Todas las tendencias se vuelven más claras con el tiempo. Mirando el arte incluso 15 años después, "puedes ver los patrones un poco mejor", dice Melissa Ho, curadora asistente en el Museo Hirshhorn. "Hay tendencias más grandes y profundas que tienen que ver con cómo estamos viviendo en el mundo y cómo lo estamos experimentando".
Entonces, ¿qué es exactamente el arte moderno? La pregunta, dice, es menos responsable que discutible sin fin.
Técnicamente, dice Ho, el arte moderno es "la expresión cultural del momento histórico de la modernidad". Pero se cuestiona cómo desempaquetar esa afirmación. Una forma de definir el arte moderno, o algo realmente, es describir lo que no es. La pintura y la escultura académicas tradicionales dominaron los siglos XVII, XVIII y XIX. "Se trataba de una técnica perfecta y perfecta y de usar esa técnica perfecta y perfecta para ejecutar un tema muy bien establecido", dice Ho. Había una jerarquía de géneros, desde pinturas de historia hasta retratos, bodegones y paisajes, y nociones muy estrictas de belleza. "Parte del triunfo del modernismo es anular los valores académicos", dice ella.
En una especie de reacción al arte académico tradicional, el arte moderno se trata de la expresión personal. Aunque no siempre fue el caso históricamente, explica Ho, "ahora, parece casi natural que la forma en que piensas en las obras de arte sea como una expresión de una visión individual". El modernismo abarca una gran variedad de artistas y tipos de arte. Pero los valores detrás de las piezas son muy parecidos. "Con el arte moderno, se pone este nuevo énfasis en el valor de ser original y hacer algo innovador", dice Ho.
Edouard Manet y los impresionistas fueron considerados modernos, en parte, porque representaban escenas de la vida moderna. La revolución industrial trajo a las ciudades a muchas personas, y surgieron nuevas formas de ocio en la vida urbana. Dentro de las galerías de Hirshhorn, Ho señala People of Chilmark de Thomas Hart Benton, una pintura de una masa de hombres y mujeres enredados, que recuerda un poco a la clásica Balsa de la Medusa de Miguel Ángel o Théodore Géricault, excepto que es una escena de playa contemporánea, inspirado en la ciudad de Massachusetts, donde Benton verano. Ringside Seats, una pintura de un combate de boxeo de George Bellows, cuelga cerca, al igual que tres pinturas de Edward Hopper, una titulada First Row Orchestra de espectadores que esperan que se corten las cortinas.
En el arte renacentista, se le dio una gran importancia a la imitación de la naturaleza. "Entonces, una vez que eso se ha fragmentado, se permite que florezca la abstracción", dice Ho. Obras como Benton y Hopper son una combinación de observación e invención. Los cubistas, a principios de 1900, comenzaron a jugar con el espacio y la forma de una manera que deformaba la vista pictórica tradicional.
Los historiadores del arte a menudo usan la palabra "autónomo" para describir el arte moderno. "Lo vernáculo sería 'arte por el arte'", explica Ho. "No tiene que existir para ningún tipo de valor de utilidad que no sea su propia razón existencial de ser". Por lo tanto, evaluar el arte moderno es una bestia diferente. En lugar de preguntar, como se podría hacer con una pintura de historia, sobre la narrativa: ¿quién es el personaje principal? ¿Y cuál es la acción? Evaluar una pintura, por ejemplo, de Piet Mondrian, se convierte más en composición. "Se trata de la tensión compositiva", dice Ho, "el equilibrio formal entre el color y la línea y el volumen, por un lado, pero también la extrema pureza y rigor de la misma".
Según Ho, algunos dicen que el modernismo alcanza su punto máximo con el expresionismo abstracto en Estados Unidos durante la era de la Segunda Guerra Mundial. Cada artista del movimiento intentó expresar su genio y estilo individuales, particularmente a través del tacto. "Entonces obtienes a Jackson Pollock con su pintura que gotea y tira", dice Ho. "Se obtiene a Mark Rothko con sus campos de color muy luminosos y finamente pintados". Y, a diferencia de la pincelada invisible en pinturas académicas muy vidriadas, los trazos en las pinturas de Willem de Kooning son flojos y a veces gruesos. "Realmente puedes sentir cómo se hizo", dice Ho.
Sin embargo, poco después de la Segunda Guerra Mundial, las ideas que impulsan el arte nuevamente comenzaron a cambiar. La posmodernidad se aleja del enfoque moderno en la originalidad, y el trabajo es deliberadamente impersonal. "Ves mucho trabajo que utiliza medios mecánicos o cuasi mecánicos o medios de escritorio", dice Ho. Andy Warhol, por ejemplo, usa serigrafía, en esencia eliminando su toque directo, y elige temas que juegan con la idea de la producción en masa. Mientras que los artistas modernos como Mark Rothko y Barnett Newman tomaron decisiones de color que debían conectarse emocionalmente con el espectador, los artistas posmodernos como Robert Rauschenberg introducen la oportunidad en el proceso. Rauschenburg, dice Ho, era conocido por comprar pintura en latas sin marcar en la ferretería.
"La posmodernidad está asociada con la deconstrucción de la idea: 'Soy el genio artístico y me necesitas'", dice Ho. Artistas como Sol LeWitt y Lawrence Weiner, con obras en Hirshhorn, eluden aún más la autoría. La pieza de Weiner titulada “UNA BOLA DE GOMA LANZADA EN EL MAR, Cat. No. 146 ”, por ejemplo, se exhibe en el museo con letras grandes, azules y sin serifas. Pero Weiner estaba abierto a las siete palabras que se reproducen en cualquier color, tamaño o fuente. "Podríamos haber tomado un marcador y escribirlo en la pared", dice Ho. En otras palabras, Weiner consideraba que su papel como artista tenía más que ver con la concepción que con la producción. Del mismo modo, algunos de los dibujos de LeWitt de finales de la década de 1960 son básicamente dibujos por instrucción. Proporciona instrucciones, pero cualquiera, en teoría, puede ejecutarlas. "En esta generación de posguerra, existe una tendencia, en cierta forma, hacia la democratización del arte", dice Ho. "Al igual que el dibujo de Sol LeWitt, es esta opinión que cualquiera puede hacer arte".
Etiquetas como "moderno" y "posmoderno", y tratando de identificar las fechas de inicio y finalización de cada período, a veces los historiadores y curadores de arte irlandés. "He escuchado todo tipo de teorías", dice Ho. “Creo que la verdad es que la modernidad no sucedió en una fecha en particular. Fue esta transformación gradual que sucedió durante un par de cientos de años ”. Por supuesto, las dos veces que, por razones prácticas, deben establecerse fechas cuando se imparten cursos de historia del arte y se organizan museos. Según la experiencia de Ho, el arte moderno generalmente comienza alrededor de la década de 1860, mientras que el período posmoderno arraiga a fines de la década de 1950.
El término "contemporáneo" no está vinculado a un período histórico, como lo son los modernos y posmodernos, sino que simplemente describe el arte "de nuestro momento". Sin embargo, en este punto, el trabajo que data de alrededor de 1970 a menudo se considera contemporáneo. El problema inevitable con esto es que crea un cuerpo de trabajo contemporáneo en constante expansión del cual los profesores y curadores son responsables. "Solo hay que estar atento a cómo van estas cosas", aconseja Ho. "Creo que se van a redefinir".
