La obra de David Bradley abarca múltiples medios, géneros y movimientos artísticos. En algunas obras, el artista, que es Minnesota Chippewa, canaliza los retratos serigrafiados popularizados por Andy Warhol; en otros, reimagina escenas tan clásicas como el "American Gothic" de Grant Wood o presenta cuadros panorámicos que recuerdan monumentales retablos renacentistas y pinturas de paneles. Sin importar el tema o el estilo, sin embargo, una preocupación común, es decir, interrogar la experiencia de los nativos americanos representada por clichés comerciales versus realidades vividas, subyace en todo el trabajo de Bradley.
Una exposición itinerante que ahora se exhibe en el Museo Autry del Oeste Americano de Los Ángeles se basa en más de 30 pinturas, obras de técnicas mixtas y esculturas de bronce para trazar la trayectoria de los casi 40 años de carrera de Bradley. Lanzado en el Museo de Arte y Cultura Indígena de Santa Fe en febrero de 2015, la retrospectiva, titulada Indian Country: The Art of David Bradley, concluyó su ejecución inicial en enero de 2016.
El arte vibrante y colorido de Bradley a menudo reinterpreta pinturas famosas desde una perspectiva indígena. En lugar de un agricultor adusto y su hermana, por ejemplo, el artista representa figuras como Sitting Bull, Tonto y Lone Ranger, quienes aparecen como personajes recurrentes y recordatorios de la comercialización de Hollywood en toda la exposición.
Las figuras de la historia de los nativos americanos están lejos de ser los únicos habitantes reconocibles de los lienzos de Bradley: en la concurrida escena de "El Farol, Canyon Road Cantina", Georgia O'Keeffe, Bill y Hillary Clinton, y un vendado Vincent van Gogh escuchan música de jazz junto a el propio artista, así como destacados lugareños de Santa Fe, incluido el artista Tommy Macaione.
Muchas de las "apropiaciones de la historia del arte" abrazadas por Bradley aparecen en múltiples interpretaciones. Los riffs en "Sleeping Gypsy" de Henri Rousseau, por ejemplo, reemplazan al tupido león crinero del pintor francés con primero un león de montaña y luego un oso. En una versión de 2005 del cactus original de 1897, un horizonte distintivo de la ciudad y una mujer nativa americana dormida rodeada de pequeñas criaturas del desierto identifican fácilmente el escenario como Nuevo México en lugar de un oasis genérico iluminado por la luna.
David Bradley, "Mercado indio de Santa Fe", 2001 (Museo de Arte de la Universidad de Wyoming) Muchos de los trabajos en exhibición reflejan la propia educación de Bradley: nacido en Eureka, California, en 1954, hijo de una madre chippewa de Minnesota y un padre anglo, fue criado por una familia no nativa en una comunidad predominantemente blanca de Minnesota. "Bradley experimentó de primera mano el racismo hacia los pueblos indígenas que prevalecía en Minnesota en ese momento", escribió Michael Abatemarco, de Santa Fe New Mexican, antes de la inauguración del programa.
Esta experiencia informó de cerca la carrera de Bradley como artista y activista. Fuera del lienzo, es tan reconocible por su campaña de base para exponer la industria multimillonaria que rodea las artes y artesanías falsificadas que se hicieron pasar por auténticas creaciones nativas .
En una entrevista de 2015 con Dana Joseph de Cowboys & Indians, Bradley, de 61 años, reflexionó sobre ese legado por correo electrónico. Cuatro años antes, en agosto de 2011, le habían diagnosticado ELA y, debido a su deterioro de la salud, ya no podía participar en una entrevista oral. Respondiendo en un mensaje de texto, el artista explicó que a pesar de saber que su propia carrera sufriría por hablar, no podía simplemente dejar de lado y ver la explotación desenfrenada en el mundo del arte.
"Me convertí en el artista indio más en la lista negra del país, y continúa hasta nuestros días", dijo Bradley. “Pero sé que hicimos lo correcto. Comenzamos un diálogo nacional sobre la identidad india, que resultó en la aprobación de una Ley de Artes y Oficios Indígenas de Nuevo México, así como una versión federal de esa ley ".
Bradley también lo convirtió en el centro de su obra de arte, asumiendo todo "desde clichés de Hollywood hasta estereotipos nativos, el mercado del arte y el racismo incrustado en ellos", como lo expresa un comunicado de prensa del Museo Autry. Y lo hizo a través de su propia voz distintiva, usando vívidas explosiones de color, humor característico e imágenes reconocibles para abordar temas sin respuestas fáciles. "Mi arte sugiere y comenta situaciones, pero no las resuelve", dice en una declaración proporcionada a Autry.
Hablando sobre el legado de Bradley, Amy Scott, de Autry, comparte: "El tono de Bradley a menudo es engañosamente ligero, y su trabajo llena de alegría a los espectadores, incluso cuando les implora que digieran los comentarios mordaces que hace sobre el mundo que lo rodea".
Indian Country: The Art of David Bradley se exhibirá en el Museo Autry del oeste americano en Los Ángeles hasta el 5 de enero de 2020.
