En los años previos a la Primera Guerra Mundial, Europa parecía estar perdiendo el control de la realidad. El universo de Einstein parecía ciencia ficción, las teorías de Freud pusieron la razón en manos del inconsciente y el comunismo de Marx tenía como objetivo poner la sociedad al revés, con el proletariado en la cima. Las artes también estaban llegando sin pegar. La música de Schoenberg era atonal, los poemas de Mal-larmé mezclaban la sintaxis y las palabras dispersas por la página y el cubismo de Picasso hizo un hash de anatomía humana.
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E ideas aún más radicales estaban en marcha. Los anarquistas y los nihilistas habitaban la periferia política, y una nueva generación de artistas comenzaba a atacar el concepto mismo del arte. En París, después de probar suerte con el impresionismo y el cubismo, Marcel Duchamp rechazó toda pintura porque estaba hecha para el ojo, no para la mente.
"En 1913 tuve la feliz idea de sujetar una rueda de bicicleta a un taburete de la cocina y verla girar", escribió más tarde, describiendo la construcción que llamó Bicycle Wheel, un precursor del arte cinético y conceptual. En 1916, el escritor alemán Hugo Ball, que se había refugiado de la guerra en la neutral Suiza, reflexionó sobre el estado del arte contemporáneo: “La imagen de la forma humana está desapareciendo gradualmente de la pintura de estos tiempos y todos los objetos aparecen solo en fragmentos .... El siguiente paso es que la poesía decida acabar con el lenguaje ".
Ese mismo año, Ball recitó un poema en el escenario del Cabaret Voltaire en Zurich, un lugar nocturno (llamado así por el filósofo y satírico francés del siglo XVIII) que él, Emmy Hennings (un cantante y poeta con el que luego se casaría) y unos pocos amigos expatriados se habían abierto como lugar de reunión para artistas y escritores. El poema comenzó: "gadji beri bimba / glandridi lauli lonni cadori ..." Era completamente absurdo, por supuesto, dirigido a un público que parecía demasiado complaciente sobre una guerra sin sentido. Los políticos de todo tipo habían proclamado la guerra como una causa noble, ya fuera para defender la alta cultura de Alemania, la Ilustración de Francia o el imperio británico. Ball quería sorprender a cualquiera, escribió, que consideraba "toda esta carnicería civilizada como un triunfo de la inteligencia europea". Un artista de Cabaret Voltaire, el artista rumano Tristan Tzara, describió sus espectáculos nocturnos como "explosiones de imbecilidad electiva".
Este nuevo movimiento de arte irracional se llamaría Dada. Recibió su nombre, según Richard Huelsenbeck, un artista alemán que vive en Zúrich, cuando él y Ball descubrieron la palabra en un diccionario francés-alemán. A Ball le queda bien. "Dada es 'sí, sí' en rumano, 'caballo mecedora' y 'caballo de pasatiempo' en francés", señaló en su diario. "Para los alemanes es una señal de ingenuidad tonta, alegría en la procreación y preocupación por el cochecito". Tzara, quien luego afirmó que había acuñado el término, lo usó rápidamente en carteles, sacó el primer diario de Dada y escribió uno del primero de muchos manifiestos de Dada, pocos de los cuales, apropiadamente, tenían mucho sentido.
Pero la perspectiva absurda se extendió como una pandemia (Tzara llamó a Dada "un microbio virgen") y hubo brotes de Berlín a París, Nueva York e incluso Tokio. Y a pesar de toda su locura, el movimiento demostraría ser uno de los más influyentes en el arte moderno, presagiando el arte abstracto y conceptual, el performance, el op, el pop y el arte de instalación. Pero Dada moriría en menos de una década y hasta ahora no ha tenido el tipo de retrospectiva de museo importante que merece.
La exposición Dada en la National Gallery of Art en Washington, DC (en exhibición hasta el 14 de mayo) presenta unas 400 pinturas, esculturas, fotografías, collages, grabados y grabaciones de películas y sonidos de más de 40 artistas. La muestra, que se traslada al Museo de Arte Moderno de Nueva York (del 18 de junio al 11 de septiembre), es una variación de una exposición aún más grande que se inauguró en el Centro Pompidou de París en el otoño de 2005. En un esfuerzo por hacer que Dada sea más fácil Entiendo, los curadores estadounidenses, Leah Dickerman, de la Galería Nacional, y Anne Umland, del MoMA, lo han organizado en torno a las ciudades donde floreció el movimiento: Zurich, Berlín, Hannover, Colonia, Nueva York y París.
Dickerman rastrea los orígenes de Dada hasta la Gran Guerra (1914-18), que dejó 10 millones de muertos y unos 20 millones de heridos. "Para muchos intelectuales", escribe en el catálogo de la Galería Nacional, "la Primera Guerra Mundial produjo un colapso de la confianza en la retórica —si no en los principios— de la cultura de la racionalidad que había prevalecido en Europa desde la Ilustración". Continúa. para citar a Freud, quien escribió que ningún evento "confundió a muchas de las inteligencias más claras, o degradó tan profundamente lo que es más alto". Dada abrazó y parodió esa confusión. "Dada deseaba reemplazar el sinsentido lógico de los hombres de hoy con un sinsentido ilógico", escribió Gabrielle Buffet-Picabia, cuyo esposo artista, Francis Picabia, una vez clavó un mono de peluche en un tablero y lo llamó un retrato de Cézanne.
"Pandemonium total", escribió Hans Arp, un joven escultor alsaciano en Zurich, acerca de lo que sucedió en el cabaret Voltaire "llamativo, abigarrado, abarrotado". “Tzara mueve su trasero como el vientre de una bailarina oriental. Janco está tocando un violín invisible, haciendo reverencias y raspando. Madame Hennings, con cara de Madonna, está haciendo las divisiones. Huelsenbeck golpea sin parar el gran tambor, con Ball acompañándolo en el piano, pálido como un fantasma calcáreo ".
Estas travesuras golpearon a la multitud de Dada como no más absurdas que la guerra misma. Una rápida ofensiva alemana en abril de 1917 dejó a 120, 000 franceses muertos a solo 150 millas de París, y una aldea fue testigo de una banda de soldados de infantería franceses (enviados como refuerzos) que corrían como corderos y los mataron, en una protesta inútil, mientras marchaban hacia el frente. "Sin la Primera Guerra Mundial no hay Dada", dice Laurent Le Bon, el curador del espectáculo del Centro Pompidou. "Pero hay un dicho francés: 'Dada explica la guerra más de lo que la guerra explica Dada'".
Dos de los líderes militares de Alemania llamaron a la guerra "Materialschlacht" o "la batalla del equipo". Pero los datos, como se llamaban a sí mismos, suplicaban diferir. "La guerra se basa en un error grosero", escribió Hugo Ball en su diario el 26 de junio de 1915. "Los hombres han sido confundidos con máquinas".
No fue solo la guerra sino el impacto de los medios modernos y la emergente era industrial de la ciencia y la tecnología lo que provocó a los artistas de Dada. Como Arp se quejó una vez, "El representante del hombre de hoy es solo un pequeño botón en una máquina gigante sin sentido". . El símbolo del tipógrafo de una mano apuntando apareció con frecuencia en el arte Dada y se convirtió en un emblema del movimiento, haciendo un gesto sin sentido. Arp creó composiciones abstractas a partir de formas de papel recortadas, que dejó caer al azar sobre un fondo y pegó donde cayeron. Abogó por este tipo de abstracción fortuita como una forma de librar al arte de cualquier subjetividad. Duchamp encontró una manera diferente de hacer su arte impersonal: dibujar como un ingeniero mecánico en lugar de un artista. Dijo que prefería el dibujo mecánico, porque "está fuera de toda convención pictórica".
Cuando los dadaístas eligieron representar la forma humana, a menudo se mutilaban o se hacían parecer fabricados o mecánicos. La multitud de veteranos gravemente lisiados y el crecimiento de una industria de prótesis, dice la curadora Leah Dickerman, "sorprendió a los contemporáneos como la creación de una raza de hombres semimecánicos". El artista berlinés Raoul Hausmann fabricó un ícono Dada con el muñeco de un fabricante de pelucas y varios extraños —una billetera de piel de cocodrilo, una regla, el mecanismo de un reloj de bolsillo— y lo tituló Mechanical Head (El espíritu de nuestra era). Otros dos artistas de Berlín, George Grosz y John Heartfield, convirtieron un muñeco de sastre de tamaño natural en una escultura agregando un revólver, un timbre, un cuchillo y un tenedor y una Cruz de Hierro del ejército alemán; le dieron una bombilla que funcionaba como cabeza, un par de dentaduras postizas en la entrepierna y un pie de lámpara como una pierna artificial.
Duchamp trazó las raíces del espíritu farsante de Dada hasta el dramaturgo satírico griego del siglo V aC Aristófanes, dice Le Bon, del Centro Pompidou. Sin embargo, una fuente más inmediata fue el absurdo dramaturgo francés Alfred Jarry, cuya farsa Ubu Roi (Rey Ubu) de 1895 introdujo "'Pataphysics", "la ciencia de las soluciones imaginarias". Fue el tipo de ciencia que Dada aplaudió. Erik Satie, un compositor de vanguardia que colaboró con Picasso en producciones teatrales y participó en veladas Dada, afirmó que sus collages de sonido, una suite orquestal con pasajes para piano y sirena, por ejemplo, estaban "dominados por el pensamiento científico".
Duchamp probablemente tuvo el mayor éxito al convertir las herramientas de la ciencia en arte. Nacido cerca de Rouen en 1887, había crecido en una familia burguesa que fomentaba el arte: dos hermanos mayores y su hermana menor también se convirtieron en artistas. Sus primeras pinturas fueron influenciadas por Manet, Matisse y Picasso, pero su Nude Descending a Staircase no. 2 (1912), inspirado en los primeros estudios fotográficos de movimiento de stop-action, era completamente suyo. En la pintura, la figura femenina desnuda parece asumir la anatomía de una máquina.
Rechazada por el jurado del Salón de los Independientes de 1912 en París, la pintura creó una sensación en Estados Unidos cuando se exhibió en la ciudad de Nueva York en el Armory Show de 1913 (la primera exposición internacional de arte moderno a gran escala del país). Las parodias de dibujos animados de la obra aparecieron en los periódicos locales, y un crítico se burló de ella como "una explosión en una fábrica de guijarros". El Desnudo fue capturado (por $ 240) por un coleccionista, al igual que otros tres Duchamps. Dos años después del espectáculo, Duchamp y Picabia, cuyas pinturas también se vendieron en el Armory Show, cambiaron París por Manhattan. Duchamp llenó su estudio en West 67th Street con objetos comprados en la tienda que llamó "readymades": una pala de nieve, un hatrack, un peine de metal para perros. Explicando sus selecciones algunos años después, dijo: “Tienes que abordar algo con indiferencia, como si no tuvieras emoción estética. La elección de readymades siempre se basa en la indiferencia visual y, al mismo tiempo, en la ausencia total de buen o mal gusto ”. Duchamp no exhibió sus readymades al principio, pero vio en ellos otra forma de socavar las ideas convencionales. sobre el arte
En 1917, compró un urinario de porcelana en una tienda de suministros de fontanería de la Quinta Avenida, titulado Fountain, lo firmó R. Mutt y lo presentó a una exposición de la Sociedad de Artistas Independientes en la ciudad de Nueva York. Algunos de los organizadores del espectáculo estaban horrorizados ("los pobres muchachos no pudieron dormir durante tres días", recordó Duchamp más tarde), y la pieza fue rechazada. Duchamp renunció como presidente del comité de exhibición en apoyo de Mutt y publicó una defensa de la obra. La publicidad resultante ayudó a convertir a Fountain en uno de los símbolos más notorios de Dada, junto con la impresión de la Mona Lisa de Leonardo da Vinci al año siguiente, a lo que Duchamp había agregado un bigote y una perilla a lápiz.
Parodiando el método científico, Duchamp hizo voluminosas notas, diagramas y estudios para su trabajo más enigmático, The Bride Stripped Bare by Her Bachelors, Even (o The Large Glass), un conjunto de papel de aluminio, alambres, aceite, de nueve pies de altura. barniz y polvo, intercalados entre paneles de vidrio. El historiador de arte Michael Taylor describe el trabajo como "una alegoría compleja del deseo frustrado en el que los nueve solteros uniformados en el panel inferior se ven perpetuamente impedidos de copular con la novia biomecánica en forma de avispa".
La irreverencia de Duchamp hacia la ciencia fue compartida por dos de sus compañeros de Nueva York, Picabia y un joven fotógrafo estadounidense, Man Ray. Picabia podría dibujar con la precisión de un artista comercial, haciendo que sus diagramas sin sentido parezcan particularmente convincentes. Mientras Duchamp construyó máquinas con discos giratorios que crearon sorprendentes patrones en espiral, Picabia cubrió lienzos con rayas desorientadoras y círculos concéntricos, una forma temprana de experimentación óptica en la pintura moderna. Man Ray, cuyas fotografías documentaron las máquinas ópticas de Duchamp, puso su propio sello en la fotografía manipulando imágenes en el cuarto oscuro para crear ilusiones en la película.
Después de que la guerra terminó en 1918, Dada perturbó la paz en Berlín, Colonia, Hannover y París. En Berlín, la artista Hannah Höch le dio un toque doméstico irónico a Dada con collages que incorporaron patrones de costura, fotografías recortadas tomadas de revistas de moda e imágenes de una sociedad militar e industrial alemana en ruinas.
En Colonia, en 1920, el artista alemán Max Ernst y una banda de dadas locales, excluidos de una exposición del museo, organizaron sus propios “Dada Early Spring” en el patio de un pub. Más allá del baño de hombres, una chica con un "vestido de comunión recitaba poesía lasciva, atacando así la santidad del arte y la religión", señala la historiadora de arte Sabine Kriebel en el catálogo de la exposición actual. En el patio, "se alentó a los espectadores a destruir una escultura de Ernst, a la que había atado un hacha". La policía de Colonia cerró el espectáculo, acusando a los artistas de obscenidad por una muestra de desnudez. Pero el cargo se retiró cuando la obscenidad resultó ser una impresión de un grabado de 1504 de Albrecht Dürer titulado Adán y Eva, que Ernst había incorporado en una de sus esculturas.
En Hannover, el artista Kurt Schwitters comenzó a hacer arte con los desechos de la Alemania de la posguerra. "Por parsimonia tomé lo que encontré para hacer esto", escribió sobre la basura que recogió de las calles y se convirtió en collages y ensamblajes escultóricos. "Incluso se puede gritar con la basura, y esto es lo que hice, clavarlo y pegarlo". Nacido el mismo año que Duchamp (1887), Schwitters se había entrenado como pintor tradicional y pasó los años de guerra como dibujante mecánico en un local. herrería. Al final de la guerra, sin embargo, descubrió el movimiento dadaísta, aunque rechazó el nombre Dada y se le ocurrió el suyo, Merz, una palabra que cortó de un póster publicitario del Kommerz-und Privatbank (un banco comercial) de Hannover. pegado en un collage. Como señala Dickerman de la Galería Nacional, la palabra invocaba no solo dinero sino también la palabra alemana para dolor, Schmerz, y la palabra francesa para excremento, merde. "Un poco de dinero, un poco de dolor, un poco de mierda", dice, "son la esencia del arte de Schwitters". La construcción de forma libre construida a partir de objetos encontrados y formas geométricas que el artista llamó Merzbau comenzó como un par de collages tridimensionales, o ensamblajes, y crecieron hasta que su casa se convirtió en un sitio de construcción de columnas, nichos y grutas. Con el tiempo, la escultura atravesó el techo del edificio y las paredes exteriores; todavía estaba trabajando en ello cuando se vio obligado a huir de Alemania por el ascenso de los nazis al poder. Al final, el trabajo fue destruido por bombarderos aliados durante la Segunda Guerra Mundial.
El último hurra de Dada sonó en París a principios de la década de 1920, cuando Tzara, Ernst, Duchamp y otros pioneros de Dada participaron en una serie de exposiciones de arte provocativo, actuaciones de desnudos, producciones ruidosas y manifiestos incomprensibles. Pero el movimiento se estaba desmoronando. El crítico y poeta francés André Breton emitió sus propios manifiestos de Dada, pero cayó en una disputa con Tzara, ya que Picabia, harta de todas las luchas internas, huyó de la escena. A principios de la década de 1920, Breton ya estaba tramando la próxima gran idea de vanguardia, el surrealismo. "Dada", se regodeó, "afortunadamente, ya no es un problema y su funeral, alrededor de mayo de 1921, no causó disturbios".
Pero Dada, que aún no estaba completamente muerto, pronto saltaría de la tumba. Las abstracciones de Arp, las construcciones de Schwitters, los objetivos y rayas de Picabia y los readymades de Duchamp pronto aparecieron en el trabajo de los principales artistas y movimientos artísticos del siglo XX. Desde las abstracciones de Stuart Davis hasta el Pop Art de Andy Warhol, desde los objetivos y las banderas de Jasper Johns hasta los collages y combinaciones de Robert Rauschenberg, casi en cualquier lugar en el arte moderno y contemporáneo, Dada lo hizo primero. Incluso Breton, quien murió en 1966, se retractó de su desdén por Dada. "Fundamentalmente, desde Dada", escribió, no mucho antes de su muerte, "no hemos hecho nada".
