El cavernoso vestíbulo del Museo de Arte Metropolitano de la ciudad de Nueva York está abarrotado de gente, pero es imposible extrañar a Alex Katz. El artista famoso por sus brillantes pinturas figurativas está de pie junto al mostrador de información con una parka tan cegadoramente anaranjada que parece radiactiva. El naranja es uno de los colores favoritos de Katz, y la chaqueta, adornada con tiras plateadas reflectantes, es del tipo que un chico de un equipo de carretera podría usar para dirigir el tráfico en una tormenta. Pero esta parka de fabricación francesa es francamente elegante, más bien como su dueño, que se ve al menos una década más joven que sus 82 años, con una cabeza lisa (se afeita a diario) y características tan afiladas como las de las figuras suaves que pueblan su pinturas
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El pintor figurativo habla sobre el proceso artístico, su educación y sus influencias.
Video: Detrás del lienzo con el artista Alex Katz
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Ha venido al Met para ver una exposición de obras de Pierre Bonnard, el postimpresionista francés que fue una gran influencia cuando Katz estaba comenzando. "Bonnard era muy importante a principios de la década de 1950", dice Katz. "Su pintura estaba en la misma dirección que [Jackson] Pollock, lejos de un avión contenido. Estaba completamente iluminado, solo luz y color". Continúa: "Son excelentes pinturas; tienen un gran ambiente. Bonnard es genial con rojos y naranjas, ¡es muy difícil obtener transparencia con rojo!"
Un inconformista desde el principio, Katz llegó a la mayoría de edad cuando todavía reinaba el expresionismo abstracto, pero se dedicó a pintar paisajes y la figura humana. Con el tiempo, sus pinturas se hicieron más grandes. "Al apropiarse de la escala monumental, la composición severa y la luz dramática de los expresionistas abstractos, vencería a la generación heroica en su propio juego", escribió el crítico Carter Ratcliff en una monografía de 2005 sobre Katz.
"Era una puerta abierta", dice Katz hoy. "Nadie estaba haciendo pintura representativa a gran escala".
Tomando señales de las películas y carteleras de Cinemascope, sus imágenes altamente estilizadas también anticiparon el Pop Art. Su evocación inexpresiva de figuras planas y brillantes tenía una calidad cotidiana que los vinculaba con el arte comercial y la cultura popular. Al principio, su trabajo a menudo fue criticado. Clement Greenberg, el crítico famoso por defender a los expresionistas abstractos, "en realidad hizo todo lo posible por decir lo pésimo que era", recordó Katz en un artículo que escribió para el Nuevo Criterio .
Pero la opinión crítica nunca pareció importarle a Katz. "Alex es un hombre de suprema confianza y claridad", dice Adam Weinberg, director del Museo de Arte Americano de Whitney. "Rápidamente se dio cuenta de lo que se trataba y fue absolutamente desanimado y resuelto en esa búsqueda. Esa persistencia le permitió capear los movimientos contradictorios en el mundo del arte".
Hoy, la popularidad de Katz está explotando. Sus evocaciones estadounidenses por excelencia de personas en cócteles o la playa y sus paisajes de Maine despegaron en Europa, especialmente después de que el coleccionista Charles Saatchi mostró sus Katzes en su museo privado en Londres hace una década. El pintor también ha encontrado una nueva audiencia sustancial en casa en los Estados Unidos. A medida que la pintura figurativa regresó a fines de los años 80 y 90, una generación más joven de artistas comenzó a ver a Katz con una nueva apreciación. "Los artistas estaban mirando a sus predecesores, pero no había muchos de ellos que hubieran continuado en esa zona figurativa de manera consistente, con su nivel de desapego", dice Weinberg. "La frescura es algo que los artistas de todas las generaciones admiran: genial en el sentido de desapego, pero [también] genial en el sentido de la cadera".
Al igual que Warhol antes que él, Katz no tiene ningún problema en unir los mundos del arte y la moda, ya sea creando obras de arte para la revista W o haciendo que supermodelos como Christy Turlington y Kate Moss se sienten por él. "Siempre me ha interesado la moda porque es efímera", dice. El propio Katz incluso modeló para el catálogo de primavera de J. Crew este año.
El elegante octogenario está, por su propia cuenta, tan ocupado como siempre. En lo que va de año, Katz ha realizado exposiciones en Milán y Catanzaro en Italia, París, Vero Beach en Florida, Finlandia y en su galería de la ciudad de Nueva York, PaceWildenstein, donde recientemente mostró una serie de monumentales puestas de sol.
"¡Quiero competir con los niños!" Dijo una tarde mientras estaba sentado en un sofá de cuero en su loft SoHo, escasamente amueblado, en Manhattan, donde ha vivido desde 1968. Más allá de la sala de estar se encuentra su estudio, un espacio ventilado, de paredes blancas que se inunda con la luz del día. No hay una mancha de pintura en el piso de linóleo. "No me gusta el desorden", dice Katz. "No me gusta pintar mi ropa, mis manos o mis muebles".
Una serie de lienzos gigantes, recién pintados, se apoyan alrededor del estudio, cada uno un friso de cabezas enormes, algunos de hombres, otras mujeres. Las piezas recuerdan lo que el artista estaba haciendo hace décadas, más memorablemente en una serie de murales de Times Square que hizo en 1977. "He estado trabajando para hacer este tipo de pintura 'artificialmente realista'", dice sobre lo último esfuerzos "Quiero hacer algo más grande que una pintura descriptiva".
Para hacer una de sus grandes obras, Katz pinta un pequeño boceto al óleo de un sujeto en un tablero de masonita; la sesión puede durar una hora y media. Luego hace un dibujo pequeño y detallado a lápiz o carboncillo, y el sujeto regresa, tal vez, para que el artista haga correcciones. Luego, Katz explota el dibujo en una "caricatura", a veces usando un retroproyector, y lo transfiere a un enorme lienzo a través de "embestida", una técnica utilizada por los artistas del Renacimiento, que involucra pigmento en polvo empujado a través de pequeñas perforaciones perforadas en la caricatura para recrear La composición en la superficie a pintar. Katz premezcla todos sus colores y prepara sus pinceles. Luego se sumerge y pinta el lienzo, de 12 pies de ancho por 7 pies de alto o incluso más grande, en una sesión épica de seis o siete horas. "Todo está hecho mojado sobre mojado", explica. Las pinturas se mezclan y se vuelven luminosas.
Desde lejos o en reproducción, las imágenes de Katz se ven muy suaves, pero de cerca notas las pinceladas y los pequeños detalles de color de acento que atraen la atención. Sin embargo, más que la técnica pictórica o la imagen representada, su trabajo trata sobre el estilo. "Prefiero que el estilo sea el contenido, el estilo en lugar de la forma", dice. "El estilo es lo que une todas las partes dispares".
La esposa de Katz, Ada, entra a su estudio y le ofrece café. Un visitante puede ser perdonado por suponer haberla conocido antes, tan familiar es ella como la musa y modelo de Katz en el transcurso de su matrimonio de 51 años. El cabello largo que le roza los hombros ahora es gris, pero los expresivos ojos oscuros en su rostro sereno son los mismos que miran desde debajo de un sombrero en Red Coat (1982), desde debajo de un paraguas en The Blue Umbrella (1972) y de los seis Adas con la misma vaina de cóctel glamorosa en una de sus obras más populares, The Black Dress (1960). Su esposo dice que es una versión estadounidense de la famosa modelo y amante de Picasso, Dora Maar. Pero Katz se apresura a agregar: "Cuando vi fotos de Dora Maar, dije: '¡Picasso le engañó en el cuello y los hombros!' Ada tiene un cuello y hombros mucho mejores ".
El discurso de Katz todavía tiene huellas de su infancia en Queens, Nueva York. Hijo de un emigrado que había perdido una fábrica que poseía en Rusia debido a la revolución soviética, Katz "se metió en las bellas artes", dice. Estaba estudiando arte comercial en una escuela secundaria profesional local cuando comenzó a dibujar con moldes de escultura antigua y obtuvo la admisión a la Cooper Union School of Art en Manhattan. Conoció a Ada, que había estudiado biología en la Universidad de Nueva York, en una galería abierta en 1957. "Ella es una gran belleza", dice. "Los gestos son perfectos. Es como una actriz en cierto sentido. También es una chica italiana muy afilada del Bronx, no se puede superar eso". (La pareja tiene un hijo, Vincent Katz, de 49 años, poeta y crítico de arte). La vida social con Ada en los años 50 y 60 giraba en torno a poetas, Frank O'Hara, John Ashbery, Kenneth Koch, tanto como los pintores. "Estaban lidiando con experiencias cotidianas, de una manera sofisticada", recuerda Katz. (En el retrato de Katz de 1967, Koch se ve un poco incómodo detrás de un gran par de gafas con montura de cuerno).
Katz puede ser mejor conocido por sus retratos, pero también se ha dedicado a los paisajes, obras que son atrevidas precisamente porque carecen de personas y "tiran las líneas de vida" de interés humano, señaló el crítico David Cohen. "Trabajan en los propios términos pictóricos de Katz o no funcionan en absoluto". Muchas son evocaciones de Maine, donde ha ido a pintar todos los veranos durante los últimos 60 años, y donde tiene una casa y un estudio en un pequeño lago.
"Es una presunción de alguna manera", dice Katz. "Es como si pudieras pintar el mismo río dos veces de manera diferente. A menudo pinto en el mismo lugar. Es como pintar a Ada una y otra vez, para ver si puedes sacar algo más del mismo tema".
El Colby College Museum of Art, en Waterville, Maine, ha dedicado un ala de 10, 000 pies cuadrados a las obras de arte de Katz, la mayoría de las cuales donó. Además, compró numerosas piezas para el museo de artistas como Jennifer Bartlett, Chuck Close, Francesco Clemente, Elizabeth Murray y, más recientemente, Marsden Hartley (nativo de Maine). Hace cinco años, fue el curador de un espectáculo en Colby de estrellas de arte tan jóvenes como Elizabeth Peyton, Peter Doig y Merlin James, que trabajan en el mismo territorio figurativo vigilado por Katz.
La eternidad de Katz es difícil de ganar. Es un súper deportista, que corre y hace "toneladas" de flexiones y abdominales cuando está en casa en Nueva York; en Maine, hace ejercicio, dice, hasta cuatro horas al día: correr, andar en bicicleta y nadar. ¿Hasta dónde puede correr? "Por lo que a mí me gusta. Puedo superar físicamente a muchos jóvenes de 21 años", dice.
Él dice que también compite con artistas de la mitad de su edad "para el público", aunque con armamento limitado. "Mi tema no es particularmente interesante", dice con una sonrisa. "No es un tema candente, ya sabes, sin crucifixiones, sin violencia, sin sexo". Sus herramientas son el color y la luz, y su propia visión simplificada del mundo. "Trato de hacer una pintura que parezca simple", dice, y cita ver un retrato de Velázquez de una infanta de Habsburgo en una exposición itinerante en el Museo Metropolitano cuando tenía veintitantos años: "¡No fue nada, tan simple! ¡Algo! podría ser tan simple y mucho. Solo un fondo verde, una niña pequeña, todo fue perfecto. No hay historia. Es inmediato. Pinto directamente. Lo vio, lo pintó ".
Una pintura de Katz, con toda su frescura, proyecta sentimiento. "Se supone que las imágenes son líricas, se supone que te deben dar una idea", dice. "Quiero hacer algo parecido a tu condición más feliz. Las imágenes impresionistas son básicamente eso: la pintura impresionista es una mentira feliz".
Las felices mentiras de Katz son esos rostros hermosos eternos con una piel perfecta, o los árboles de un verano de Maine, siempre frondosos y verdes.
Sin embargo, a veces, incluso la elegante Ada puede verse grave, al borde de las lágrimas. Y los paisajes pueden ser oscuros, sobre todo, sus inquietantes "nocturnos" o escenas nocturnas, con sus matizadas capas de oscuridad mucho más sombrías que muchos de los retratos nítidos y coloridos. En la serie reciente de puestas de sol, por ejemplo, Katz, en esencia, está capturando el paso del tiempo. Según los informes, era difícil hacer bocetos al óleo, solo 15 minutos aproximadamente en un porche de Maine antes de que cayera el anochecer. En estas grandes pinturas, vistas juntas, el tiempo pasa rápidamente y el cielo se vuelve naranja imposible, reflejado en el lago. Luego, en la siguiente pintura, el lago se volvió muerto, a gris. Estas imágenes, con árboles negros en primer plano, son elegíacas; su tema son los últimos minutos de luz del día en los que nadie puede aferrarse.
Afortunadamente, hay consuelo, incluso lo que Katz llama una especie de eternidad, en el arte mismo. "Esa es la diferencia entre una pintura y una puesta de sol", dice. "La pintura se quedará contigo, pero la puesta de sol desaparece". Y entonces Katz mantiene su enfoque en el momento, pintando como si no hubiera un mañana.
La escritora Cathleen McGuigan vive en la ciudad de Nueva York.
La fotógrafa Stephanie Sinclair también reside en Nueva York.
