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Todos aclamen el renacimiento de Artemisia Gentileschi

Las obras maestras barrocas de Artemisia Gentileschi tienen que ver con las mujeres. Más específicamente, muestran a las mujeres en acción, afirmando activamente la agencia femenina y desafiando a los hombres alternativamente lujuriosos, asesinos e imprudentes que los rodean. Incluso en pinturas que carecen de presencia masculina, por ejemplo, el "Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría" de 1615-17, que encuentra a la artista agarrando una rueda de tortura rota mientras ofrece a los espectadores una mirada desafiante de lado a lado: la subversión del género las normas son fácilmente aparentes, estampadas en el tejido mismo de las creaciones proto-feministas increíblemente realistas de Gentileschi.

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No es de extrañar, entonces, que Gentileschi haya disfrutado de un resurgimiento de la atención en los últimos tiempos, con 2018 emergiendo como un punto culminante particular de este renacimiento del siglo XXI. En julio, la National Gallery de Londres compró el autorretrato mencionado anteriormente por £ 3.6 millones (aproximadamente $ 4.7 millones de dólares), estableciendo un récord para el artista y elevando la miserable colección de obras de mujeres del museo a un total de 21 piezas. La conservación y restauración del lienzo tomó alrededor de cinco meses, pero como Mark Brown informa para The Guardian, "Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría" finalmente hizo su debut público triunfante.

Considerado un "regalo de Navidad para la nación", la pintura de Gentileschi, que se exhibió el miércoles, visitará lugares "inusuales e inesperados" en todo el Reino Unido a partir de marzo de 2019 en adelante y encabezará una importante exposición de 2020 con 35 obras anticipadas de El viejo maestro barroco.

Aunque gran parte de la discusión en torno a Gentileschi y su autorretrato autorretrato se ha centrado en el precio de compra histórico del lienzo y sus implicaciones para la representación de las mujeres en el arte, puede haber un lado más oscuro en la adquisición de titulares de la Galería Nacional: como Javier Pes escribe para artnet News, el museo ha agregado la pintura a una lista de artefactos potencialmente saqueados por los nazis durante la Segunda Guerra Mundial.

Las actas de la reunión de fideicomisarios obtenidas por artnet revelan preocupaciones con respecto a la documentación de la procedencia del trabajo durante los años 1930 y 40 Un francés llamado Charles Marie Boudeville dejó el retrato a su hijo adolescente a su muerte a principios de la década de 1940, pero no está claro cómo lo tomó originalmente. De hecho, explica Pes, la brecha en la procedencia se remonta hasta el momento de la creación de la pintura, lo que dificulta a los académicos rastrear el viaje del trabajo desde el taller florentino de Gentileschi hasta la Francia del siglo XX.

Según un portavoz de la Galería Nacional, el museo tiene pruebas contundentes que sugieren que Boudeville no compró el retrato, un hombre de pocos medios que no mostró otros signos de aptitud para el arte, sino que lo heredó antes de 1933, cuando el saqueo nazi comenzó en serio.

El historiador de arte y experto en arte perdido Noah Charney le dice a artnet que la compra de una obra tan oscura por parte de una institución de la talla de la galería es "altamente inusual y problemática". Aún así, agrega que la falta de documentación no necesariamente hace que un objeto saquee el arte .

Artemisia_Gentileschi _-_ Judith_Beheading_Holofernes _-_ WGA8563.jpg Artemisia Gentileschi, "Judith decapitando a Holofernes", c. 1612 (dominio público)

"Autorretrato como Santa Catalina de Alejandría" llegó inicialmente al mercado en diciembre de 2017, cuando el subastador con sede en París Christophe Joron Derem lo vendió al distribuidor londinense Robilant + Voena por el precio récord de € 2, 4 millones (alrededor de $ 2, 7 millones de dólares). ) En julio de 2018, la Galería Nacional anunció su compra récord (de nuevo) de lo que el crítico de arte de The Guardian, Jonathan Jones, describe como un "registro fascinante del dolor y el coraje [de Gentileschi]".

Jones escribe que el lienzo parece actuar como una "alusión directa" al infame juicio por violación en 1612 del artista, que encontró al padre de Gentileschi, de 18 años, compañero pintor Orazio Gentileschi, acusando al maestro de arte de su hija, Agostino Tassi, de agredir sexualmente su. (Como Sarah Cascone explica para artnet News, a las mujeres se les prohibió presentar cargos de violación en ese momento, por lo que Orazio actuó en nombre de Gentileschi, detallando la disminución en el "valor de trueque" infligido por su pérdida de virginidad).

En el transcurso del juicio de siete meses, Gentileschi ofreció un testimonio desgarrador de su terrible experiencia, incluso sometida a una brutal tortura para demostrar la fiabilidad de su cuenta. Jones describe esta parodia de la corte en un artículo separado de Guardian, y escribe que el juez aprobó el "uso moderado del sibille ", o anillos de metal apretados alrededor de los dedos con cuerdas. A pesar de esta tortura, el artista declaró repetidamente: "Es verdad, es verdad, es verdad, es verdad".

El violador, a pesar de ser declarado culpable, nunca fue castigado. En cambio, fue Gentileschi quien tuvo que lidiar con las cicatrices, tanto físicas como emocionales, de su tortura. Este trauma se refleja en las representaciones del artista del villano del Antiguo Testamento Holofernes y su asesina, una joven llamada Judith: dos versiones de la escena sobreviven, sorprendentemente brutal, presentan a Judith determinada aserrando a través del cuello ensangrentado y sangriento de Holofernes y, como Jones señala que bien podría duplicarse como representaciones de Gentileschi que vengan a Tassi. Si bien Gentileschi era analfabeta funcional, los estudiosos le sugirieron que usara su obra de arte para transmitir su historia y, en este caso, como observa Jones, incluso se pinta un nuevo destino.

El autorretrato de Santa Catalina, en comparación, es una meditación más sutil sobre el pasado de su creador, que se basa en la iconografía de la rueda rota de Catalina para simbolizar "sufrimiento superado ... [y] violencia duradera". Pero si miras a los ojos de Gentileschi, Verás acero mirando hacia atrás. Como la propia artista proclamó una vez: "Encontrarás el espíritu de César en esta alma de mujer".

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