como iconoclasta (piense en Andy Warhol o Julian Schnabel). "Se basó en el simbolismo y la poesía franceses, en la filosofía inglesa, la Biblia y las leyendas de los mares del sur", dice Mary G. Morton, conservadora de pinturas francesas en la Galería Nacional. "Tomó un enfoque multicultural en su trabajo".
Soyez mystérieuses (Sé misterioso) es el título que Gauguin le dio a una talla de bajorrelieve de madera de una mujer bañista. Era un precepto por el que vivía. Como si sus pinturas no estuvieran suficientemente llenas de ambigüedad, les dio títulos deliberadamente confusos. Algunos tenían la forma de preguntas, como ¿De dónde venimos? ¿Que somos? ¿A dónde vamos?, una escena tropical tan desconcertante como su título. Otros fueron escritos en tahitiano, un idioma que algunos compradores potenciales encontraron desagradable. Incluso en sus primeras imágenes, Gauguin insertaba algún objeto extraño: una enorme jarra de cerveza, por ejemplo, en el encantador retrato de su joven hijo dormido, Clovis. En The Loss of Virginity, el elemento extraño es un zorro, cuya pata descansa casualmente sobre el pecho de una mujer desnuda acostada en un paisaje de Bretaña. (La modelo, una costurera de París, pronto tendría un hijo de Gauguin, una hija llamada Germaine).
El propio artista probablemente era el zorro de la imagen, un animal que según él era el "símbolo indio de la perversidad". Un octavo peruano, este hijo de parisinos burgueses a menudo se refería a sí mismo como parte salvaje. Su primer comerciante, Theo van Gogh (hermano de Vincent), sugirió que el trabajo de Gauguin era difícil de vender porque era "mitad inca, mitad europeo, supersticioso como el primero y avanzado en ideas como ciertas de este último".
Los mares del sur le dieron a Gauguin algunas de sus mejores oportunidades para crear leyendas. Decepcionado porque muchos rituales y dioses tradicionales ya habían desaparecido de la cultura tahitiana, simplemente reconstruyó la suya. De vuelta en París, creó una de sus esculturas más enigmáticas: una grotesca mujer desnuda con ojos saltones, que pisotea a un lobo sangriento a sus pies mientras agarra a una criatura más pequeña con las manos. Gauguin lo consideró su obra maestra de cerámica, y quería que se lo pusiera en su tumba. Su título: Oviri, tahitiano para "salvaje".
La vida de Gauguin fue lo suficientemente interesante sin toda la mitología. Nació Eugene Henri Paul Gauguin el 7 de junio de 1848, en París, de un periodista político, Clovis Gauguin, y su esposa, Aline Marie Chazal, hija de una prominente feminista. Con las revoluciones arrasando Europa cuando Paul apenas tenía un año, la familia buscó la relativa seguridad de Perú, donde Clovis tenía la intención de comenzar un periódico. Pero murió en el camino, dejando a Aline, Paul y la hermana de Paul, Marie, para continuar a Lima, donde se quedaron con el tío de Aline.
Cinco años después regresaron a Francia; Gauguin había vuelto a alta mar cuando tenía 17 años, primero en la marina mercante y luego en la Marina francesa. "Como puede ver, mi vida siempre ha sido muy inquieta y desigual", escribió en Avant et Après (Antes y después), reflexiones autobiográficas que se publicaron después de su muerte. "En mí, una gran cantidad de mezclas".
Cuando murió la madre de Gauguin, en 1867, su amigo cercano Gustave Arosa, un financista y coleccionista de arte, se convirtió en su tutor. Arosa presentó su barrio a los pintores de París, lo ayudó a conseguir un trabajo como corredor de bolsa y arregló para que conociera a Mette Gad, la mujer danesa con la que se casaría en 1873.
En ese momento, Gauguin estaba rodeado de personas que querían ser artistas, incluido el corredor de bolsa Émile Schuffenecker, que seguiría siendo un amigo incluso después de que otros se cansaron de las travesuras de Gauguin. Asistieron a exposiciones de arte, compraron cuadros franceses y grabados japoneses, y incursionaron en aceites. Aunque solo era un pintor dominical, Gauguin tuvo un paisaje aceptado en el importante Salón de París de 1876. Y seis años después, cuando perdió su trabajo en el colapso de la bolsa de valores de 1882, Gauguin comenzó a pintar a tiempo completo, a pesar de que tenía una esposa y cuatro hijos para mantener. "Nadie le dio la idea de pintar", dijo Mette a uno de los biógrafos de su esposo mucho más tarde. "Pintó porque no podía hacer otra cosa".
Para ahorrar dinero, la familia, que finalmente incluiría a cinco hijos, se mudó a la casa familiar de Mette en Copenhague. Gauguin se describió a sí mismo como "más que nunca atormentado por su arte", y solo duró medio año con sus suegros y regresó con su hijo Clovis a París en junio de 1885. Clovis fue puesto bajo el cuidado de Marie; Gauguin nunca volvió a vivir con su familia.
Una búsqueda de alojamientos cada vez más baratos lo llevó a Bretaña en 1886, donde el artista pronto le escribió a su esposa con una bravuconada característica de que era "respetado como el mejor pintor" en Pont-Aven, "aunque eso no le da más dinero". en mi bolsillo ”. Los artistas fueron atraídos a la aldea en el extremo occidental de Francia por la agresteidad de su paisaje, los habitantes disfrazados que estaban dispuestos a posar y las supersticiones celtas superpuestas con rituales católicos que impregnaban la vida diaria. "Amo a Bretaña", escribió Gauguin. “Aquí encuentro lo salvaje y lo primitivo. Cuando mis zuecos resuenan en este suelo de granito, escucho el ruido sordo y potente que estoy buscando en la pintura ”.
Aunque admirador de Claude Monet, coleccionista de Paul Cézanne, estudiante de Camille Pissarro y amigo de Edgar Degas, Gauguin siempre había intentado ir más allá del impresionismo. Quería que su arte fuera más intelectual, más espiritual y menos dependiente de las impresiones rápidas del mundo físico.
En Pont-Aven, su trabajo tomó una dirección radicalmente nueva. Su Visión del Sermón fue la primera pintura en la que utilizó colores vibrantes y formas simples dentro de contornos negros y audaces, en un estilo llamado Cloisonnismo que recuerda a las vidrieras. El efecto alejó la pintura de la realidad natural hacia un espacio más de otro mundo. En Sermón, una rama de un árbol en un campo de bermellón divide la imagen en diagonal, al estilo japonés. En primer plano, un grupo de mujeres bretonas, cuyos sombreros tradicionales parecían "cascos monstruosos" (como Gauguin escribió a Vincent van Gogh), han cerrado los ojos en ensueño. En la parte superior derecha está su experiencia religiosa colectiva: la escena bíblica de Jacob luchando con un ángel de alas doradas. La respuesta de un crítico al cuadro evocador y alucinante fue ungir a Gauguin, el maestro del simbolismo.
Complacido con el gran lienzo, Gauguin reclutó a amigos artistas para que lo llevaran a una iglesia de piedra cercana. Pero el sacerdote local rechazó la donación como "no religiosa y sin interés". Gauguin aprovechó esta afrenta como una oportunidad de relaciones públicas, escribiendo cartas indignadas y alentando a sus colaboradores a correr la voz en París. Como ha señalado la historiadora de arte Nancy Mowll Mathews, "La Visión del Sermón de Gauguin ganó más notoriedad al ser rechazada de lo que hubiera sido por haber sido cortésmente aceptada por el sacerdote y tan cortésmente puesta en un armario".
En 1888, como ahora es legendario, Vincent van Gogh invitó a Gauguin, a quien había conocido en París, a unirse a él en Arles para crear un "Estudio del Sur" de artistas. Al principio Gauguin objetó, argumentando que estaba enfermo, endeudado. - retenido o demasiado involucrado en una posible empresa comercial. Pero Theo van Gogh le ofreció al perpetuamente pobre Gauguin una razón para aceptar la invitación de su hermano: un estipendio a cambio de una pintura al mes. La estancia de dos meses de Gauguin en la Casa Amarilla de Arles resultó productiva y tensa. "Vincent y yo no estamos de acuerdo en mucho, y especialmente en la pintura", escribió Gauguin a principios de diciembre. En una discusión borracha poco después, van Gogh se acercó a Gauguin con una navaja de afeitar. Gauguin huyó y Van Gogh se volvió la navaja y se cortó parte de la oreja. Aun así, los dos correspondieron hasta que Van Gogh se suicidó 18 meses después.
Después de que Gauguin regresó a París desde Arles, creó una de sus esculturas más extrañas, Florero de autorretrato en forma de cabeza cortada . Tal vez una alusión a Juan el Bautista, esta cabeza de gres gotea con esmalte rojo macabro. ¿La horrible imagen vino de la sangrienta experiencia con Van Gogh? ¿El guillotinado de un asesino convicto que Gauguin había presenciado recientemente? ¿O fue simplemente un guiño a la fascinación actual con lo macabro?
La Exposición Universal de 1889, para la cual se construyó la Torre Eiffel, marcó un momento decisivo para Gauguin. Asistió con entusiasmo al espectáculo del Salvaje Oeste de Buffalo Bill, admiró los moldes de yeso del Templo Budista de Borobudur y vio las pinturas en exhibición. Los artistas que no fueron incluidos en estas exhibiciones patrocinadas por el estado trataron de capitalizar la popularidad de la feria (resultaron 28 millones de personas) organizando sus propios espectáculos fuera del perímetro. Pero el Gauguin no invitado, apoyado en gran parte por el devoto Schuffenecker, montó audazmente un espectáculo grupal en Volpini's Café en el recinto ferial.
Gauguin fue particularmente tomado con las exhibiciones etnográficas de la Exposición, presentando a nativos de las colonias de Francia en África y el Pacífico Sur. Pintó bailarines javaneses, recopiló fotografías de Camboya y, de lo contrario, despertó su deseo de un Elysium tropical. Quería, escribió, "deshacerse de la influencia de la civilización ... sumergirme en la naturaleza virgen, no ver a nadie más que salvajes, vivir su vida". También era consciente de que "la novedad es esencial para estimular a los estúpidos comprando público ".
Probablemente fue la Exposición la que lo señaló a Tahití. Mientras se preparaba para su viaje al año siguiente, le escribió a un amigo que "bajo un cielo invernal, en un suelo maravillosamente fértil, el tahitiano solo tiene que levantar los brazos para recoger su comida". La descripción viene casi palabra por palabra de El manual oficial de la Exposición.
Al llegar a Papeete, la capital de la Polinesia Francesa, en junio de 1891, Gauguin lo encontró mucho menos exótico de lo que había imaginado o esperado. "El suelo de Tahití se está volviendo completamente francés", le escribió a Mette. “Nuestros misioneros ya habían introducido una buena cantidad de hipocresía protestante y borraron parte de la poesía” de la isla. Los misioneros también habían transformado la moda femenina, sin duda para la consternación de Gauguin, del tradicional pareo y pareu a vestidos de algodón con cuellos altos y mangas largas. Pronto se mudó al pueblo de Mataiea, donde los lugareños, así como el paisaje tropical, eran más de su agrado porque estaban menos occidentalizados.
Gauguin reconoció la desaparición de la antigua orden tahitiana en su inquietante pintura Arii Matamoe (The Royal End) . La pieza central es una cabeza cortada, que Gauguin describió fríamente como "muy bien dispuesta en un cojín blanco en un palacio de mi invención y custodiada por mujeres también de mi invención". La inspiración para la pintura, si no la decapitación, puede haber sido la funeral del rey Pomare V, que Gauguin presenció poco después de llegar a la isla; Pomare no fue decapitado.
Aunque era un anticlerico vehemente, el artista no pudo sacudir completamente su herencia católica. Su respetuosa La Última Cena contrasta el brillo del halo amarillo cromo de Cristo con sobrios grabados tribales. En Natividad, una enfermera tahitiana sostiene al niño Jesús, mientras un ángel de alas verdes está de guardia y una exhausta María descansa.
En sus cuadernos, así como en su imaginación, Gauguin llevaba las obras que más significaban para él. Entre ellos: fotografías de pinturas de tumbas egipcias, obras maestras del Renacimiento y un catálogo de subastas de 1878 de la colección de su guardián Arosa, con obras de Camille Corot, Gustave Courbet y Eugene Delacroix. Como muchos artistas de la actualidad, Jeff Koons, Richard Price y Cindy Sherman, entre ellos, Gauguin los expropió libremente de todos. "No disfrazó sus préstamos, que eran muy diversos", dice el curador Thomson. "Esa es otra forma en la que es tan moderno".
En la pared de su cabaña de bambú en Mataeia, Gauguin colgó una copia de Olympia, la pintura revolucionaria de Édouard Manet de una prostituta descaradamente desnuda con una flor en el pelo. Gauguin, que siempre hizo travesuras, llevó a su joven amante Tehamana a creer que era un retrato de su esposa. Tehamana fue el modelo de varias obras en la exposición, incluyendo Merahi Metua no Tehamana (Los antepasados de Tehamana), Te Nave Nave Fenua (La tierra encantadora) y Manao tupapau (El espíritu de los muertos vigila) .
Aunque la obra maestra de Manet, que Gauguin había copiado una vez, indudablemente inspiró a Manao tupapau, el amante de Gauguin yace no sobre su espalda como Olympia sino sobre su estómago, sus ojos mirando aterrorizados a tupapau, un espíritu con capucha negra, cerca del pie de la cama
"Tal como está, el estudio es un poco indecente", reconoció Gauguin en Noa Noa, un relato de sus viajes a Tahití que escribió después de regresar a París. "Y, sin embargo, quiero hacer una imagen casta, una que transmita la mentalidad nativa, su carácter, su tradición". Así que Gauguin creó una historia de fondo para la pintura, una que puede o no ser cierta. Afirmó que cuando regresó a la cabaña tarde una noche, las lámparas se habían apagado. Encendiendo una cerilla, asustó tanto a Tehamana de su sueño que lo miró como si fuera un extraño. Gauguin proporcionó una causa razonable para su miedo: "los nativos viven en constante temor de [el tupapau]". A pesar de sus esfuerzos por controlar y moderar la narrativa, la Academia Sueca de Bellas Artes encontró a Manao tupapau indecoroso y lo retiró de una exposición de Gauguin en 1898.
Aunque los dos años de Gauguin en Tahití fueron productivos: pintó unos 80 lienzos y produjo numerosos dibujos y esculturas de madera, aportaron poco dinero. Desanimado, decidió regresar a Francia, aterrizando en Marsella en agosto de 1893 con solo cuatro francos a su nombre. Pero con la ayuda de amigos y una pequeña herencia, pronto pudo montar una exposición individual de su trabajo tahitiano. La recepción crítica fue mixta, pero el crítico Octave Mirbeau se maravilló de la habilidad única de Gauguin para capturar "el alma de esta raza curiosa, su pasado misterioso y terrible, y la extraña voluptuosidad de su sol". Y Degas, entonces en la cima de su éxito y influencia, compró varias pinturas.
Convirtió su estudio de Montparnasse en un salón ecléctico para poetas y artistas. Jugando por el reconocimiento, se vistió con un abrigo azul con un astrakhan fez, llevó un bastón tallado a mano y mejoró su imagen impactante con otra joven amante, la adolescente Anna, la javanesa, y su mono mascota. Acompañó a Gauguin a Pont-Aven, donde Gauguin planeaba pasar el verano de 1894. Pero en lugar de disfrutar del estímulo artístico de Bretaña, Gauguin pronto se encontró en una pelea con marineros bretones, que estaban molestando a Anna y su mono, que se fueron él con una pierna rota. Mientras se recuperaba, Anna regresó a París y saqueó su departamento, poniendo fin a su relación de meses.
Las feministas podrían ver la acción de Anna como una recompensa por el largo abuso de Gauguin hacia las mujeres. Después de todo, abandonó a su esposa e hijos, buscó amantes menores de edad y vivió una vida de hedonismo que terminó en insuficiencia cardíaca exacerbada por la sífilis. Aún así, a menudo expresaba tristeza por su matrimonio fallido y extrañaba a sus hijos en particular. Y creó muchas más imágenes femeninas que masculinas, compartiendo con sus contemporáneos simbolistas la idea de lo Eterno Femenino, en el que las mujeres eran seductoras femmes fatales o virtuosas fuentes de energía espiritual. Sus bellas y enigmáticas mujeres tahitianas se han convertido en iconos del arte moderno.
Luego están los elaborados tallados en las puertas que identifican la residencia final de Gauguin en las remotas islas Marquesas de la Polinesia Francesa, a unas 850 millas al noreste de Tahití. Fue allí a los 53 años en septiembre de 1901 para encontrar, dijo, "un entorno incivilizado y una soledad total" que "reavivará mi imaginación y llevará mi talento a su conclusión". Las letras talladas en sans serif de la puerta deletrean Maison du Jouir ( House of Pleasure), efectivamente, un lugar de mala reputación. Quizás para burlarse de su vecino, el obispo católico, el portal presenta desnudos femeninos de pie y la exhortación a "Soyez amoureuses vous serez heureuses" - " Enamórate y serás feliz". La curadora de Tate Christine Riding sugiere que el trabajo puede no ser tan antifeminista como podrían indicar las costumbres de hoy. Gauguin puede estar ofreciendo a las mujeres una idea liberadora: ¿por qué no deberían disfrutar de hacer el amor tanto como los hombres?
Gauguin pasó sus últimos días luchando contra las autoridades coloniales por presunta corrupción, así como por lo que consideraba regulaciones injustificadas de alcohol y moral infantil. Con vestimenta nativa y pies descalzos, también argumentó, en la corte, que no debería tener que pagar impuestos. "Para mí, es cierto: soy un salvaje", escribió a Charles Morice, el colaborador en sus memorias Noa Noa . “Y la gente civilizada sospecha esto, porque en mis trabajos no hay nada tan sorprendente y desconcertante como este aspecto 'salvaje a pesar de mí mismo'. Por eso [mi trabajo] es inimitable ”.
A medida que su salud se deterioraba, Gauguin consideró regresar a Europa. Su amigo Daniel de Monfreid argumentó en contra, diciendo que el artista no estaba dispuesto a hacer el viaje y que un regreso a París pondría en peligro su creciente reputación. "Eres en este momento ese extraordinario y legendario artista que envía desde las profundidades de Oceanía sus obras desconcertantes e inimitables, las obras definitivas de un gran hombre que ha desaparecido, por así decirlo, de la faz de la tierra".
Enfermo y casi sin dinero, Gauguin murió a los 54 años el 8 de mayo de 1903 y fue enterrado en las Marquesas. Ese año se realizó una pequeña retrospectiva en París. Una gran exposición de 227 obras siguió en 1906, que influyó en Pablo Picasso y Henri Matisse, entre otros. Gauguin fue famoso por fin.
Ann Morrison es la ex editora de Asiaweek y coeditora de la edición europea de Time . Ella ahora vive en París.
Paul Gauguin, en un autorretrato de 1889, insistió en que quería "deshacerse de la influencia de la civilización". (Galería Nacional de Arte, Colección Chester Dale) 
La amante tahitiana de Gauguin, Tehamana, modeló para muchas de sus obras en los Mares del Sur, incluida la exuberante Te Nave Nave Fenua (La tierra encantadora), 1892, en la que una Eva tahitiana busca una flor. (Museo de arte de Ohara) 
Arii Matamoe (The Royal End), 1892, puede basarse en el funeral del rey tahitiano Pomare V. (Museo J. Paul Getty, Los Ángeles) 
Gauguin llamó a la talla en bajorrelieve de una mujer bañista Be Mysterious, 1889, un precepto por el cual vivió su vida. (Musée D'Orsay / Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Esta cabeza de cerámica esmaltada, 1889, es un autorretrato de Gauguin. (Museo Danés de Arte y Diseño, Copenhague) 
"Vincent y yo no estamos de acuerdo mucho", escribió Gauguin, 1888, sobre el compañero de casa de Arles, Van Gogh. (Bridgeman Art Library Internacional) 
¿Por qué Gauguin incluyó una jarra de madera en el retrato de su hijo, Clovis dormido, 1884? La respuesta puede estar en la necesidad del artista de desafiar la convención o, más probablemente, simplemente le gustó pintarla: la posesión preciada aparece en varias de sus obras. (Colección privada) 
Aunque vehementemente anticlerico, Gauguin tejió símbolos de su educación católica en muchas de sus pinturas. En Natividad, 1896, una niñera de aspecto tahitiano sostiene al niño Jesús, mientras que un ángel de alas verdes hace guardia; en el fondo, Mary duerme. (Museo Estatal del Hermitage, San Petersburgo) 
"Soy un gran artista y lo sé", escribió Gauguin, en un autorretrato de 1903, en 1892. "Es porque sé que he sufrido tantos sufrimientos". (Kunstmuseum / Erich Lessing / Art Resource) 
Gauguin pintó Merahi Metua no Tehamana (Los antepasados de Tehamana) en Tahití en 1893. (The Art Institute of Chicago, Gift of Mr. and Mrs. Charles Deering McCormick) 
Gauguin, Naturaleza muerta con abanico, 1888. (Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, NY) 
Gauguin, Te Rerioa (El sueño), 1897. (El Samuel Courtauld Trust, la Courtauld Gallery, Londres) 
Gauguin, Bonjour Monsieur Gauguin, 1889. (Hammer Museum, Los Ángeles, The Armand Hammer Collection, Gift of the Armand Hammer Foundation) 
Gauguin, Cristo en el jardín de los olivos, 1889. (Norton Museum of Art, West Palm Beach, Gift of Elizabeth C. Norton) 
Gauguin, Dos niños, c. 1889. (Ny Carlsberg Glyptotek, Copenhague) 
Gauguin, No te aha oe ririr (¿Por qué estás enojado?), 1896. (The Art Institute of Chicago, Colección Sr. y Sra. Martin A. Ryerson) 
Gauguin, Te Faaturuma (La mujer melancólica), 1892. (Museo de arte de Worcester) 
Gauguin, Retrato del artista con ídolo, c. 1893. (Colección del Museo de Arte McNay, San Antonio, Legado de Marion Koogler McNay) 
Gauguin, The Yellow Christ, 1889. (© Albright-Knox Art Gallery / Art Resource, NY)
