Una breve historia de la comida como arte

Filippo Tommaso Marinetti fue el primer artista en la era moderna en pensar en la preparación y el consumo de alimentos como arte. El vanguardista movimiento futurista, formado por Marinetti y otros artistas en Milán en 1909, abrazó la era industrial y todo lo mecánico, desde automóviles y aviones hasta métodos de fabricación y planificación de la ciudad. Pensaban que cocinar y comer, tan importantes para la vida cotidiana de todos, también deberían ser fundamentales para sus ideales con visión de futuro.

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En 1932, Marinetti publicó El libro de cocina futurista . No era simplemente un conjunto de recetas; fue una especie de manifiesto. Lanzó la preparación y el consumo de alimentos como parte de una nueva visión del mundo, en la que el entretenimiento se convirtió en una actuación de vanguardia. El libro prescribe los elementos necesarios para una comida perfecta. Dicha cena tenía que presentar originalidad, armonía, forma escultórica, aroma, música entre platos, una combinación de platos y pequeños canapés con sabores diversos. El cocinero debía emplear equipos de alta tecnología para preparar la comida. La política no podía discutirse, y la comida tenía que prepararse de tal manera que comerla no requiriera cubiertos.

Las reflexiones de Marinetti no podrían haber predicho el papel que la comida jugaría en el arte casi un siglo después. Los artistas contemporáneos han utilizado la comida para hacer declaraciones: políticas (especialmente feministas), económicas y sociales. Abrieron restaurantes como proyectos de arte, realizaron actuaciones en las que se prepara y sirve comida en galerías y elaboraron elaboradas esculturas de materiales comestibles como chocolate y queso. Horrible como podría parecerle a Marinetti, algunos artistas hoy en día incluso aceptan la comida como un rechazo de todos y de todo lo que está obsesionado con el futuro.

Mirando hacia atrás, la comida siempre ha jugado un papel en el arte: los pintores de cuevas de la Edad de Piedra usaban jugo de vegetales y grasas animales como ingredientes de unión en sus pinturas, y los egipcios tallaron pictografías de cultivos y pan en tabletas jeroglíficas. Durante el Renacimiento, Giuseppe Arcimboldo, pintor de la corte de los Habsburgo en Viena, y más tarde, de la Corte Real de Praga, pintó retratos caprichosos en forma de rompecabezas en los que los rasgos faciales estaban compuestos de frutas, verduras y flores.

Cuando pienso en la comida y el arte, intuitivamente recuerdo los grandes y hermosos bodegones de la época dorada holandesa que encontré por primera vez en una clase de historia del arte del Renacimiento del norte. En estas gloriosas pinturas, cada superficie, desde los abrigos de plumas relucientes de los cadáveres de los patos en platos plateados brillantes hasta la piel húmeda de frutas y bayas, se representa cuidadosamente para crear la ilusión de que la fiesta está justo en frente del espectador. En el siglo XVII, tales pinturas atestiguaban la riqueza y el compromiso intelectual de los propietarios. Los alimentos representados tenían un significado simbólico a menudo relacionado con textos bíblicos, y la forma en que se organizaron los objetos, y que se habían consumido, transmitía un mensaje sobre la naturaleza fugaz del tiempo o la necesidad de templanza.

Como joven artista, estudié las gruesas representaciones de manzanas y naranjas de Cezanne. Para los pintores postimpresionistas como Cezanne, la observación de la vida fue solo el comienzo de un proceso en gran parte imaginativo. Valoraban los colores vivos y las pinceladas vívidas sobre el hiperrealismo del pasado.

Durante la era del arte pop, la comida se convirtió en una metáfora social. Wayne Thiebaud pintó hileras de tartas y pasteles en brillantes colores pastel que recordaban los anuncios y los juguetes de los niños. Presentado como exhibiciones en un restaurante, en lugar de características hogareñas de la vida privada, sus arreglos reflejaron una sociedad itinerante en la que los suntuosos postres significaban la abundancia estadounidense.

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Aproximadamente al mismo tiempo, los artistas comenzaron a usar la comida real como material de arte. En 1970, el artista sardónico suizo-alemán Dieter Roth, también conocido como Dieter Rot, hizo una pieza titulada "Staple Cheese (A Race)", un juego de palabras sobre "carrera de obstáculos", que comprendía 37 maletas llenas de queso y otros quesos prensados en las paredes con la intención de que goteen o "corran" hacia el piso. Unos días después de la inauguración de la exposición en Los Ángeles, la exposición emitió un hedor insoportable. La galería se vio invadida por gusanos y moscas, y los inspectores de salud pública amenazaron con cerrarla. El artista declaró que los insectos eran de hecho su audiencia prevista.

Las artistas feministas de finales de los años sesenta y principios de los setenta consideraron la relación estadounidense con la comida en términos de las restricciones que imponía a las mujeres. Las feministas afirmaron que lo personal, incluidos los aspectos más mundanos de la vida cotidiana, era político. En 1972, Miriam Schapiro y Judy Chicago alquilaron una casa vacía de 17 habitaciones en Los Ángeles que estaba programada para su demolición y la convirtieron en una instalación de arte masiva. Schapiro y otras artistas femeninas crearon una instalación inmersiva en el comedor, imitando el proceso que las niñas siguen al decorar casas de muñecas. Su proyecto, tanto una actuación como una instalación, condenó el doble estándar de la sociedad: la disparidad en las expectativas y oportunidades para hombres y mujeres. Mientras que los niños fueron entrenados para tener éxito en el mundo, se esperaba que las niñas mantuvieran la casa de sus esposos. Más tarde, artistas feministas como Elizabeth Murray sugerirían que las mujeres son lo suficientemente poderosas como para manejar tanto lo mundano como lo doméstico en obras como "Kitchen Painting" (1985), en la que una cuchara mullida atada a una figura que preside una cocina parece salir disparada de el plano de la imagen y confrontar al espectador.

En 1974, Chicago volvió a hablar sobre el tema del comedor cuando comenzó "The Dinner Party", un tour de force conceptual ahora alojado en el Centro Elizabeth A. Sackler de Arte Feminista, en el Museo de Brooklyn. Con un equipo de talentosos artesanos, en el transcurso de varios años, Chicago creó una mesa triangular de 48 pies de largo con cubiertos para 39 mujeres culturalmente notables, algunas reales y otras míticas, desde la prehistoria hasta el movimiento moderno de mujeres. Cada ajuste incluye una servilleta hecha a mano, un plato de cerámica, una copa y un corredor, todos con iconografía personalizada para la mujer específica. A medida que la línea del tiempo converge en el presente, las placas se vuelven cada vez más tridimensionales, simbolizando la creciente libertad y poder político de las mujeres.

Durante la década de 1990, muchos artistas se sintonizaron con la alienación personal que resultaría de la introducción de la computadora doméstica y otras actividades basadas en la pantalla. Para remediar la naciente anomia, algunos inauguraron la disciplina de la "estética relacional", conocida ahora menos opacamente como "escultura social", según la cual la interacción humana, incluida la de comer juntos, se concibió como una forma de arte en sí misma. Uno de los practicantes más destacados fue Rirkrit Tiravanija, quien comenzó a cocinar y servir comida a los espectadores en las galerías, dejando las ollas, sartenes y platos sucios en la galería durante la duración de sus exposiciones.

Hoy, los artistas principiantes todavía aprenden a pintar bodegones de frutas y verduras. Muchos más tarde se alejan de la pintura para buscar medios más nuevos y más experimentales, pero los artistas centrados en la comida a menudo continúan creyendo en el poder del pigmento en el lienzo. Los pintores con sede en Nueva York, Gina Beavers, Walter Robinson y Jennifer Coates son buenos ejemplos. Beavers peina Internet para obtener fotografías de alimentos, que luego combina en collages de imágenes múltiples y pinturas sobre lienzos grandes. Robinson está preocupado con whisky, hamburguesas con queso y otros objetos de nostalgia. Coates se enfoca en la comida chatarra, haciendo pinturas en las que s'mores, macarrones con queso y pizza toman formas abstractas. En general, existe una sana tensión entre la tradición y la iconoclasia en el arte contemporáneo de la comida. Unos 85 años después de su publicación, el libro de cocina de Marinetti todavía parece adelantado, aunque quizás no demasiado lejos.