Una mujer pasea por una calle de la ciudad, con un vestido turquesa y zapatos rojos directamente de Oz. Ella es feliz, despreocupada y lleva una linterna antorcha, que procede a balancear, con alegría y la mayor facilidad, hacia la ventana de un automóvil estacionado.
Esta instalación de video de 1997, Ever Is Over All, del artista suizo Pipilotti Rist, resume la belleza, la ironía y la transgresión en el corazón de "Damage Control: Art and Destruction Since 1950", ahora en exhibición en el Museo Hirshhorn. La exposición rastrea el tema de la destrucción en el arte contemporáneo desde la era atómica temprana hasta el presente. El espectáculo comienza, bastante acertadamente, con una explosión: las imágenes de detonaciones nucleares de Harold Edgerton.
A principios de la década de 1950, el ingeniero del MIT filmó una serie de pruebas de bombas atómicas para el gobierno de EE. UU., Proyectando una visión indeleble de la destrucción de la humanidad. La película muda de 12 minutos de Edgerton muestra bolas de fuego que se hinchan en soles, nubes de hongo que trepan hacia el cielo, arenas del desierto que tiemblan y vuelven a su lugar como las mareas oceánicas. "Son un espectáculo que te atrae", dice el director interino de Hirshhorn, Kerry Brougher, quien co-comisarió "Control de daños" con Russell Ferguson de UCLA. "Esa es la naturaleza dual del espectáculo: la destrucción como algo horrendo pero también algo hermoso".
Brougher ve la invención de la bomba atómica, y la perspectiva inminente del holocausto global, como un punto de inflexión en la historia del arte, que obliga a los artistas a pensar de manera diferente sobre la destrucción. "Frente a la bomba atómica, ¿de qué sirvió hacer una pintura?", Dice. "Los artistas comenzaron a usar la destrucción para combatir el fuego con fuego". Uno de esos artistas fue Raphael Ortiz, cuyo Concierto para Destrucción del Piano, o lo que queda de él, se encuentra junto a la película de Edgerton en la entrada de la exposición. Ortiz destruyó un piano de cola en la noche de apertura de "Damage Control" en octubre de 2013, rompiendo las teclas y las entrañas del instrumento con un martillo en una pieza ritual de arte de performance.
El trabajo es una recreación de la deconstrucción histórica del piano de Ortiz en el Simposio de Destrucción en el Arte de 1966, que Brougher cita como una gran inspiración para el "Control de Daños". Iniciado por Gustav Metzger, el simposio convocó a artistas de todo el mundo para anunciar un nuevo militante. cepa de arte destructivo que respondía a las realidades políticas y sociales. Mientras Ortiz destrozaba su piano, Metzger pintó en nylon con ácido clorhídrico, creando un "arte autodestructivo", y Yoko Ono puso en peligro su propio cuerpo en Cut Piece, invitando al público a cortarla con unas tijeras.
"Fue impactante", dice Brougher sobre el simposio. "La gente no sabía cómo tomarlo". Pero una cosa era segura: la nueva destrucción estaba aquí para quedarse.
Cada vez más, los artistas se infligieron destrucción a sí mismos y a sus propias obras de arte. En 1970, John Baldessari quemó todas sus pinturas anteriores en una reinvención formal llamada Cremation Project . (Horneó algunas de las cenizas de su trabajo en galletas). En su obra de 2001, Break Down, Michael Landy estableció una línea de desmontaje para sus posesiones personales, contratando a un equipo de 11 personas para inventariar y destruir hasta lo último que poseía. .
El artista ganador del Premio Turner Steve McQueen, ahora más conocido por sus largometrajes, Hunger, Shame y 12 Years a Slave, se metió en la línea de fuego en Deadpan (1997), una repetición de la mordaza de la casa de Buster Keaton de Steamboat Bill Jr. McQueen hace más que rehacer el truco; Su presencia como hombre negro transforma el trabajo en un comentario sobre las relaciones raciales y la precariedad de la experiencia negra. "Debes estar exactamente de pie para que no te golpeen", observa Brougher.
Algunos artistas apuntaron al trabajo de sus predecesores. En 1953, Robert Rauschenberg le pidió a Willem de Kooning un dibujo suyo para borrar. De Kooning chifló al artista más joven, reconociendo en el gesto un cambio artístico de la guardia, del expresionismo abstracto al arte pop. Sin embargo, no lo hizo fácil para Rauschenberg, dándole un dibujo extremadamente complejo que tardó semanas en borrarse. El resultado es un palimpsesto fantasmal que evoca el final de una era.
Jake y Dinos Chapman, Lesión para insultar a la lesión, 2004. © Jake y Dinos Chapman. Cortesía de White Cube
En un acto similar de vandalismo creativo, los enfants terribles de Britart, Jake y Dinos Chapman, desfiguraron un conjunto de grabados de Desastres de la Guerra de 1810-1820 de Goya, que representan los horrores de la guerra de independencia de España de Francia, para crear su insulto a la lesión (2003), reemplazando las cabezas de las víctimas con las cabezas grotescas de payasos y cachorros.
Pero quizás el ejemplo más (in) famoso de profanación en "Control de Daños" es Ai Weiwei, Droping a Han Dynasty Urn, un tríptico que representa al artista chino haciendo exactamente eso. ¿Cuándo es la destrucción creativa versus nihilista? Brougher dice que es una línea muy fina, pero se reduce a "las ideas que hay detrás de ti mientras lo haces". Ai, por ejemplo, rompió la urna para criticar los valores sociales: cómo decidimos qué "vale" una obra de arte y qué ese valor en dólares realmente significa.
Las piezas finales en "Damage Control" tocan los temores actuales de terrorismo en lugar de la paranoia de la guerra fría. Big Bang, del artista israelí Ori Gersht, parece una naturaleza muerta, pero en realidad es una película, que divulga su sorpresa epónima en cámara lenta, mientras que Nature morte aux granadas, de la artista palestina Mona Hatoum, desactiva un alijo de granadas al diseñarlas de vidrio de color caramelo, pero los coloca en una camilla de acero que restaura su potencial letal. Brougher ve el tema de la destrucción como un "continuo" en la historia del arte, con las amenazas inmediatas del mundo que evolucionan desde bombas de hidrógeno hasta bombas suicidas y desastres naturales. "No hubo un buen momento para detener [la exposición]", dice. "La parte difícil fue limitar el número de artistas en el espectáculo. Hay tanta destrucción".
"Control de daños: arte y destrucción desde 1950" estará en exhibición hasta el 26 de mayo de 2014 y viajará al Mudam en Luxemburgo, del 12 de julio al 12 de octubre de 2014 y al Kunsthaus Graz, desde mediados de noviembre de 2014 hasta mediados de marzo de 2015 .
