La partitura para la composición indeterminada de John Cage "Fontana Mix" (imagen: BBC Radio 3)
Con el desarrollo de la notación musical, la música se liberó de los delicados lazos de las tradiciones orales y auditivas. Una estructura subyacente estandarizada significaba que todo, desde el canto gregoriano hasta "Johnny B Goode", podía preservarse y proliferarse con relativa facilidad. Sin embargo, a partir de los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, algunos músicos y compositores más progresistas comenzaron a pensar que el personal de la música podría ser más restrictivo que liberador y comenzaron a experimentar con nuevas y más expresivas formas de notación de música gráfica.
El compositor estadounidense John Cage exploró el uso del azar y la indeterminación en sus composiciones musicales con el objetivo de borrar su propia subjetividad de su música, la mano de los artistas, por así decirlo. Para comunicar sus "composiciones" indeterminadas, para usar el término libremente, Cage desarrolló métodos elaborados de notación gráfica que implican una serie de transparencias. Primero utilizó este método en la partitura de 1958 para "Variaciones I", que consistía en seis cuadrados transparentes: uno con 27 puntos que representan el sonido y cinco con cinco líneas, que representan cualquier valor musical asignado. La composición se obtuvo colocando los cuadrados uno encima del otro en cualquier combinación. Cage continuaría desarrollando y expandiendo este método a lo largo de los años 50 y 60, como se ve en la imagen superior que representa la partitura algo más elaborada para "Fontana Mix". La notación de Cage consiste en cuatro cintas de casete multicanal, diez transparencias inscritas con pequeñas puntos, una transparencia con una línea recta y diez hojas de papel en las que se dibujaron líneas onduladas de colores, y un "bastón" similar al papel cuadriculado. Las transparencias se usaron para obtener coordenadas que luego se usaron para determinar qué cinta se usó, como así como los valores del sonido de la cinta: longitud (en pulgadas), volumen, timbre, etc. De acuerdo con All Music Guide to Classical Music, Cage describió la partitura como "una cámara desde la cual cualquiera puede tomar una fotografía".
La partitura de "Pendulum Music" de Steve Reich (imagen: Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000)
La partitura para "Pendulum Music" de Steve Reich (Steven Reich, Writings on Music, 1965-2000) La partitura de Steve Reich para "Pendulum Music" es un conjunto de instrucciones sencillas y escritas que describen cómo se representa y ejecuta la pieza. La grabación anterior fue realizada por Sonic Youth para su álbum de 1999 SYR4: Goodbye 20th Century. Las partes de la partitura manuscrita son un poco difíciles de leer, así que aquí hay una transcripción:
“2, 3, 4 o más micrófonos están suspendidos del techo por sus cables para que todos cuelguen a la misma distancia del piso y puedan moverse libremente con un movimiento pendular. El cable de cada micrófono está conectado a un amplificador que está conectado a un altavoz. Cada micrófono cuelga unos centímetros directamente encima o al lado de su altavoz.
La actuación comienza con los artistas que toman cada micrófono, lo tiran hacia atrás como un columpio y luego, al unísono, los liberan a todos juntos. Luego, los artistas ejecutan cuidadosamente cada amplificador hasta el punto en que ocurre la retroalimentación cuando un micrófono se balancea directamente sobre o al lado de su altavoz. Por lo tanto, se dirigen una serie de pulsos de retroalimentación que serán todos al unísono o no, dependiendo de las relaciones de fase que cambian gradualmente de los diferentes péndulos de los micrófonos.
Luego, los artistas se sientan a mirar y escuchar el proceso junto con la audiencia.
La pieza finaliza en algún momento después de que todos los micrófonos se hayan detenido y estén retroalimentando un tono continuo por parte de los artistas que extraen los cables de alimentación de los amplificadores ".
La notación gráfica de Brian Eno para Music for Airports (publicada en la parte posterior de la portada del álbum) En 1978, el músico Brian Eno creó el álbum seminal Ambient 1: Music for Airports . Eno acuñó el término "ambiente" para describir este paisaje sonoro atmosférico y distinguirlo de la "música de elevador" conservada iniciada por Muzak. Al hacerlo, creó no solo un álbum, sino un género musical completo. Eno se inspiró en compositores como Cage y Reich, pero no tenía entrenamiento musical formal. Cuando una entrevista le preguntó por qué nunca aprendió a leer música, Eno, que prefería componer directamente en una cinta, respondió:
“No sería muy útil para mí. Hubo una o dos ocasiones en las que me quedé atrapado en algún lugar sin mi grabadora y tuve una idea, traté de memorizarla, y dado que una buena idea casi siempre se basa en algunos matices desconocidos, por lo tanto, es automáticamente difícil de recordar. Entonces, en esas raras ocasiones, pensé: 'Dios, si pudiera escribir esto'. Pero, de hecho, mucho de lo que hago tiene que ver con la textura del sonido, y de todos modos no puedes notarlo ... Eso es porque la notación musical surgió en un momento en que las texturas del sonido eran limitadas. Si dijiste violines y viento de madera que definieron la textura del sonido, si digo sintetizador y guitarra no significa nada, estás hablando de 28, 000 variables ".
En lugar de la notación tradicional, Eno creó los gráficos vistos anteriormente, que parecen estar más preocupados por comunicar una impresión visual de la música y no están realmente destinados a ser utilizados como una guía para reproducir realmente la música.
Una página de la partitura para "Polymorphia" de Krzysztof Penderecki (Ex Tempore) La "Polimorfia" de Krzysztof Penderecki fue encargada por la Radio del Norte de Alemania en Hamburgo en 1961. Como su nombre indica, la pieza toma varias formas y cambia dramáticamente de una sección a otra. Con "Polymorphia", Penderecki estaba buscando nuevas posibilidades sonoras y, si esas posibilidades incluyen "música terrorífica de la casa embrujada", lo logró. La composición está destinada a 48 instrumentos de cuerda y enfatiza el timbre en lugar del tono, y la colisión de cuerpos generadores de sonido hechos de metal, madera o cuero, a lo que el estudioso de la música Danuta Mirka se refiere como los "materiales primarios" del compositor. La notación se inspiró, en parte, en electroencefalogramas, mediciones visuales de la actividad cerebral. Evita las medidas tradicionales a favor de una partitura dividida en secciones de longitud variable y, en algunas secciones, más divisiones verticales para marcar cada segundo, con un "espacio de tono total" que describe el tono relativo de cada instrumento.
Página 183 de la partitura para el "Tratado" de Corenlius Cardew (jaula espiral) El "Tratado" del compositor inglés Cornelius Cardew fue escrito entre 1963 y 1967. Consta de 193 páginas de notación gráfica que emplea números ambiguos, formas y símbolos que Carew pretendía que el intérprete interpretara. Sugiere que los artistas acuerden sus propias reglas antes de la actuación, pero no proporciona otras instrucciones explícitas para interpretar la pieza. En el manual "Tratado", Cardew ofrece consejos adicionales y crípticos como "Recuerde que el espacio no corresponde literalmente al tiempo" y "Hay una gran diferencia entre: a) hacer lo que quiera y al mismo tiempo leer las anotaciones, yb) leer las anotaciones e intentar traducirlas en acción. Por supuesto, puede dejar que la partitura funcione en material previamente dado, pero debe hacer que funcione activamente ”. La única constante a lo largo de“ Tratado ”es la“ línea de vida ”gruesa dibujada en el centro de la partitura. No tiene ningún valor intrínseco, pero los artistas suelen utilizarlo como referencia de referencia para el tono o algún otro valor musical. En definitiva, "Tratado" es la notación como forma de arte. Como dice Carew: “La notación es más importante que el sonido. No es la exactitud y el éxito con el que una notación nota un sonido; pero la musicalidad de la notación en su anotación ".
Notación de ajedrez superpuesta en una imagen de una partida de ajedrez musical entre Marcel Duchamp y John Cage (Parsons) Para terminar, la media notación. Solo lo cuento como la mitad porque usa un sistema de notación tradicional, simplemente no un sistema de notación musical . En 1968, John Cage jugó un partido de ajedrez contra Marcel DuChamp como parte de la actuación colaborativa, Reunion (pdf), que también contó con música electrónica de David Behrman, Gordon Mumma, David Tudor y Lowell Cross. Dado su interés en el azar, no sorprende que Cage concibiera la obra, pero fue compuesta por los músicos antes mencionados. La placa en sí fue diseñada por Cross y resistencias fotográficas ocultas, micrófonos de contacto y conexiones a generadores de sonido. Durante el partido, el movimiento de las piezas activó luces y música electrónica, transformando el ambiente de exhibición de acuerdo con el movimiento de las piezas en el tablero. El arte del ajedrez se transformó en música y luz, una especie de sinestesia estratégica. Es una idea fascinante. ¿Cómo sonaría la defensa siciliana? ¿O un gambito de reina?
Los ejemplos anteriores representan tanto la notación para música experimental como la notación experimental para música. Pero son solo algunos de los muchos modos de notación gráfica y experimental que los artistas han explorado en los últimos 60 años. Mientras que algunos artistas encuentran restricciones inspiradoras, incluso si esas restricciones son aparentemente ilimitadas como la notación musical, otros encuentran que el progreso solo puede lograrse rompiendo los modos aceptados de producción y comunicación. Y aunque los resultados pueden no ser siempre agradables, son innegablemente interesantes y representan un esfuerzo sincero para llevar una forma de arte a un territorio inexplorado. Vanguardista en el verdadero sentido de la palabra.
