El 2 de diciembre de 2016, una fiesta de baile en un almacén de Oakland, California, conocido como Ghost Ship, se incendió, cobrando al menos 36 vidas. Fue el desastre de fuego más mortal en la historia de la ciudad.
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Hasta la fecha, se desconoce la causa del incendio. Aún así, las primeras reacciones de la prensa llegaron en una larga lista de representaciones de "te lo dije". El diseño de Ghost Ship ha sido descrito como una trampa de fuego, una trampa mortal y un "laberinto" desordenado. La comunidad ha sido llamada un complejo, una comuna y ha recibido otras etiquetas que suponen que este desastre ciertamente estaba esperando que ocurriera. Que era inevitable.
Los museos, especialmente en el Área de la Bahía, expresaron su simpatía por el evento, y SFMOMA abrió sus puertas de forma gratuita unos días después para que los afectados "reflexionen, lloren y se curen".
Otros en el campo del museo han estado trabajando para cerrar la brecha entre las instituciones y los espacios de base. En los días posteriores al incidente del Barco Fantasma, Kimberly Drew, gerente de redes sociales en el Museo Metropolitano de Arte, remitió a sus colegas a un documento de origen público, sembrado por la activista artística Susan Surface, que estaba lleno de sugerencias para lugares de la comunidad sobre cómo reducir riesgos Lauren Zelaya, curadora del Museo de Brooklyn, ha señalado el popular programa Primeros sábados del museo como un esfuerzo intencional para que los fabricantes locales prueben sus proyectos bajo la seguridad y la orientación de un lugar institucional.
Pero si bien estos son gestos importantes para cualquier tragedia importante, los museos y las instituciones de arte han permanecido en gran medida alejados de este incidente. Esto perpetúa la suposición de que espacios como Ghost Ship son marginales, e incluso irrelevantes, para el mundo del arte formal.
De hecho, la realidad es todo lo contrario.
Los almacenes y las actividades sociales de bricolaje (bricolaje) surgieron por primera vez en la década de 1960, cuando la industrialización estadounidense disminuyó, dejando grandes fábricas vacías, sin usar y asequibles. Los barrios que ahora se conocen como refugios para museos, teatros y galerías, como el SoHo de Nueva York, el centro de Los Ángeles y el Distrito de la Misión de San Francisco, comenzaron como espacios de reunión accesibles para artistas y sus patrocinadores. En contraste con los prestigiosos, majestuosos y tal vez, incluso anticuados entornos de museos, los lugares de bricolaje son responsables de la estética una vez rechazada, como los ladrillos expuestos y los accesorios de metal que se convierten en significantes populares del "espacio creativo".
Los equipos de emergencia se paran frente al sitio del incendio de un almacén el lunes 5 de diciembre de 2016 en Oakland, California, que cobró hasta 36 vidas. (Marcio José Sánchez / AP) Recientemente, los museos han reinventado algunos de sus programas para alcanzar nuevos datos demográficos, y se han inspirado agresivamente en los mismos espacios que se crearon como alternativas. No es raro encontrar un programa de museo en forma de un espectáculo emergente, una pulga de arte o una fiesta en la calle.
La PS1 de Long Island City funcionó durante 30 años con el reconocimiento de que las instituciones carecían de la voluntad y la infraestructura para apoyar adecuadamente a artistas locales y emergentes, hasta que fue adquirida por el Museo de Arte Moderno en 2000 y pasó a llamarse MoMA PS1. El Centro Asiático Pacífico Americano del Smithsonian introdujo recientemente el modelo de laboratorio de cultura, sin duda un guiño a cómo los espacios de bricolaje y de base sirven de manera única a las comunidades creativas.
Los museos y los espacios de bricolaje han compartido una historia larga y compleja, y es vital para los museos no interpretar la reciente tragedia en Ghost Ship como una falla inevitable de los artistas y curadores aficionados, sino más bien un reflejo de la renuencia de las instituciones para compartir adecuadamente recursos e información. con sus contrapartes creativas Algunos programas de museos de hoy pueden verse y sentirse similares a los espacios de bricolaje que los inspiraron, pero esto debería verse como una oportunidad.
Aquí hay seis maneras en que los museos, galerías e instituciones culturales pueden aprovechar sus conocimientos y recursos para beneficiar los espacios de bricolaje:
Compartir documentos de seguridad y accesibilidad
Los museos pueden ayudar prestando experiencia en seguridad, compartiendo personal y protocolo, y ofreciendo hacer públicos sus manuales y procedimientos de seguridad y accesibilidad para que sirvan como plantillas. Algunas instituciones pueden argumentar en contra de que sus documentos sean accesibles, porque estos documentos son largos y complicados, especialmente para los extraños. Es cierto que la pila de códigos de seguridad, licencias, revisiones y entrenamientos puede parecer tener prioridad sobre la creatividad. Pero una guía mínima a través de terminología básica, acrónimos y puntos clave puede ser muy útil.
El ambiente peligroso de algunos espacios de bricolaje generalmente no se debe a la falta de voluntad para hacer que los espacios sean seguros, sino a la falta de capacidad o conciencia. Si bien las instituciones de arte se benefician de tener personal que equilibra la experiencia creativa y administrativa, muchos proyectos de bricolaje son esfuerzos impulsados por la visión donde los productores aprenden a medida que avanzan. Esta metodología de prueba y error es a menudo efectiva e inofensiva, pero hemos aprendido que las consecuencias también pueden ser graves.
Educar a los operadores de bricolaje sobre las mejores prácticas
Organice talleres y comparta métodos para garantizar la seguridad pública, incluso en el caso de capacidad y recursos limitados.
Incluso los artistas con capacitación artística formal pueden no estar familiarizados con los procedimientos estándar con respecto a la salida (rutas de salida de emergencia), la velocidad de combustión (inflamabilidad de los materiales) y las regulaciones de la ADA (accesibilidad). Los museos pueden ofrecer tutoriales (al igual que los populares seminarios de edición y subvención de Wikipedia) o publicar seminarios web o videos cortos con consejos.
Colabora con los creadores
Los museos pueden servir mejor a estas comunidades al acercarse y colaborar con los artistas. Las personas que se han encargado de crear proyectos, independientemente de sus limitados conocimientos y recursos, son el poder de los proyectos de base. Están acostumbrados a aprender mediante la información fragmentaria y la observación de los demás.
Brindar ánimo en forma de puestos de voluntariado, trabajo contratado e incluso oportunidades de contratación solo puede fortalecer tanto a los museos como a la comunidad artística circundante de una manera mutuamente beneficiosa. Al desarrollar vínculos con estos productores, los museos se benefician de los conjuntos de habilidades (adaptabilidad, pensamiento crítico y alcance local) que hacen producciones exitosas de bricolaje.
Asistir a eventos
Los profesionales de los museos pueden ser voces poderosas de compromiso para los programas de base, pero comienza con la experiencia personal. Muchos de los supuestos sobre los riesgos de eventos como en Ghost Ship provienen de personas que nunca han participado. Si bien la cobertura de la prensa sobre la tragedia del Barco Fantasma podría llevarlo a un paralelo de una fiesta de almacén a un campo minado, la verdad es que la mayoría de las producciones hacen consideraciones básicas de seguridad, incluso si no es a través del protocolo formal.
Los profesionales del museo pueden ofrecer consejos mientras observan eventos, compartiendo experiencias que pueden mejorar la seguridad y la accesibilidad en estos lugares.
Pagar artistas
Hay mucho que decir acerca de las condiciones sociales que llevan a los artistas y creadores a recurrir a una infraestructura inestable y a descartar los protocolos de seguridad, pero gran parte de esto puede atribuirse a la capacidad económica. Al igual que los profesionales en otros campos, los artistas trabajan para maximizar sus recursos, por limitados que sean.
La mayoría de los museos tienen cierto nivel de alcance local en sus misiones, pero a menudo se les pide a los artistas y colaboradores locales que ofrezcan sus servicios de forma gratuita o con tarifas muy bajas. Se les pide a los artistas que renuncien o desconten sus tarifas al colaborar con pequeñas organizaciones sin fines de lucro, solo para que hagan lo mismo cuando trabajen con instituciones de gran presupuesto, bajo el supuesto de que los artistas se beneficiarán de una compensación inmaterial o "exposición".
Pagar a los artistas salarios justos no solo les permite seguir viviendo y trabajando en ciudades cada vez más caras, sino que también les permite ampliar sus proyectos de manera creativa y logística. Los museos deben reconsiderar sus tasas de pago para los artistas, con el entendimiento de que esto no solo contribuye a las necesidades básicas como el alquiler y la comida, sino también a lugares de calidad, material de exhibición y recursos de seguridad.
Una gran guía para determinar tarifas razonables para los artistas en función del presupuesto anual de cualquier organización es la calculadora proporcionada por WAGE (Working Artists for a Greater Economy).
Ser un puente para contactos y recursos.
Incluso si un museo no tiene los recursos financieros para pagar a los artistas, es probable que tengan relaciones con organizaciones gubernamentales locales y nacionales, socios corporativos e instituciones que estén ansiosas por trabajar con artistas. En algunos casos, los gobiernos locales ofrecen subvenciones poco conocidas, beneficios fiscales o viviendas y espacios de trabajo subsidiados como medio para alentar las zonas empresariales para los artistas. Debido a que es más probable que los artistas busquen ayuda en los museos que en los ayuntamientos, los museos pueden aprovechar sus relaciones para ayudar a los artistas necesitados a encontrar recursos existentes, pero infrautilizados.
A medida que los elementos de los programas de bricolaje continúan inspirando la práctica del museo, es importante que los museos no envuelvan proyectos existentes y emergentes con una actitud de "podemos manejarlo desde aquí". Por el contrario, una línea abierta de comunicación e intercambio mutuo puede garantizar que las operaciones de base puedan prosperar en arenas urbanas cada vez más desafiantes, mientras que los museos pueden acceder a la comunidad local de patrocinadores para los que fueron establecidos.
